Was ist Fotorealismus?
Fotorealismus bezieht sich auf visuelle Kunst, die auf einer Fotografie basiert, wobei das Motiv dieser Fotografie in der Malerei, der Bildhauerei oder anderen Medien detailgetreu wiedergegeben wird. Der Begriff Fotorealismus bezieht sich häufig auf eine amerikanische Kunstbewegung, die in den späten 1960er Jahren entstand, aber auch in Europa schufen Künstler zur gleichen Zeit fotorealistische Kunst. Ab den 1970er Jahren wurde der Begriff Fotorealismus auch in der bildenden Kunst im weiteren Sinne verwendet, um ein Genre von Kunstwerken zu beschreiben, das sehr realistisch ist.
Bemerkenswerte fotorealistische Kunstwerke
Geschichte des Fotorealismus
In den späten 1960er Jahren entstand in den Vereinigten Staaten der Fotorealismus als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus. Fotorealistische Künstler legten Wert auf Realismus und lehnten die in der bildenden Kunst verbreiteten Begriffe Abstraktion und Idealismus ab.
Ähnlich wie die Pop-Künstler schätzten die Fotorealisten die bewusste Planung als Teil ihres Prozesses und nicht Spontaneität, Improvisation und Automatismus.
Der Fotorealismus ist auch unter den Bezeichnungen Hyperrealismus, Neuer Realismus, Schärferealismus und Superrealistische Malerei bekannt – alles Namen, die zur Beschreibung der Arbeit vieler Künstler entstanden sind, die Fotografien als Vorlage für ihre hochrealistischen Kunstwerke verwendeten. Während der Fotorealismus als Avantgarde galt, knüpften seine anspruchsvollen Verfahren an die traditionellen Techniken der akademischen Kunst an, die fast ein Jahrhundert zuvor geschätzt wurden.
Dem amerikanischen Autor und Kunsthändler Louis K. Meisel wird zugeschrieben, 1969 den Begriff Fotorealismus geprägt zu haben. Im Jahr 1970 benutzte Meisel den Begriff zur Kennzeichnung von Kunstwerken in einer Ausstellung im Whitney Museum in New York City. In den Jahren 1972-73 entwickelte Meisel eine Definition des Fotorealismus, die fünf zentrale Kriterien umfasst:
- Der Fotorealist nutzt die Kamera und das Foto, um Informationen zu sammeln.
- Der Fotorealist verwendet ein mechanisches oder halbmechanisches Mittel, um die Informationen auf die Leinwand zu übertragen.
- Der Fotorealist muss über die technische Fähigkeit verfügen, das fertige Werk fotografisch erscheinen zu lassen.
- Der Künstler muss bis 1972 ein Werk als Fotorealist ausgestellt haben, um zu den zentralen Fotorealisten zu gehören.
- Der Künstler muss sich seit mindestens 5 Jahren mit der Entwicklung und Ausstellung von fotorealistischen Werken beschäftigen. [1]
Diese Kriterien definierten die erste und zweite Generation der fotorealistischen Künstler. Der amerikanische Künstler Chuck Close zum Beispiel war ein Fotorealist der ersten Generation.
Themen in der fotorealistischen Kunst
Viele berühmte fotorealistische Künstler schufen fotorealistische Gemälde, die ein Interesse an Industrie- und Maschinenobjekten wie Autos, Motorrädern und Lastwagen zeigen. In Sherwin Williams Chevy aus dem Jahr 1975 malte Ralph Goings einen tiefblauen Chevrolet-Truck, der vor einem Sherwin-Williams-Laden geparkt war, mit einer solchen Präzision, dass der Betrachter ihn leicht mit einer Fotografie verwechseln könnte – ein häufiges Phänomen in der fotorealistischen Malerei.
Mechanische Objekte, die die Freizeit- und Populärkultur widerspiegeln, wurden auch in der fotorealistischen Kunst thematisiert, wie etwa das fotorealistische Gemälde Gum Ball No. 10: „Sugar Daddy“ des Künstlers Charles Bell aus dem Jahr 1975. Ähnlich wie die Pop Art erforschte die fotorealistische Bewegung die Obsessionen und Vergänglichkeit der amerikanischen Kultur.
Der Fotorealismus beinhaltete jedoch nicht die gleiche bewusste Kritik an der amerikanischen Kultur wie die Pop-Art-Bewegung. Obwohl viele Werke der Fotorealisten mit Ikonen der amerikanischen Massen- und Konsumkultur wie Fastfood-Restaurants und mechanischen Gegenständen gefüllt sind, übten sie in der Regel keine Kritik an diesen Ikonen in einem soziopolitischen Kontext.
In den 1960er und 1970er Jahren und bis vor kurzem wurden vor allem männliche Fotorealisten anerkannt. Audrey Flack gehört zu den wenigen Künstlerinnen, die neben ihren männlichen Zeitgenossen als Fotorealisten der ersten Generation anerkannt sind. Flacks Kunstwerke folgen ähnlichen Themen und erforschen die Welt der Objekte durch Stillleben und später Skulpturen. Ihre Arbeit ging über die reine Beobachtung hinaus und stellte Verbindungen zwischen Objekten aus der Vergangenheit und denen der Gegenwart her, wobei sie stereotype und archetypische Darstellungen von Frauen in Frage stellte.
Die Verwendung der Fotografie in der fotorealistischen Kunst
Seit dem Aufkommen der Fotografie in den frühen 1800er Jahren haben Künstler die Kamera als Werkzeug in der bildenden Kunst eingesetzt. In der Tat war die frühe Bildtechnik der Camera obscura und der Camera lucida um 1600 unter den Malern der Alten Meister wie Rembrandt und Vermeer weit verbreitet.
