Art war eine Kunstbewegung, die sich auf Populärkultur, Konsumkultur und Massenmedien konzentrierte. Die Pop Art entstand in den 1950er Jahren im Vereinigten Königreich und verbreitete sich in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten. Sie war eine Reaktion auf die vorangegangenen Kunstbewegungen wie den Abstrakten Expressionismus, der sehr persönlich und philosophisch war, und eine Reaktion auf den Elitismus der traditionellen und der modernen „hohen Kunst“.
Pop-Art-Künstler lassen sich von der dynamischen Konsumkultur inspirieren, indem sie Bilder aus Werbung, Zeitungen, Comics, Produktetiketten, Fernsehen und Hollywood-Filmen verwenden und manipulieren.
Die führenden Namen, die die Bewegung prägten, waren Eduardo Paolozzi, Peter Blake, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Robert Rauschenberg und viele andere.
Was ist Pop Art?
Pop Art war eine Kunstbewegung, die sich auf die amerikanische Populärkultur, die Konsumkultur und die Massenmedien stützte, insbesondere als ironische Reaktion auf die Werte der „hohen Kunst“. Die Pop Art entstand in den 1950er Jahren in Großbritannien und verbreitete sich in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten.
Die britische Pop Art spielte mit den Fantasien des amerikanischen Konsumverhaltens, das die britischen Künstler aus der Ferne betrachteten. Die Briten hatten noch immer mit den Kriegsschäden zu kämpfen, die sie ein Jahrzehnt zuvor erlitten hatten. Der Kommerz, der bunte Gegenstände aus dem Alltag umfasst, wurde Teil der Kunst.
Einer der Begründer der Pop Art, Richard Hamilton, beschrieb die Pop Art mit den Worten: „Pop Art ist populär, vergänglich, entbehrlich, billig, massenproduziert, jung, witzig, sexy, effekthascherisch, glamourös und ein großes Geschäft.“
In der Pop Art verschmelzen hohe Kunst und niedrige Kunst miteinander. Sie wurde stark von der Populärkultur beeinflusst. Sie sprach die kulturelle Jugendbewegung an. Zum ersten Mal kamen alle in den Genuss von Fast Food, schnellen Autos und Farbfernsehen. Die neue Musik war Teil dieser Generation. Britische Popbands wie die Beatles und die Rolling Stones dominierten die Musikszene. Das war Elvis Presley auch. Auch Filme und Comics dienten der Inspiration.
Geschichte der Pop Art
Der Ursprung der Pop Art liegt in dem 1952 in London gegründeten kunstzentrierten Club Independent Group. Die Independent Group setzte sich aus den Künstlern Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi sowie den Architekten Alison und Peter Smithson zusammen. Zu der Gruppe gehörten auch zwei Kunstkritiker, Reyner Banham und Lawrence Alloway.
Die Diskussionen unter den Mitgliedern der Unabhängigen Gruppe waren reich an Populärkultur und umfassten Themen, die zu dieser Zeit in der Kunst nicht oft vertreten waren, darunter Westernfilme, Science-Fiction, Werbung und die neuen Annehmlichkeiten, die Haushaltsgeräte mit sich brachten.
Die Werke von Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi verweisen auf den amerikanischen Konsumismus mit Hilfe von Massenartikeln. Diese Künstler gehörten zu den ersten, die Bilder der Massenmedien verwendeten.
Die New Yorker Pop-Art-Szene wurde von der Neo-Dada-Bewegung beeinflusst, wie z. B. dem Künstler Jasper John, der die abstrakte Malerei mit wiedererkennbaren Bildern des Alltagslebens kombinierte. Dazu gehörten Zahlen, Buchstaben und Handabdrücke. Robert Rauscherberge war damit beschäftigt, Ölmalerei mit gefundenen Objekten zu kombinieren.
