A lo largo de los siglos, monstruos y criaturas malévolas han poblado innumerables obras de arte. Esta fascinación procedía de la necesidad de expresar los miedos humanos, pero también era una forma de representar los vicios de los hombres. Además, los monstruos y las criaturas ofrecieron a los artistas la oportunidad de dejar volar su imaginación. Durante siglos, los artistas siguieron reglas establecidas y representaron principalmente escenas religiosas o mitológicas. Pintar o esculpir paisajes repletos de monstruos de pesadilla les permitió explorar al máximo su creatividad.
1. Escena de la Pasión de Cristo , de Giovanni Canavesio, siglo XV
Esta escena aterradora, llena de monstruos y criaturas viles, es parte de los frescos pintados en las paredes de la capilla de Nuestra Señora de las Fuentes en La Brigue, suroeste de Francia, cerca de la frontera con Italia. Entre 1490 y 1492, el sacerdote y pintor italiano Giovanni Canavesio representó las grandiosas escenas religiosas que se extendían por las paredes interiores de esta capilla de aspecto bastante sencillo.
Además de otras escenas de la Pasión de Cristo , Canavesio representó al Leviatán, un dragón que se traga a los condenados en el Día del Juicio Final. En una época en que las hambrunas, las pandemias y las guerras mataban inesperadamente, la gente temía y, al mismo tiempo, estaba fascinada por la muerte. Los artistas produjeron representaciones impresionantes de infiernos furiosos o escenas de baile que mezclaban esqueletos y humanos, expresando la angustia y los miedos de los hombres.
2. Gorgoneion etrusco , siglo V a. C.
El Gorgoneion es el nombre que se le da a la representación de la cabeza de una Gorgona, que se encuentra a menudo en la arquitectura antigua griega y romana, escudos, monedas, cerámicas u otros tipos de objetos. En la mitología griega, las gorgonas eran tres hermanas, Euryale, Stheno y la más temida de todas, Medusa. Con sus alas, garras, dientes afilados y una cabeza cubierta de serpientes, las gorgonas podían convertir en piedra a su enemigo con una simple mirada.
Perseo, el héroe mitológico, pudo cortar la cabeza de Medusa mirándose a través de un espejo para evitar la mirada petrificante de la gorgona. El caballo alado Pegaso nació de la sangre que corría por su cuello y goteaba en el océano.
Inspirándose en el mito, los artistas a menudo retrataban la cabeza de Medusa en elementos u objetos arquitectónicos. Al hacerlo, creían que obtenía el poder de asustar a su enemigo o protegerlo contra las fuerzas del mal. Este fragmento de Medusa fue encontrado en las ruinas del Templo Etrusco de Belvedere en Orvieto, Italia.
3. La cabeza de Medusa , de Peter Paul Rubens, 1617-18
El pintor barroco flamenco Peter Paul Rubens también hizo un terrible retrato de Medusa. El pintor se destacó en la representación de tez. En La cabeza de Medusa , usó sus habilidades para convertir la piel verdosa de la gorgona muerta. El efecto de claroscuro se suma a la dramatización de la escena. Frans Snyders, un artista flamenco especializado en pintura de animales, pudo haber pintado las serpientes y los insectos que rodean a Medusa.
La Medusa de Rubens impresionó a sus contemporáneos, inspirando a otros artistas a representar a la gorgona malvada. La representación de Medusa perdió su poder protector y adquirió un significado más simbólico. Las serpientes representan los malos pensamientos del enemigo en la pintura de Rubens, escapando de su cabeza sangrante.
4. Las tentaciones de San Antonio , de Hieronymus Bosch, ca. 1500
Antonio el Grande fue un monje cristiano que vivió como ermitaño en el desierto egipcio a finales del siglo III. Durante sus años en el desierto, el mismo Diablo y sus malvados monstruos tentaron a Anthony y trataron de seducirlo.
