Moderne Kunstbewegung – Geschichte, Künstler und Kunstwerke

Was ist moderne Kunst?

Die moderne Kunst ist eine kunstgeschichtliche Periode zwischen dem späten^19. und der Mitte des 20. Jahrhunderts, die viele verschiedene Stile in der Malerei, der Bildhauerei, der dekorativen Kunst und der Architektur umfasst. Man geht davon aus, dass die moderne Kunst mit dem Impressionismus im Jahr 1870 begann und sich über verschiedene Stilrichtungen wie Postimpressionismus, Fauvismus, Expressionismus, Kubismus, Futurismus, Dadaismus, Surrealismus und abstrakter Expressionismus bis hin zur Pop Art in den 1960er Jahren fortsetzte.

Berühmte Werke der modernen westlichen Kunst

 

Der Stil der modernen Kunst

Kunsthistoriker sind sich einig, dass die moderne Kunst mit den Impressionisten beginnt und mit der Pop Art endet. Zwischen diesen beiden Kunststilen gab es viele verschiedene moderne Kunstbewegungen, die neue visuelle Medien jenseits der traditionellen Künste umfassten, darunter:

• Impressionismus (1870- 1880)
• Postimpressionismus (1886-1904)
• Fauvismus (1905 – 1907)
• Expressionismus (1905-1907)
• Kubismus (1908- 1914)
  • Analytischer Kubismus
  • Synthetischer Kubismus
• Futurismus (1909-1944)
• Dadaismus (1916-1924)
• Surrealismus (1924-1950)
• Abstrakter Expressionismus (1940-1950)
• Pop Art (1950-1960er Jahre)

Die Anfänge der modernen Kunst

Die moderne Kunst beginnt mit der industriellen Revolution in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Eisenbahn, die Dampflok und die U-Bahn brachten noch mehr Arbeitsplätze in die Stadt. Die Vorstädter fuhren mit schnell fahrenden Zügen zur Arbeit, während die Städter den Sonntagnachmittag auf dem Land genossen.

Die Bevölkerung in den Städten begann zu wachsen, insbesondere in Städten wie Paris. 1853 beauftragte Kaiser Napoléon III. den Architekten und Stadtplaner Georges-Eugène Haussmann, neue Gebäude zu errichten, die Bürgersteige zu verbreitern und Parks anzulegen, an denen sich die Menschen erfreuen konnten. Maler waren da, die das Alltagsleben der modernen Welt mit frischen Ideen auf die Leinwand bannten.

Moderne Kunst Krieg und Handel

Die moderne Kunst wurde durch den Ersten Weltkrieg (1914-1918) und den Spanischen Bürgerkrieg (1936-1939) in Europa vom Krieg beeinflusst. Während des Zweiten Weltkriegs (1939-1945) gingen viele europäische Künstler nach New York, das zum Zentrum der Kunst wurde.

Der wirtschaftliche Niedergang mit dem Schwarzen Montag und dem Börsenkrach von 1929 führte zur Großen Depression (1929-1939).

Kunst und Maler spiegelten die neue moderne Lebenswirklichkeit wider, und die Künstler setzten sich mit sozialliberalen Gedanken und Tendenzen in der Kunst der Moderne und den neuen Kunstbewegungen auseinander.

Die Rolle von Édouard Manet in den Anfängen der modernen Kunst

Édouard Manet (1832-1883) war die Brücke zwischen Realismus und Impressionismus. Sein schockierendes Gemälde Luncheon on the Grass (Mittagessen im Gras ) löste 1863 auf dem Pariser Salon einen Skandal aus.

Das Kunstwerk zeigt zwei vollständig bekleidete Männer beim Picknick im Gras mit zwei Frauen, von denen eine ganz nackt ist. Sowohl der Inhalt als auch die Komposition sind dem Renaissance-Gemälde „Pastorales Konzert“ von Giorgione (1510) entlehnt. Während das frühere Werk einen klassischen Bezug zur antiken Literatur aufweist, geht es in Manets Werk eindeutig um die moderne französische Gesellschaft.

Édouard Manet gehörte zum Pariser Großbürgertum (Bourgeoisie). Der Künstler war der einzige seiner Zeitgenossen, der seine Bilder nicht verkaufen musste, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Obwohl sein Vater wollte, dass er Jura studierte, zog Manet die Kunst vor. Manet liebte die Werke der Künstler Courbet, Velazquez und Goya.