In den 1960er Jahren wechselte Warhol von der Handmalerei zum Siebdruck. Die Wiederholung in seinem Werk repräsentiert sowohl die massenhaft produzierten Konsumgüter als auch die Berühmtheit. Sie betonte auch die ständigen Bilder von dem, was im Familienfernsehen und in der Presse zu sehen war. Roy Lichtenstein hingegen wurde vor allem von Bildern aus Comics beeinflusst.
In Los Angeles wurde die Pop Art mit der Ausstellung Pop Art 1962 bekannt, New Painting of Common Objects, im Pasadena Art Museum. Zu sehen waren Werke von Andy Warhol und Roy Lichtenstein. Zu den in Los Angeles lebenden und arbeitenden Künstlern gehörten Robert Dowd, Joe Goode, Phillip Hefferton, Ed Ruscha und Wayne Thiebaud. Geografische Bezüge zu Los Angeles wurden durch Surfbretter und Motorräder in den Werken von Billy Al Bengston dargestellt. Auf diese Weise wurde auch die Pop Art regional.
Weitere Informationen finden Sie in unserem kurzen Leitfaden zur Geschichte der Pop-Art.
Warum nennt man sie „Pop Art“?
Der Begriff „Pop Art“ wird in der Regel dem britischen Kunstkritiker und Kurator Lawrence Alloway zugeschrieben, um darauf hinzuweisen, dass die Kunst eine Grundlage in der Populärkultur ihrer Zeit hat. Im weiteren Verlauf des Jahrzehnts übernahmen amerikanische Künstler die Führung in der Bewegung, die in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erreichen sollte.
Wie bei den meisten Kunstwerken ist es schwierig, den Ursprung des Namens zu bestimmen. Die Begriffe werden im Allgemeinen auf die Kunst angewandt, nachdem ein Trend festgestellt wurde, und in der Regel nicht von den Künstlern, die sie geschaffen haben. Einige Kunsthistoriker schreiben ihn Alloway zu, aber auch Briefe von Hamilton und den Smithsons enthielten den Begriff. Das Wort „Pop“ taucht zum ersten Mal in Paolozzis Collage “ I Was a Rich Man’s Plaything“ (1947) auf.
Merkmale der Pop Art
Zu den Merkmalen der Pop Art gehören:
- Eine Verschmelzung von hoher Kunst und Kultur/feiner Kunst und niedriger Kunst
- Der Glaube, dass jedes Thema in der Kunst verwendet werden kann
- Integrierte Populärkultur
- Prominente Verweise auf Rockstars, Filmstars und Politiker
- Bilder des amerikanischen Konsumverhaltens
- Massenproduktion von Konsumgütern
- Alltägliche Bilder von Menschen, Konsumgütern, Haushaltsgeräten
- Kräftige Farben aus dem primären und sekundären Farbkreis
- Harte Kanten
- Monumentale Bilder
- Ben-Day-Punkte wie früher in den Comics
- Zellstoff-Kultur
- Einbindung von Beschriftungen und Logos
- Geografischer Bezug durch Darstellung von Surfbrettern und Motorrädern
- Verwendung neuer Medien wie Autolack
- Im Allgemeinen emotionslos/ der Betrachter ist nur ein Beobachter
Weitere Informationen finden Sie in unserem vollständigen Leitfaden zu den Merkmalen der Pop Art.
Was sind die verschiedenen Arten und Stile der Pop Art?
- Malerei mit verschiedenen Medien, die im Allgemeinen nicht mit der bildenden Kunst in Verbindung gebracht werden
- Collage aus neuen und alten Fotos, Bildern aus Zeitschriften und Zeitungen
- Siebdruck zur Massenproduktion von Bildern
- Skulpturen und Objekte aus Stoff
- Papiermaches
- Gipsmodelle
- Weiche Formstoffe
Pop Art Künstler
Zu den bekanntesten Künstlern der Pop Art gehören die britischen Künstler Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, und Peter Blake sowie die amerikanischen Künstler Andy Warhol und Roy Lichtenstein.