Las tentaciones de San Antonio ha sido un tema elegido por los artistas para mostrar su talento inventivo. Desde la Edad Media y hasta el siglo XX se han realizado numerosas representaciones del tema. Este escenario permitió a los artistas representar escenas infernales llenas de criaturas espeluznantes.
Hieronymus Bosch, el pintor holandés que dominó la representación del Infierno, pintó alrededor de 15 escenas que ilustran las tentaciones de San Antonio. En este tríptico exhibido en el Museo Nacional de Arte Antiguo en Lisboa, Portugal, San Antonio se encuentra solo en medio de monstruos maliciosos. Bosch representó la lucha entre el Bien y el Mal, con los siete pecados capitales personificados.
5. El fantasma de Kohada Koheiji , de Katsushika Hokusai, 1833 (período Edo)
Este grabado del japonés Katsushika Hokusai forma parte de la serie Cien cuentos de fantasmas . Durante el período Edo (1603-1867), las historias de fantasmas eran muy populares. Por lo general, se les decía por la noche mientras jugaban un juego conocido como Hyakumonogatari Kaidankai . En una sala iluminada por cien lámparas de aceite, cada jugador contó una historia a la asamblea sobre un encuentro sobrenatural que vivieron. Después de cada historia, el narrador tenía que apagar una lámpara hasta que todas se apagaron y la habitación se volvió completamente negra. Luego, los espíritus supuestamente saldrían del cuarto oscuro.
El ilustre pintor y grabador Hokusai pudo haber tenido la intención de producir un centenar de grabados sobre este tema. Sin embargo, hoy en día solo se conocen cinco. Cada uno de ellos representa un Yōkai , una especie de espíritu en el folclore japonés.
Según la leyenda, Kohada Koheiji, un actor del período Edo, fue asesinado por su esposa y su amante. En esta impresión, su fantasma regresa para perseguir a la pareja ilegítima asesina. En una furia descontrolada, el fantasma mató a su esposa y al amante de ésta antes de suicidarse.
6. Ella , de Gustav-Adolf Mossa, 1905
A primera vista, la mujer de cara bonita parece bastante inofensiva. Sin embargo, en una inspección más cercana, notamos que ella está de pie sobre una pila de cuerpos ensangrentados. Con su cabeza coronada con cuervos y calaveras, se ve absolutamente viciosa.
El pintor e ilustrador francés Gustav-Adolf Mossa es considerado hoy como el último pintor del simbolismo francés. A fines del siglo XIX, el simbolismo evolucionó hacia una estética decadente. Es característico del arte de Mossa. La literatura clásica también inspiró su obra. Usó personajes clásicos para representar temas de su tiempo, la Belle Époque. Las mujeres son omnipresentes en la obra de Mossa. Las retrató como femmes fatales, angelicales y malvadas al mismo tiempo.
En esta pintura, Mossa retrató a una cortesana. Representaba a la mujer venal por excelencia, hechizando y controlando a los hombres que acudían en busca de sus servicios. Mossa retrató meticulosamente cada detalle de esta mujer cruel y su entorno. Ella solo usa joyas y mira directamente al espectador, de pie sobre los cuerpos en miniatura de los hombres que torturó y mató.
7. La pesadilla , de Henry Fuseli, 1781
La Pesadilla del pintor suizo Henry Fuseli ofrece una visión inquietante al espectador. Representó la parálisis del sueño, un estado que le puede pasar a cualquiera. Cuando una persona se duerme o se despierta, puede ocurrir un fenómeno perturbador de parálisis mientras está consciente, que provoca una sensación de impotencia y terror en la mente de la víctima, ya que no puede moverse ni hablar.
En la imaginación de Fuseli, la parálisis del sueño aparece como monstruos que se apoderan de una mujer indefensa. Un demonio se para sobre su pecho mientras una cabeza de caballo espectral aparece detrás de una cortina. Este elemento proviene de una interpretación literal del término “pesadilla”, la yegua de la noche. Algunas personas ven en esta pintura las premisas de las teorías de Sigmund Freud. En la década de 1920, Freud incluso tenía una copia de la pintura de Fuseli en la pared de su apartamento.