„Alles ist bloßer Schein, das Vergnügen einer vorübergehenden Stunde, ein Sommernachtstraum. Nur die Malerei, der Abglanz eines Abglanzes – aber auch der Abglanz der Ewigkeit – kann etwas von dem Glanz dieser Fata Morgana festhalten.“ – Édouard Manet

Impressionismus (1870- 1880)

Kunsthistoriker betrachten den Impressionismus als den Beginn der modernen Kunst. Der Impressionismus entstand in den 1860er Jahren in Frankreich und setzte sich bis in die späten 1880er Jahre fort. Die Impressionisten arbeiteten daran, Szenen aus dem bürgerlichen Alltag einzufangen, wobei sie sich auf einen einzigen Augenblick konzentrierten. Die Künstler des Impressionismus lehnten die erdigen Farben und flachen Pinselstriche des Realismus ab. Diese Maler entschieden sich für eine lebendigere Palette, die mit kurzen Farbtupfern aufgetragen wurde.

Fasziniert vom natürlichen Licht und den Farben, experimentierten diese modernen Künstler mit der Pleinair-Malerei, ohne Schwarz oder Hell-Dunkel-Schattierungen zu verwenden. Die Gemälde wurden oft unter dem Einfluss der Fotografie und der Moderne beschnitten.

Vom Pariser Salon abgelehnt, organisierten die französischen Maler Édouard Manet, Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) und zwei Dutzend andere 1874 ihre eigene Ausstellung. Es war das erste von insgesamt acht, die bis 1886 andauerten. Dies war beeindruckend, wenn man bedenkt, dass die „Neue Malerei“, wie sie anfangs genannt wurde, in der Kunstwelt in den ersten Jahrzehnten als künstlerischer Misserfolg galt.

Monet’s Impression, Sonnenaufgang (1872) Das Pariser Musee Marmottan Monet fängt die orangefarbene aufgehende Sonne über dem grauen Wasser des Hafens von Le Havre ein, während Boote vorbeischwimmen. Die kontrastierenden Farben lassen die Sonne auf dem Wasser erstrahlen. Der Name des Gemäldes lieferte den Kritikern die Quelle, die sie brauchten, um die betrachteten Gemälde zu definieren.

Auf Monets Gemälde Der Bahnhof Saint-Lazare, das sich heute im Musée d’Orsay in Paris befindet, ist der Zug, ein Symbol der Moderne, bei der Einfahrt in den Bahnhof von Rauchschwaden umgeben. Die Menschen warten auf der Plattform im Freien, wobei die Architektur von Hausmann eine Kulisse für die Moderne bildet.

Renoir malte gerne Pariser Bürger in ihrer Freizeit. Das Gemälde Luncheon on the Boating Party (1881) zeigt seine Freunde bei einer gemeinsamen Mahlzeit in einem Restaurant mit Blick auf das Wasser.

Berühmt ist Degas vor allem für seine künstlerische Arbeit, in der er die Bewegungen der Ballerinen des Pariser Opéra-Balletts festhielt, etwa in dem Gemälde The Dance Class (1874), das den Ballettmeister Jules Perrot und die probenden Ballerinen zeigt.

Post-Impressionismus (1886-1904)

Der Postimpressionismus begann 1886 in Frankreich und verbreitete sich von dort aus über ganz Europa und spiegelte eine Vielfalt von Kunstformen wider. Die Gemeinsamkeit bestand in der Schaffung von Kunstwerken mit neuen Ideen als Reaktion auf den Impressionismus. Postimpressionisten wie Vincent Van Gogh (1853 – 1890), Paul Cézanne (1839 – 1906), Paul Gauguin (1848 – 1903) und Georges Seurat (1859 – 1891) verwendeten einen unkonventionellen Stil, einschließlich eines flächigen, schnellen Farbauftrags und der Verwendung von Farben, um psychologische Effekte zu erzielen. Dennoch waren die Werke der Postimpressionisten sehr unterschiedlich.