Richard Hamilton
Richard Hamilton (1922-2011) war der Begründer der Pop Art. Der Künstler nutzte visuelle Gegenüberstellungen, um die Energie der neuen elektronischen Fernsehgeräte für den Heimgebrauch einzufangen. Ihm wird auch die Verschmelzung von Kunst und Konsum zugeschrieben, die zu einem grundlegenden Element der Pop-Art-Bewegung werden sollte. Seine Arbeiten enthalten oft das Element von Bildern in anderen Bildern.
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Eduardo Paolozzi
Der schottische Pop-Art-Künstler Eduardo Paolozzi (1924-2005) war einer der Pioniere der Pop-Art. Er war bekannt für seine grafischen Arbeiten, Collagen, Skulpturen und Mosaikwandbilder. Der ehemalige Beetle Paul McCartney wählte Paolozzi aus, um das Cover seines Albums Red Rose Speedway zu gestalten.
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Peter Blake
Peter Blake (1932-) fühlte sich nach dem Ausbruch des Krieges in Großbritannien vom Optimismus der bunten Werbung, Zeitschriften und Plakate angezogen. Ursprünglich als Grafiker ausgebildet, war die Pop Art für Blake die perfekte Bewegung, um seine kommerzielle Kunstausbildung mit der bildenden Kunst zu verbinden. Seine Arbeiten enthalten oft das Element von Bildern in anderen Bildern. Der Künstler ist vor allem für die Gestaltung des Covers des Beatles-Albums Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) bekannt.
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Andy Warhol
Der amerikanische Pop-Art-Künstler Andy Warhol (1929-1987) arbeitete als Illustrator sowohl für Publikumszeitschriften als auch für die Werbung. Dies inspirierte seine künstlerische Karriere, die sich auf kommerzielle Waren und Berühmtheiten konzentriert. Weitere berühmte Werke Warhols sind die sich wiederholenden Seidenschirme von Berühmtheiten (wie Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Mick Jagger und Elvis Presley), ein Kommentar zu der Häufigkeit, mit der ihre Gesichter in den Massenmedien zu sehen waren.
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Roy Lichtenstein
Der amerikanische Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein (1923-1997) wurde am stärksten von Comics beeinflusst. Die Werke erscheinen in leuchtenden Farben mit dunklen schwarzen Umrissen. Indem er seinen Leinwänden Ben-Day-Punkte hinzufügte, ahmte er eine Drucktechnik nach, die bei der Erstellung von Comics verwendet wird. Die Hinzufügung von Gedankenblasen sorgt für einen trockenen Humor.
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Claes Oldenburg
Claes Oldenburg (1929-) wurde in Stockholm, Schweden, geboren und zog im Alter von sieben Jahren nach Chicago, wo sein Vater als schwedischer Diplomat arbeitete. Der Künstler ist vor allem dafür bekannt, dass er alltägliche Gegenstände mit viel Spaß in gigantische Skulpturen verwandelt. Seine Arbeiten sind weltweit zu sehen, in den Vereinigten Staaten, Europa und Asien.
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Weitere Pop-Art-Künstler finden Sie in unserem Leitfaden über Pop-Art-Künstler und Pop-Art-Künstlerinnen.
Pop-Art-Kunstwerk
Beispiele für berühmte und bemerkenswerte Pop-Art-Kunstwerke sind die folgenden:
Ich war das Spielzeug eines reichen Mannes (1947) Eduardo Paolozzi
In diesem Werk verwendet Paolozzi Bilder aus amerikanischen Zeitschriften. Die Zeitschrift mit dem Titel Intime Bekenntnisse wurde ihm von einem amerikanischen Ex-Soldaten aus Paris geschenkt. Auf der Titelseite war ein Pin-up-Girl abgebildet, das Paolozzi als zentrales Bild verwendete. Ein Coca-Cola-Logo, eine Kirschtorte und ein Bomber aus dem Zweiten Weltkrieg sind ebenfalls in der Collage zu sehen. Ein Mann mit einer Pistole und der Aufschrift POP!