Als Vorläufer der modernen Kameras projizierten die Camera obscura und die Camera lucida ein Bild auf eine Innenwand. Das Bild wurde dann nachgezeichnet und gemalt und so entstanden viele der Meisterwerke, die wir heute kennen.
Die Entwicklung der Bilderzeugung half den Künstlern, ihre Themen auf eine Weise zu studieren, wie es die direkte Beobachtung nicht konnte. Durch Projektion und Fotografie konnten die Porträts und andere flüchtige Momente in der Zeit eingefroren und nach Belieben des Künstlers wieder besucht werden.
Die Abhängigkeit von der Fotografie war jedoch weitgehend verpönt, bis die Fotorealisten sie als wesentlichen Bestandteil ihres künstlerischen Prozesses wiederentdeckten. Während frühere Künstler zögerten, die Verwendung fotografischer Referenzen offenzulegen, zielten die Fotorealisten darauf ab, die Effekte der Fotografie durch ein anderes Medium zu reproduzieren. Diese Technik stellte die traditionellen künstlerischen Verfahren ebenso in Frage wie die Unterschiede zwischen dem, was „echtes Leben“ ist und was künstlich ist.
Viele Künstler, die ab den 1960er Jahren im Genre des Fotorealismus arbeiteten, verwendeten Dias, um Bilder auf ihre Leinwände zu projizieren. Die Verwendung von Projektionen als Leitfaden für ihre Malprozesse bedeutete für die fotorealistischen Künstler auch, dass sie sich mit der Beziehung zwischen Licht und Farbe auseinandersetzten, wobei Filmprojektionen beide als ein einziges Element vereinten.
Fotorealistische Skulptur
Fotorealismus wird in der Regel mit Malerei in Verbindung gebracht, aber Bildhauer wie Duane Hanson demonstrieren einen Zweig der fotorealistischen Kunst, der Verismus genannt wird. Hansons Skulpturen sind oft lebensechte Reproduktionen von Durchschnittsmenschen. Janitor aus dem Jahr 1973 ist die bemalte Skulptur eines Hausmeisters mit echten Haaren und Kleidern.
Im Gegensatz zu anderen Fotorealisten reflektieren Hansens Werke meist soziale und politische Themen. Seine Hausmeister-Skulptur hebt den oft übersehenen heroischen Charakter der alltäglichen Menschen in der amerikanischen Gesellschaft hervor. Ähnlich wie die frühere realistische Bewegung erhebt Hansen Menschen aus der Arbeiterklasse, indem er ihr Abbild in die Kunstwelt bringt. Hansen stellt dieses besondere Thema ohne Idealisierung dar, indem er sogar dafür sorgt, dass sich die Skulptur an eine Wand lehnen muss, um aufrecht zu bleiben.
Fotorealismus heute
Die ursprünglichen fotorealistischen Künstler entwickelten Techniken, die nicht nur die Definition von Kunst in Frage stellten, sondern auch für die zeitgenössische Kunst von entscheidender Bedeutung sind. Die scheinbar grenzenlosen Möglichkeiten der Digitaltechnik ermöglichen es Künstlern, mit Hilfe der Fotografie und anderer digitaler Bildbearbeitungswerkzeuge die Grenze zwischen Realität und Künstlichkeit auf ganz neue Weise zu erkunden.
Die heutige fotorealistische Kunst spiegelt die sich ständig weiterentwickelnden Faszinationen und Schwächen der Gesellschaft wider, wie das Internet, die sozialen Medien und die negativen Auswirkungen des Kapitalismus. Sie würdigt auch marginalisierte Stimmen und mischt sich sogar mit dem Surrealen.
Die Gemälde des amerikanischen Künstlers Kehinde Wiley zeigen zeitgenössische Themen und Ikonen wie Barak Obama. Das berühmte Porträt zeigt Obama sitzend vor einem surrealen Hintergrund aus üppiger Vegetation. Wileys Einsatz von Fotorealismus, Symbolismus und dem 44. Präsidenten der Vereinigten Staaten verwickelt den Betrachter in ein jahrhundertealtes Gespräch über Politik, Rasse und Kunst. Wileys Werk ist eines von vielen Beispielen dafür, wie der Fotorealismus seinen Platz in der zeitgenössischen Kunst findet.
Verweise
[1] Meisel, Louis K. Fotorealismus. Harry N. Abrams, Inc., Verlag, New York. 1980. p. 13.
Bemerkenswerte fotorealistische Künstler
- Chuck Close, 1940-2021, Amerikaner
- Carolyn Brad, 1937-2005, Amerikanerin
- Audrey Flack, geb. 1931, Amerikaner
- Richard Estes, geb. 1932, Amerikaner
- Hilo Chen, b. 1942, taiwanesisch-amerikanisch
- Ralph Goings, 1928-2016, Amerikaner
- Duane Hanson, 1925-1996, Amerikaner
- Don Eddy, b. 1944, Amerikaner
- Idelle Weber, 1932-2020, Amerikanerin
- Linda Bacon, geb. 1942, Amerikaner
- Robert Bechtle, geb. 1932, Amerikaner
- Robert Cottingham, geb. 1935, Amerikaner
- Roberto Bernardi, geb. 1974, Italienisch
- Franz Gertsch, geb. 1930, Schweizer
- Raphaella Spence, geb. 1978, Englisch
- Bertrand Meniel, geb. 1961, Frankreich
- Arinze Stanley Egbengwu, geb. 1993, Nigerianer
- Calida Rawles, b. 1976, Amerikaner
- Kehinde Wiley, geb. 1977, Amerikaner
Verwandte Kunstbegriffe
- Trompe l’oeil
- Realismus
- Fotografie
- Pop-Art
- Minimalismus
- Konzeptuelle Kunst
- Stilleben
- Kitsch
- Zeitgenössische Kunst