Seurat wollte dem Impressionismus die Wissenschaft hinzufügen, indem er die Farbe benutzte, um Leuchtkraft zu erzeugen, was als Neo-Impressionismus bezeichnet wurde. In A Sunday on La Grande Jatte-1884(1884-1886) schafft der Künstler dies, indem er eine optische Mischung verwendet, oder indem er zwei Farben nebeneinander setzt, indem er winzige Farbtupfer oder Pointillismus verwendet, um die Illusion einer vermischten Farbe zu erzeugen.

Für den niederländischen Maler Vincent Van Gogh stand der Postimpressionismus ganz im Zeichen der Farbe, wie sie in seinen Werken mit Schwertlilien, Blüten und Landschaften voller Weizen zum Ausdruck kommt. Er war auch ein Symbolist, der seinem Werk einen tieferen Sinn geben wollte.

Von allen Blumen liebte er Sonnenblumen, die er nach seinem Umzug nach Paris zu malen begann. Tatsächlich tauchen Sonnenblumen in einigen seiner berühmtesten Werke auf. Während seines Aufenthalts in Südfrankreich in den Jahren 1888-1889 malte er eine Sammlung von fünf Werken mit Sonnenblumen in einer Vase. In diesen Werken ist Gelb in vielen verschiedenen Schattierungen enthalten. Van Gogh empfand Sonnenblumen als Zeichen der Dankbarkeit.

In Die sternenklare Nacht (1889) wählte Van Gogh die Darstellung des Nachthimmels. In einem Brief an Willemien van Gogh schrieb der Künstler im September 1888: „Oft scheint mir die Nacht noch reicher gefärbt zu sein als der Tag, in den intensivsten Violetten, Blautönen und Grüntönen. Wenn man genau hinschaut, sieht man, dass einige Sterne zitronengelb, andere rosa, grün oder vergissmeinnichtblau schimmern… es ist klar, dass es für einen Sternenhimmel nicht ausreicht, weiße Flecken auf blauschwarz zu malen.“

Vincent Van Gogh malt eine nächtliche Landschaft mit wirbelnden Strichen in lebhaften Farben. Der Himmel mit dem leuchtend gelben Mond und den Sternen wird aufgrund des niedrigen Horizonts zum Mittelpunkt. Obwohl er damals in Frankreich lebte, ist die Stadt mit ihrem Kirchturm eher typisch holländisch, vielleicht eine Anspielung auf seine Versetzung. Werke wie dieses sollten den Expressionismus stark beeinflussen.

Die Werke des französischen Malers Paul Cézanne verändern sich, je nachdem, wo der Betrachter steht. Aus der Nähe betrachtet wirken seine Bilder flach, aus der Ferne betrachtet jedoch dreidimensional. Diese erreicht er durch Schatten oder sogar durch schwarze Umrisse von Objekten.

In der Serie der Kartenspieler(1890-1892), die aus fünf Werken besteht, fertigt Cézanne Skizzen einzelner Männer an, die er dann zu einer Komposition verarbeitet. Während die Menschen statisch erscheinen, scheinen sich das Dekor und die Kleidung, die sie tragen, zu verändern.

In seinem künstlerischen Werk Die großen Badenden (1898-1906) Cézanne gibt dem Thema des klassischen weiblichen Akts eine moderne künstlerische Wendung. Bei den Frauen handelt es sich nicht um Göttinnen aus der Mythologie, sondern um weibliche Formen, die gestreckt, abgeflacht und dekonstruiert wurden, um Teil der Komposition zu werden, die der Künstler sich vorgestellt hat.

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? (1897-1898) ist ein Meisterwerk von Paul Gauguin Meisterwerk. Das Gemälde stellt den Zyklus vom Mädchen zur Frau dar, wie er sich aus der weiblichen Perspektive des tahitianischen Lebens darstellt. Paul Gauguin hatte Frankreich verlassen, um bei den Tahitianern zu leben, von denen er viele seiner Werke bezog.

Fauvismus (1905- 1907)

Der Fauvismus, ein Begriff der französischen Kunstkritik, leitet sich von dem französischen Wort fauves ab, was so viel wie wildes Tier bedeutet. In Frankreich geborene Künstler wie Henri Matisse (1869-1954) und André Derain (1880-1954) bevorzugten leuchtende Primärfarben, Sekundärfarben und markante Pinselstriche und schufen Landschafts- und Figurenbilder. Diese Künstler fanden Einflüsse in der Erforschung afrikanischer und nicht-westlicher Kulturen.