Was macht die Häuser von heute so anders, so attraktiv? (1956) Richard Hamilton
Dieses Werk wird oft als das erste geniale Werk der Pop Art bezeichnet. Mit Bildern aus amerikanischen Magazinen illustriert die Collage das neue, zeitgenössische Adam und Eva innerhalb der Grenzen eines Hauses, das dem Konsumismus huldigt. Hier versteckt ein nackter, muskulöser Adam seinen Unterleib hinter einem riesigen Lutscher. Eve trägt Pasties und einen Lampenschirm.
Swingeing London 67 (f) Richard Hamilton
Mit Acryl auf Leinwand stellt Richard Hamilton ein Zeitungsbild von Mick Jagger und Keith Richards von den Rolling Stones nach. Was das Werk besonders interessant macht, ist die Tatsache, dass es die Verhaftung der Bandmitglieder wegen Drogenbesitzes illustriert. Beide sind mit Handschellen gefesselt und verbergen ihre Gesichter. Der Titel ist eine Anspielung auf Swinging London, die Jugendbewegung der damaligen Zeit. Es war eine Gegenkultur zu den Traditionen, die die Öffentlichkeit hochhielt, und das Gemälde zeigt die Wirkung. Im britischen Slang bedeutet „swingeing“ „schwer“. Sammlung der Tate in London, Vereinigtes Königreich.
Auf dem Balkon (1956-1957) Peter Blake
Dieses Werk von Peter Blake kombiniert Bilder von Menschen mit Symbolen des Lebensstils rundherum. Es gibt Bilder aus der Populärkultur ebenso wie aus der bildenden Kunst, wodurch die Grenzen verwischt werden. Blake hat das Werk so konzipiert, dass es wie eine Collage aussieht, obwohl es aus Öl auf Leinwand besteht. Sammlung der Tate, London, Vereinigtes Königreich
Campbell’s-Suppendosen (1962) Andy Warhol
Eines von Andy Warhols berühmtesten Werken ist Campbell’s Soup Cans. Das Werk besteht aus Illustrationen der Lieblingssuppe seiner Kindheit auf 32 Postern, die mit synthetischer Polymerfarbe auf Leinwand gemalt wurden. Jedes Plakat repräsentierte eine andere Geschmacksrichtung und wurde horizontal ausgestellt. Warhols Arbeiten lösten eine öffentliche Debatte darüber aus, was als Kunst angesehen werden kann.
Elvis I und II (1963-1964) Andy Warhol
Elvis I und II, von Andy Warhol, ist ein Doppelkunstwerk auf zwei Leinwänden. Eines in blauem Acryl auf Leinen, mit Siebdruckfarbe. Hier erscheint Elvis in auffälligen lila Hosen und einem roten Hemd. Die silberne Leinwand verwendet Sprühfarbe und Siebdrucktinte, um Bilder darzustellen, die wie ein Zeitungsbild aussehen. Dieses Werk wurde in Massenproduktion hergestellt.
Look Mickey (1961) Roy Lichtenstein
Roy Lichtensteins Look Mickey ist ein Bild in Öl auf Leinwand, das die Mickey Mouse aus Walt Disneys berühmten Cartoons zeigt. Hier lacht Mickey auf Kosten seines berühmten Freundes Donald Duck. Die Freunde angeln, und die Ente sagt: „Schau Mickey, ich habe einen großen Fisch am Haken!“ Mickey unterdrückt ein Lachen, denn die Ente hat nur seinen eigenen Hintern erwischt. Der Künstler hat das Bild direkt dem Kinderbuch aus den 1960er Jahren entnommen Donald Duck: Verloren und gefunden. Das Werk befindet sich in der National Gallery of Art in London, Vereinigtes Königreich.
Whaam!(1963) Roy Lichtenstein
Eines von Lichtensteins Comicgemälden, die Ereignisse aus dem wirklichen Leben aufgreifen, ist Whaam! Dieses Gemälde, das die Luftwaffe darstellt, besteht aus zwei großen Tafeln. In der Gedankenblase heißt es: „Ich drückte den Feuerknopf… und vor mir schossen Raketen in den Himmel.“ Für das Werk wurden Acryl- und Ölfarben auf Leinwand verwendet. Es hängt in der Tate Modern in London, Vereinigtes Königreich.
