Im Laufe der Jahrhunderte haben Monster und bösartige Kreaturen unzählige Kunstwerke bevölkert. Diese Faszination entstand aus dem Bedürfnis, menschliche Ängste auszudrücken, war aber auch eine Möglichkeit, die Laster der Männer darzustellen. Darüber hinaus boten Monster und Kreaturen den Künstlern die Möglichkeit, ihrer Fantasie freien Lauf zu lassen. Jahrhundertelang folgten Künstler etablierten Regeln und stellten hauptsächlich religiöse oder mythologische Szenen dar. Das Malen oder Formen von Landschaften voller alptraumhafter Monster ermöglichte es ihnen, ihre Kreativität voll auszuschöpfen.
1. Szene der Passion Christi , von Giovanni Canavesio, 15. Jahrhundert
Diese gruselige Szene voller Monster und abscheulicher Kreaturen ist Teil der Fresken, die an den Wänden der Kapelle Unserer Lieben Frau von den Brunnen in La Brigue, Südwestfrankreich, nahe der italienischen Grenze, gemalt sind. Zwischen 1490 und 1492 malte der italienische Priester und Maler Giovanni Canavesio die grandiosen religiösen Szenen, die sich an den Innenwänden dieser eher schlicht wirkenden Kapelle ausbreiten.
Neben anderen Szenen der Passion Christi stellte Canavesio den Leviathan dar, einen Drachen, der die Verdammten am Jüngsten Tag verschlingt. In einer Zeit, in der Hungersnöte, Pandemien und Kriege unerwartet töteten, fürchteten und faszinierten die Menschen den Tod zugleich. Künstler produzierten beeindruckende Darstellungen von tobenden Infernos oder Tanzszenen, die Skelette und Menschen vermischten und die Angst und Angst der Männer zum Ausdruck brachten.
2. Etruskisches Gorgoneion , 5. Jahrhundert v
Das Gorgoneion ist der Name für die Darstellung eines Gorgonenkopfes, der oft in der antiken griechischen und römischen Architektur, Schildern, Münzen, Keramik oder anderen Arten von Gegenständen zu finden ist. In der griechischen Mythologie waren Gorgonen drei Schwestern, Euryale, Stheno und die am meisten gefürchtete Medusa. Mit ihren Flügeln, Klauen, scharfen Zähnen und einem mit Schlangen bedeckten Kopf konnten Gorgonen ihren Feind mit einem einfachen Blick in Stein verwandeln.
Perseus, der mythologische Held, konnte Medusa den Kopf abschlagen, indem er durch einen Spiegel schaute, um dem versteinernden Blick der Gorgone auszuweichen. Das geflügelte Pferd Pegasus wurde aus dem Blut geboren, das ihren Hals hinunterlief und in den Ozean tropfte.
Inspiriert vom Mythos haben Künstler den Kopf der Medusa oft auf architektonischen Elementen oder Objekten dargestellt. Sie glaubten, dass es dadurch die Macht erlangte, ihren Feind zu erschrecken oder ihn vor bösen Mächten zu schützen. Dieses Fragment der Medusa wurde in den Ruinen des etruskischen Tempels von Belvedere in Orvieto, Italien, gefunden.
3. Das Haupt der Medusa , von Peter Paul Rubens, 1617-18
Auch der flämische Barockmaler Peter Paul Rubens fertigte ein schreckliches Porträt der Medusa an. Der Maler zeichnete sich durch die Darstellung von Teint aus. In The Head of Medusa nutzte er seine Fähigkeiten, um die grünliche Haut der toten Gorgone wiederzugeben. Der Hell-Dunkel-Effekt trägt zur Dramatisierung der Szene bei. Frans Snyders, ein flämischer Künstler, der sich auf Tiermalerei spezialisiert hat, hat möglicherweise die Schlangen und Insekten gemalt, die Medusa umgeben.
Rubens‘ Medusa beeindruckte seine Zeitgenossen und inspirierte Künstlerkollegen zur Darstellung der bösen Gorgone. Die Darstellung der Medusa verlor ihre schützende Kraft und gewann stattdessen eine symbolischere Bedeutung. Die Schlangen stehen in Rubens‘ Gemälde für die bösen Gedanken des Feindes, die seinem blutenden Kopf entkommen.
4. Die Versuchungen des heiligen Antonius , von Hieronymus Bosch, ca. 1500
Antonius der Große war ein christlicher Mönch, der Ende des 3. Jahrhunderts als Einsiedler in der ägyptischen Wüste lebte. Während seiner Jahre in der Wüste verführten der Teufel selbst und seine bösen Monster Anthony und versuchten, ihn zu verführen.