In Matisse‘ Die Frau mit dem Hut (1905) malt der Künstler seine Frau Amelia in leuchtenden, ausdrucksstarken Farben. Dies war eine neue Art, ein Porträt in der Kunst der Moderne zu malen.

In Goldfisch von Henri Matisse (1912) im Moskauer Puschkin-Museum stellt der Künstler ein abstraktes Stillleben dar. Der abgeflachte, leuchtend orangefarbene Goldfisch kann von zwei Seiten gleichzeitig betrachtet werden. Die fachkundige Verwendung von Komplementärfarben nebeneinander sorgt für eine Sättigung der Farbtöne. Goldfish wurde von Henry Matisse‘ Reisen nach Marokko und den Fischen, die er danach für sein eigenes Wohnzimmer kaufte, beeinflusst, was ihm ein interkulturelles Element verleiht.

André Derains Der Tanz (1910), das sich heute in einer Privatsammlung befindet, verbindet den Einfluss romanischer Skulpturen, der Volkskunst und afrikanischer Masken mit der kühnen Farbpalette des Fauvismus in einer exotischen Umgebung.

Matisse beschäftigte sich schon früh mit der Bildhauerei und arbeitete immer wieder an kurvigen Frauenakten. Im Gegensatz dazu reduziert Derain in seiner Sandsteinskulptur Crouching Man (1907) im Museum Moderner Kunst, Wien, den Mann auf eine blockartige Form.

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Expressionismus (1905-1907)

Der Expressionismus hatte wiederkehrende Elemente, die zwar für die Künstler sehr persönlich waren, aber den Betrachter durch verzerrte Bilder und Farben, die Reaktionen hervorrufen sollten, in den emotionalen Kontext hineinziehen konnten. Den Expressionisten ging es nicht um die physische Realität in der Kunstwelt.

Expressionismus: Die Brücke

In Deutschland bildeten sich zwei Gruppen, die den Expressionismus mitprägten. Die Brücke entstand 1905 unter der Leitung von Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) und umfasste auch die Gründungsmitglieder Fritz Bleyl (1880 – 1966), Erich Heckel (1883 -1970) und Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976). Sie verstanden sich als Brücke zwischen der Kunst der Vergangenheit und der Kunst der Gegenwart und hatten das Ziel, die deutsche Gotik mit der mittelalterlichen Kunst und den weiblichen Akt mit dem Expressionismus zu verbinden.

Das Plakat für die erste Die Brücke-Ausstellung, eine Farblithografie, wurde 1906 von Bleyl entworfen. Das Werk, das einen teilweise abstrahierten weiblichen Akt zeigt und die Gedanken der Gruppe zur offenen Sexualität zum Ausdruck bringt, wurde als zu gewagt für die Öffentlichkeit angesehen.

In Kirchners Street, Berlin (1913) sind zwei Prostituierte, gefolgt von einer Reihe von Männern, in einer Umgebung mit unnatürlich gefärbten Stadthintergründen und überhöhten rosafarbenen Hauttönen in die Länge gezogen und abgeflacht.
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Das Selbstporträt als Soldat (1915), das im Allen Memorial Art Museum in Ohio ausgestellt ist, ist das Ergebnis der Ängste, die Kirchner im Militär erlebt hat. Die in den Farben Grün, Orange und Gelb gehaltenen Werke, darunter ein Akt, haben kantige, schrille Formen.

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Expressionismus: Der Blaue Reiter

Der Blaue Reiter, zu dem die Maler Wassily Kandinsky (1866-1944), Franz Marc (1880-1916) und Gabriele Münter (1877-1962) gehörten, beschäftigte sich derweil mit der Abstraktion. Kandinsky war am meisten von der Musik ergriffen und wollte das Hörerlebnis auf der Leinwand festhalten. Er sah Farben in der Musik, was möglicherweise eine Synästhesie war, eine seltene neurologische Erkrankung. Sein 1912 gemaltes Werk Improvisation 28 (zweite Fassung), das sich im Solomon R. Guggenheim Museum in New York befindet, ist ein solches Beispiel.