8. Pareja de ancianos con espíritu femenino joven , de William Hope, ca. 1920
Junto con la creciente popularidad del espiritismo y el desarrollo de la fotografía, a fines del siglo XIX surgió una extraña forma de arte: la fotografía de espíritus o fotografía de fantasmas. Los fantasmas comenzaron a aparecer en las fotografías mientras la gente posaba, perturbando su apariencia final.
Guerras violentas marcaron el siglo XIX en el mundo occidental. La muerte era parte de la vida y, en su dolor, las familias se aferraban a cada recuerdo de sus seres queridos perdidos. Durante la década de 1850, los fotógrafos descubrieron una forma de capturar fantasmas. Las primeras fotografías de espíritus se crearon por accidente. Como tomar fotografías requería una exposición prolongada, las personas u objetos que se movían frente a la lente dejaban una forma transparente en la imagen. Posteriormente, utilizaron la doble exposición para insertar “fantasmas” en las fotografías.
El negocio de la fotografía de espíritus creció rápidamente. El fotógrafo inglés William Hope siguió la tendencia y se hizo famoso por sus fotografías de espíritus de doble exposición. Tomaba fotografías con el “espíritu” de los seres queridos fallecidos de sus clientes. Sus fotografías engañaron a varias celebridades, incluido Sir Arthur Conan Doyle, el padre de Sherlock Holmes.
9. Lucifer , de Franz von Stuck, 1891
Asociado con Venus y la estrella de la mañana en la mitología romana, Lucifer era conocido como el portador de la luz . Sólo cuando fue asimilado a la tradición cristiana, se convirtió en un ser maligno. Primero, un ángel caído que se rebela contra Dios, luego Lucifer encarnó al diablo.
La representación de pesadilla de Lucifer del pintor alemán Franz von Stuck ciertamente tiene la capacidad de perturbar al público. Con sus rasgos oscuros y ojos claros y penetrantes, Lucifer mira directamente a los ojos del espectador. Tiene una postura extraña, casi listo para saltar. Un ligero rayo de luz es el único recordatorio del estado pasado de Lucifer como portador de luz.
Franz von Stuck es miembro fundador de la Secesión de Munich y es conocido principalmente por pintar temas mitológicos y alegóricos. Estaba especialmente fascinado por los seres malvados, usando una paleta de colores oscuros para representarlos. La pintura de Von Stuck se unió a la colección de arte real de Fernando I de Bulgaria menos de un año después de su creación. Al menos un hombre no estaba demasiado asustado para adquirir el retrato del diablo.
10. La balada de Lenore , o The Dead Travel Fast , de Horace Vernet, 1839
En esta pintura, el pintor francés Horace Vernet se inspiró en la balada gótica Lenore , escrita en 1773 por el poeta alemán Gottfried August Bürger. La balada de Bürger contribuyó significativamente al auge de la literatura vampírica.
Ferviente partidario de Napoleón Bonaparte, Vernet era más conocido por sus pinturas militares u orientalistas. En cambio, La balada de Lenore muestra una fuerte conexión con el romanticismo. Vernet describió la historia de Lenore, una joven que espera desesperadamente el regreso de su amante, William. Un soldado en el ejército del rey Federico II de Prusia, William nunca regresó después del final de la Guerra de los Siete Años. Dolorosa, Lenore culpó a Dios por sus desgracias y expresó sus pensamientos blasfemos a su madre.
Después de su fechoría, Lenore fue engañada para que acompañara a un extraño que ella pensó que era William. El extraño la invitó a dar un paseo en su caballo y Lenore se unió felizmente a él. La aceleración del caballo asustó a Lenore. Mientras se dirigía al cementerio, el extraño se convirtió en un esqueleto aterrador. La muerte misma llevó a Lenore a su tumba, donde se unió al cadáver de su amante muerto, William. Esta historia aterradora ilustra el triunfo de la muerte sobre el amor, ¡una perspectiva bastante sombría!