Die Versuchungen des Hl. Antonius waren ein Thema der Wahl für Künstler, um ihr erfinderisches Talent zu demonstrieren. Seit dem Mittelalter und bis ins 20. Jahrhundert sind zahlreiche Darstellungen des Themas angefertigt worden. Diese Kulisse ermöglichte es Künstlern, höllische Szenen voller haarsträubender Kreaturen darzustellen.
Hieronymus Bosch, der niederländische Maler, der die Darstellung der Hölle beherrschte, malte etwa 15 Szenen, die die Versuchungen des heiligen Antonius veranschaulichen. Auf diesem Triptychon, das im Nationalmuseum für antike Kunst in Lissabon, Portugal, ausgestellt ist, steht der heilige Antonius allein inmitten bösartiger Monster. Bosch schilderte den Kampf zwischen Gut und Böse mit den personifizierten sieben Todsünden.
5. Der Geist von Kohada Koheiji , von Katsushika Hokusai, 1833 (Edo-Zeit)
Dieser Druck des Japaners Katsushika Hokusai ist Teil der Serie One Hundred Ghost Tales . Während der Edo-Zeit (1603-1867) waren Geistergeschichten sehr beliebt. Normalerweise wurde ihnen nachts erzählt, während sie ein Spiel spielten, das als Hyakumonogatari Kaidankai bekannt ist. In einem von hundert Öllampen erleuchteten Raum erzählte jeder Spieler der Versammlung eine Geschichte über eine übernatürliche Begegnung, die er erlebt hatte. Nach jeder Geschichte musste der Erzähler eine Lampe ausblasen, bis alle erloschen waren und der Raum stockfinster wurde. Dann würden angeblich Geister in der Dunkelkammer herauskommen.
Der berühmte Maler und Grafiker Hokusai hatte möglicherweise die Absicht, hundert Drucke zu diesem Thema herzustellen. Heute sind jedoch nur fünf bekannt. Jedes von ihnen stellt einen Yōkai dar , eine Art Geist in der japanischen Folklore.
Der Legende nach wurde Kohada Koheiji, ein Schauspieler der Edo-Zeit, von seiner Frau und ihrem Geliebten getötet. In diesem Druck kehrt sein Geist zurück, um das mörderische uneheliche Paar zu verfolgen. In einer unkontrollierten Wut tötete der Geist seine Frau und ihren Liebhaber, bevor er sich selbst tötete.
6. Sie , von Gustav-Adolf Mossa, 1905
Auf den ersten Blick wirkt die Frau mit ihrem hübschen Gesicht eher harmlos. Bei näherer Betrachtung bemerken wir jedoch, dass sie auf einem Haufen blutiger Körper steht. Mit ihrem von Krähen und Totenköpfen gekrönten Kopf sieht sie absolut bösartig aus.
Der französische Maler und Illustrator Gustav-Adolf Mossa gilt heute als der letzte französische Maler des Symbolismus. Ende des 19. Jahrhunderts entwickelte sich der Symbolismus zu einer dekadenten Ästhetik. Es ist charakteristisch für Mossas Kunst. Auch die klassische Literatur inspirierte seine Arbeit. Er verwendete klassische Charaktere, um Themen seiner Zeit, der Belle Époque, darzustellen. Frauen sind in Mossas Werk allgegenwärtig. Er porträtierte sie als femmes fatales, engelhaft und böse zugleich.
In diesem Gemälde porträtierte Mossa eine Kurtisane. Sie stand für die ultimative käufliche Frau, die Männer bezauberte und kontrollierte, die ihre Dienste suchten. Mossa hat jedes Detail dieser grausamen Frau und ihrer Umgebung akribisch dargestellt. Sie trägt nur Juwelen und sieht den Betrachter direkt an, während sie auf den miniaturisierten Körpern der Männer steht, die sie gefoltert und getötet hat.
7. Der Alptraum , von Henry Fuseli, 1781
Der Albtraum des Schweizer Malers Henry Fuseli bietet dem Betrachter einen verstörenden Anblick. Er stellte die Schlaflähmung dar, einen Zustand, der jeden treffen kann. Wenn eine Person einschläft oder aufwacht, kann ein störendes Phänomen der Lähmung auftreten, während sie bei Bewusstsein ist, was ein Gefühl der Hilflosigkeit und Angst im Kopf des Opfers hervorruft, da es sich weder bewegen noch sprechen kann.
In Fuselis Vorstellung erscheint die Schlafparalyse als Monster, die eine hilflose Frau übernehmen. Ein Dämon steht auf ihrer Brust, während ein geisterhafter Pferdekopf hinter einem Vorhang erscheint. Dieses Element stammt aus einer wörtlichen Interpretation des Begriffs „Albtraum“, der Stute der Nacht. Einige Leute sehen in diesem Gemälde die Prämissen von Sigmund Freuds Theorien. In den 1920er Jahren hatte Freud sogar eine Kopie von Fuselis Gemälde an der Wand seiner Wohnung.