Kubismus (1908- 1914)

Der spanische Künstler Pablo Picasso (1881-1973) trug zu vielen Kunstströmungen bei, aber er war zusammen mit dem französischen Künstler George Braque (1882-1963) der Begründer des Kubismus. Der Kubismus ist ein Kunststil, der sowohl geometrische als auch fragmentierte Formen umfasst, damit Objekte aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven betrachtet werden können.

In Picassos Les Demoiselles d’Avignon (Die jungen Damen von Avignon) aus dem Jahr 1907 stellt der Künstler Prostituierte in abstrakten Formen dar, wobei er zackige Linien verwendet und das, was als begehrenswert angesehen werden sollte, in etwas Aggressives verwandelt. Die Gesichter sind von afrikanischen Masken beeinflusst und haben eine primitive Qualität.

Georges Braques kubistische Gemälde Violine und Kerzenleuchter (1910) sowie Der Portugiese (1911 ) sind zwei Beispiele, in denen der Künstler einen monochromen Ton verwendet, um die Fragmentierung zu betonen.

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Futurismus (1909-1944)

Der Futurismus wollte die Geschwindigkeit der neuen Technologien in Flugzeugen, Zügen und Autos zum Ausdruck bringen. Anfang des^20. Jahrhunderts begann der italienische Dichter Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944). Andere bedeutende moderne Künstler waren Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Giacomo Balla (1871-1958) und Gino Severini (1883-1966).

Severini kombinierte die Malerei mit der Bildhauerei, um den Werken eine dreidimensionale Qualität zu verleihen. In Dancer at Pigalle (1912) im Baltimore Museum of Art in Baltimore, Maryland, steht die Tänzerin in der Mitte im Mittelpunkt. Das mit Ölfarbe auf geformtem Gips auf Leinwand geschaffene Ergebnis verleiht dem futuristischen Kunstwerk ein wirbelndes Element.

Boccionis meisterhafte „Unique Forms of Continuity“ im Museum of Modern Art in New York ist eine übermenschliche Skulptur, die die Stärke und Struktur eines Standes verkörpert und gleichzeitig windzerzaust aussieht. Das Original wurde in Gips erstellt. Eine neuere künstlerische Produktion wurde erst nach dem Tod des Künstlers in Bronze gegossen.

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Dadaismus (1916-1924)

Der Dadaismus begann 1916 in Zürich in der Schweiz. Danach verbreitete sie sich in Deutschland, Frankreich und den Vereinigten Staaten. Marcel Duchamps (1887-1986) berühmt-berüchtigte Brunnen- „Skulptur“ von 1917 ist ein echtes Beispiel für den Dadaismus und die an Absurdität grenzenden Readymade-Objekte. Mit dem Kauf eines Urinals, das er auf den Rücken legte und anschließend signierte, löste er eine Debatte darüber aus, was als Kunst angesehen werden kann.

Die deutsche Künstlerin Hannah Höch (1889 -1978) schuf Fotomontagen, in denen sie Bilder kombinierte, die auf den ersten Blick wenig schmeichelhaft erschienen, aber dennoch Geschichten über den Feminismus in der Moderne erzählten.

Weitere bedeutende moderne Künstler waren der deutsch-französische Künstler Jean Arp (1886-1966) und der Österreicher Raoul Hausmann (1886-1971).

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Surrealismus (1924-1950)

Der französische Künstler André Breton (1896-1966), der ursprünglich der Dada-Gruppe angehörte, gründete 1924 in New York die surrealistische Bewegung. Er konzentrierte sich auf Collagen und Druckgrafik und schrieb mehrere Bücher.

Der Begriff Surrealismus stammt aus dem Französischen und bedeutet „Überwirklichkeit“. Breton definierte den Surrealismus als „psychischen Automatismus in seinem reinen Zustand, durch den man vorschlägt, das tatsächliche Funktionieren des Denkens – verbal, durch das geschriebene Wort oder auf irgendeine andere Weise – auszudrücken“.

Diese modernen Künstler experimentierten mit Kunstwerken, die auf dem Unterbewusstsein und den Träumen basieren. Salvador Dalis (1904 -1989) Werk The Persistence of Memory (1931 ) im Museum of Modern Art in New York lässt die Uhren in einer Landschaft schmelzen, die wie aus einer anderen Welt erscheint. Hier spielt die Zeit keine Rolle.