Ertrinkendes Mädchen (1963) Roy Lichtenstein
Im MoMA in New York hängt Drowning Girl, ein Werk aus Öl und synthetischer Polymerfarbe auf Leinwand. Ohne sich um ihre gefährliche Situation und die verschlingenden Wellen zu kümmern, sagt ihre Gedankenblase: „Das ist mir egal! Lieber versinke ich, als dass ich Brad um Hilfe rufe!“ Hier verwendete Lichtenstein ein Bild aus dem romantischen Comic-Heft Secret Hearts, das 1962 von DC Comics veröffentlicht wurde. Die Ausgabe Nr. 83, der das Werk entnommen wurde, wurde von dem Künstler Tony Abruzzo illustriert. Das Bild wurde zwar beschnitten und der Text geändert, aber Kunstexperten diskutieren darüber, inwieweit sich das Werk vom Originalbild unterscheidet.
Bodenkuchen (1962) Claes Oldenburg
Floor Cake, ein gigantisches Kuchendreieck von neun Fuß Länge und fünf Fuß Höhe. Die Gewebelagen wurden schrittweise mit leeren Eiscremekartons und Schaumgummis im Inneren zusammengefügt, um dem Werk Volumen zu verleihen. Gemalte Elemente ähneln Zuckerguss.
Lippenstift (aufsteigend) auf Raupengleisen (1969) Klasse Oldenburg
Mit diesem skulpturalen Werk von Claes Oldenburg wollte der Künstler eine Antikriegsbotschaft illustrieren und sich mit der Friedensbewegung solidarisieren. Die Kombination der Männlichkeit der Kriegsmaschine mit der Weiblichkeit des Lippenstifts sollte die Absurdität der amerikanischen Aggression verdeutlichen. Ursprünglich bestand die Lippenstifthülse aus Stoff, der sich aufblies. Die 24 Fuß hohe Skulptur wurde in Zusammenarbeit mit einem Architekturstudenten angefertigt und stand auf der Beinecke Plaza der Yale University. Später wurde es abgenommen und vor dem Gebäude des Morse-College mit einer bemalten Lippenstifttube aus Metall wieder aufgestellt. Das endgültige Werk besteht heute aus Cortenstahl, Aluminium, Gießharz und Polyurethan-Email.
Weitere Beispiele finden Sie in unserem Leitfaden über Pop-Art-Kunstwerke.
Pop Art vs. Abstrakter Expressionismus
Die Pop Art und der Abstrakte Expressionismus entstanden in der gleichen Zeit. Beide Bewegungen stellten das in Frage, was traditionell als Kunst angesehen wurde. Die Pop-Art ist voll von wiedererkennbaren Konsumbildern, die den Betrachter mit Vertrautheit anziehen. Der abstrakte Expressionismus hingegen hat keinen unmittelbaren Gegenstand, der über die Gefühle des Künstlers hinausgeht. Damit steht die Pop Art in direktem Gegensatz zum Abstrakten Expressionismus und ist eine Reaktion auf diesen.
Pop Art vs. Zeitgenössische Kunst
Die zeitgenössische Kunst folgte auf die Pop-Art-Bewegung. Wie die Pop Art ist auch die zeitgenössische Kunst nicht durch traditionelle Kunstansätze definiert. Pop Art hat einen unverwechselbaren Stil, der sich regional etwas unterscheidet. Zeitgenössische Kunst ist global und lässt sich nicht erfolgreich definieren. Sie entwickelt sich ständig weiter, mit neuen Stilen und Fortschritten, insbesondere im digitalen Zeitalter. Die Kunst ist nicht kommerziell ausgerichtet.
Weitere Informationen finden Sie in unserem vollständigen Leitfaden über Pop Art und zeitgenössische Kunst.