8. Älteres Paar mit einem jungen weiblichen Geist , von William Hope, ca. 1920
Zusammen mit der wachsenden Popularität des Spiritismus und der Entwicklung der Fotografie erlebte das Ende des 19. Jahrhunderts das Aufkommen einer seltsamen Kunstform: Geisterfotografie oder Geisterfotografie. Geister tauchten auf Fotos auf, während Menschen posierten, und störten ihr endgültiges Erscheinungsbild.
Gewaltsame Kriege prägten das 19. Jahrhundert in der westlichen Welt. Der Tod war Teil des Lebens und in ihrer Trauer hielten Familien an jeder Erinnerung an ihre verlorenen Lieben fest. In den 1850er Jahren entdeckten Fotografen eine Möglichkeit, Geister einzufangen. Die ersten Geisterfotografien sind eher zufällig entstanden. Da das Fotografieren eine lange Belichtung erforderte, hinterließen Personen oder Objekte, die sich vor dem Objektiv bewegten, eine transparente Form auf dem Bild. Später verwendeten sie Doppelbelichtung, um „Geister“ in Fotografien einzufügen.
Das Geschäft mit der Geisterfotografie boomte schnell. Der englische Fotograf William Hope folgte dem Trend und wurde berühmt für seine Geisterbilder mit Doppelbelichtung. Er fotografierte mit dem „Geist“ die toten Angehörigen seiner Kunden. Seine Fotos täuschten mehrere Prominente, darunter Sir Arthur Conan Doyle, den Vater von Sherlock Holmes.
9. Luzifer , von Franz von Stuck, 1891
Luzifer wurde in der römischen Mythologie mit Venus und dem Morgenstern in Verbindung gebracht und war als Lichtbringer bekannt. Erst als er in die christliche Tradition aufgenommen wurde, wurde er zu einem bösen Wesen. Zunächst ein gefallener Engel, der gegen Gott rebellierte, verkörperte Luzifer später den Teufel.
Die alptraumhafte Darstellung Luzifers des deutschen Malers Franz von Stuck hat sicherlich das Potenzial, die Öffentlichkeit zu verstören. Mit seinen dunklen Zügen und seinen durchdringenden, klaren Augen sieht Luzifer dem Betrachter direkt in die Augen. Er hat eine seltsame Haltung, fast bereit zu springen. Ein leichter Lichtstrahl ist die einzige Erinnerung an Luzifers früheren Status als Lichtbringer.
Franz von Stuck ist Gründungsmitglied der Münchner Secession und vor allem für die Malerei mythologischer und allegorischer Sujets bekannt. Er war besonders fasziniert von bösen Wesen und verwendete eine dunkle Farbpalette, um sie darzustellen. Das Gemälde von Stuck wurde weniger als ein Jahr nach seiner Entstehung in die königliche Kunstsammlung von Ferdinand I. von Bulgarien aufgenommen. Mindestens ein Mann hatte keine Angst davor, das Porträt des Teufels zu erwerben.
10. Die Ballade von Lenore oder The Dead Travel Fast von Horace Vernet, 1839
Der französische Maler Horace Vernet ließ sich bei diesem Gemälde von der gotischen Ballade Lenore inspirieren, die 1773 vom deutschen Dichter Gottfried August Bürger geschrieben wurde. Bürgers Ballade trug maßgeblich zum Aufschwung der Vampirliteratur bei.
Als glühender Anhänger von Napoleon Bonaparte war Vernet vor allem für seine militärischen oder orientalistischen Gemälde bekannt. Stattdessen zeigt The Ballad of Lenore eine starke Verbindung zur Romantik. Vernet schilderte die Geschichte von Lenore, einer jungen Frau, die verzweifelt auf die Rückkehr ihres Geliebten William wartet. Als Soldat in der Armee von König Friedrich II. von Preußen kehrte William nach dem Ende des Siebenjährigen Krieges nie zurück. Traurig machte Lenore Gott für ihr Unglück verantwortlich und drückte ihrer Mutter ihre gotteslästerlichen Gedanken aus.
Nach ihrem Fehlverhalten wurde Lenore dazu verleitet, einen Fremden zu begleiten, den sie für William hielt. Der Fremde lud sie zu einem Ausritt auf seinem Pferd ein, und Lenore schloss sich ihm gerne an. Die Beschleunigung des Pferdes machte Lenore Angst. Auf dem Weg zum Friedhof verwandelte sich der Fremde in ein schreckliches Skelett. Der Tod selbst brachte Lenore zu ihrem Grab, wo sie sich der Leiche ihres toten Liebhabers William anschloss. Diese Gruselgeschichte illustriert den Triumph des Todes über die Liebe, eine ziemlich düstere Aussicht!