Geburtstag (1942) ist ein Selbstporträt der amerikanischen Künstlerin Dorothea Tanning (1910-2012), das sie zu ihrem^30. Geburtstag anfertigte, mit Hintergrundbildern aus ihrem Unbewussten und Ideen über den Verlauf des Lebens und die Veränderungen in sich selbst. Eine Kleine Nachtmusik (1943) ist eines ihrer bekanntesten Kunstwerke. Das Gemälde, das in der Tate Modern in London hängt, befindet sich in einem unheimlichen Hotelflur, in dem eine riesige Sonnenblume zerbrochen und zerrissen ist. Ein Mädchen und eine lebensgroße Puppe erschrecken über die Ausstellung.

 

Die Werke des in Belgien geborenen surrealistischen Künstlers René Magritte (1898-1967) werfen viele Fragen auf, ohne Antworten zu geben. Immer wieder tauchen gängige Bilder auf, wie Pfeifen, Bowlerhüte, der blaue Himmel und grüne Äpfel. In The Menaced Assassin liegt eine nackte Frau mit durchgeschnittener Kehle auf einem Sofa. Währenddessen ignoriert ein Mann in aller Ruhe die Situation, während er auf einem Plattenspieler spielt. Zwei Detektive, beide in Anzügen und mit Melone, stehen an einer Wand außerhalb des Raumes. Der eine hält einen Staffelstab, der andere ein Netz. Drei wippende Köpfe schauen durch das Fenster nach draußen. Wie ist diese Frau hierher gekommen?

 

Wie Marcel Duchamp, aber mit einer jüngeren künstlerischen Produktion, hat die in Deutschland geborene Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim (1913 – 1985) Readymade-Objekte verwendet, um ihr skulpturales Werk mit dem Titel Objekt (Le Déjeuner en fourrure), auch im Museum of Modern Art in New York. Das surrealistische Werk fordert den Betrachter auf, sich vorzustellen, wie es wäre, eine Teetasse zu halten, die mit dem Fell einer chinesischen Gazelle bedeckt ist.

Abstrakter Expressionismus (1940-1950)

Der abstrakte Expressionismus war eine Periode der amerikanischen Kunst zwischen 1940 und 1950, die von früheren europäischen Stilen wie dem Fauvismus und dem Surrealismus beeinflusst wurde, von denen sie den Begriff des unbewussten Schaffens übernahm.

In seinem Ölgemälde auf Leinwand mit dem Titel Autumn Rhythm: Number 30 (1950), das im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt ist, fügt der Künstler Jackson Pollock (1912-1956) schwarze, weiße und beige Farbe hinzu. Diese Farben sind so geschichtet, dass sie durch Linien unterschiedlicher Länge und Dicke, sowohl geschwungene als auch gerade, ein Bild von ständiger Bewegung vermitteln. Jacksons Werk Blue Poles (1952) in der National Gallery in Canberra, Australien, enthält Glasscherben und sogar Fußabdrücke.

Der niederländisch-amerikanische Maler Willem de Kooning (1904-1997) malte mit Vorliebe verzerrte menschliche Figuren, vor allem Frauen, die mit dem Hintergrund verschmelzen, wie die sitzende Frau (1940) im Philadelphia Museum of Art.

Weitere bedeutende Künstler des Abstrakten Expressionismus waren die Amerikaner Helen Frankenthaler (1928-2011) und Mark Rothko (1903-1970) sowie der kanadische Künstler Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

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Pop Art (1950-1960er Jahre)

Die Pop Art, die in den späten 1950er Jahren in England entstand und sich in den Vereinigten Staaten verbreitete, wird von Kunsthistorikern als die letzte einflussreiche Bewegung der modernen Kunst angesehen. Die Pop Art zelebrierte den Konsumismus, und Alltagsgegenstände wurden zum Gegenstand von Kunstwerken.

Der amerikanische Künstler Andy Warhol (1929-1987) bezog sich mit seinen Campbell’s Soup Cans auf kommerziell hergestellte Massenprodukte. Jede der 32 Leinwände steht für eine Geschmacksrichtung.

Der Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein (1923-1997) fügte auf seinen Leinwänden Ben-Day-Punkte hinzu, eine Drucktechnik, die bei der Erstellung von Comics verwendet wird. Sein Werk Whaam! (1963) in der Tate Modern in London überträgt Kriegsbilder in Cartoons.

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Moderne Architektur

Der schweizerisch-französische Architekt Le Corbusier (1887-1965) nutzte für seine architektonischen Werke Einflüsse der modernen Technik wie Flugzeuge, Züge und Automobile. Der Architekt entwarf die Villa Savoye (1929) aus Beton und Glas, im internationalen Stil, unter Verwendung der Fünf Punkte der Architektur. Le Corbusier verwendete Stahlbetonstelzen oder Pilotis, um die Struktur anzuheben, einen offenen Grundriss, Fensterbänder und einen Dachgarten.

 

 

Der berühmte amerikanische Architekt Frank Lloyd Wright (1867-1959) baute 1937 in Pennsylvania Fallingwater , sein Meisterwerk der Prärie-Architektur. Fallingwater hat langgestreckte Linien, die sich in die umgebende Natur einfügen. Er erreichte dies, indem er die Farbpalette auf Ocker und Rot beschränkte, die sich an der Umgebung des natürlichen Gesteins orientieren. Die Zimmer sind mit Fenstern ausgestattet, die den Blick nach draußen freigeben.

Der Niedergang der Neuzeit

Die moderne Kunst begann zu verschwinden und machte Platz für die postmoderne und zeitgenössische Kunst.

Moderne Kunstrichtungen und -stile

• Impressionismus
• Postimpressionismus
• Fauvismus
• Expressionismus
• Kubismus
  • Analytischer Kubismus
  • Synthetischer Kubismus
• Futurismus
• Dadaismus
• Abstraktion
• Surrealismus
• Abstrakter Expressionismus
• Pop-Art

Verwandte Kunstbegriffe

• Plein air
• Optische Mischung
• Pointillismus
• Symbolik
• Die Brücke
• Der Blaue Reiter
• Fotomontage
• Automatismus
• Ben-Day-Punkte

Impressionismus Künstler

• Édouard Manet (1832-1883) Französisch
• Claude Monet (1840-1926) Franzose
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Franzose
• Camille Pissarro (1830-1903) Französisch
• Alfred Sisley (1839-1899) Franzose
• Edgar Degas (1834-1917) Franzose

Post-Impressionismus Künstler

• Vincent van Gogh (1853 – 1890) Niederländer
• Paul Cézanne (1839 -1906) Franzose
• Paul Gauguin (1848 -1903) Franzose
• Georges Seurat (1859- 1891) Französisch

Fauvismus Künstler

• Henri Matisse (1869 -1954) Franzose
• André Derain (1880-1954) Französisch

Expressionismus Künstler

• Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) Deutscher
• Fritz Bleyl (1880 -1966) Deutscher
• Erich Heckel (1883 -1970) Deutscher
• Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976) Deutscher
• Wassily Kandinsky (1866 -1944) Russisch
• Franz Marc (1880-1916) Deutscher
• Gabriele Münter (1877-1962) Deutsche

Kubismus Künstler

• Pablo Picasso (1881-1973) Spanier
• George Braque (1882-1963)

Futurismus Künstler

• Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) Italiener
• Umberto Boccioni (1882- 1916) Italiener
• Carlo Carrà (1881-1966) Italiener
• Giacomo Balla (1871 -1958) Italiener
• Gino Severini (1883 -1966) Italiener

Dadaismus Künstler

• Marcel Duchamp (1887-1986) Franzose
• Hannah Höch (1889 -1978) Deutsche
• Jean Arp (1886 -1966) deutsch/französisch österreichisch
• Raoul Hausmann (1886-1971) Österreicher

Surrealismus Künstler

• André Breton (1896- 1966) Französisch
• Salvador Dali (1904 -1989) Spanisch
• Dorothea Tanning (1910-2012) Amerikanerin
• René Magritte (1898-1967) Belgier
• Meret Oppenheim (1913-1985) Deutsche/ Schweizerin

Abstrakter Expressionismus Künstler

• Jackson Pollock (1912-1956) Amerikaner
• Willem de Kooning, (1904-1997) Niederländer
• Helen Frankenthaler (1928-2011) Amerikanerin
• Mark Rothko (1903-1970) Amerikaner
• Jean-Paul Riopelle (1923 -2002) Kanadier

Pop Art Künstler

• Roy Lichtenstein (1923-1997)
• Andy Warhol (1929-1987) Amerikaner