¿Qué es Naturaleza Muerta?
Una naturaleza muerta es una obra de arte que normalmente representa un tema inanimado. La pintura de Naturaleza Muerta es uno de los principales géneros del arte occidental. Los objetos típicamente comunes que se representan en el arte de la naturaleza muerta incluyen plantas y flores, alimentos, libros y muchos otros objetos que comunican el mensaje que se pretende detrás de la obra de arte. La pintura de Naturaleza Muerta ganó una inmensa popularidad en Europa, particularmente en los Países Bajos, en el siglo XVI, pero tiene raíces en el arte del Antiguo Egipto, Grecia y Roma.
Obras de arte notables de Naturaleza Muerta
Historia de la pintura de bodegones
La tradición de la pintura de bodegones se puede rastrear a lo largo de la historia del arte. Las primeras culturas crearon objetos, como la cerámica, que estaban adornados con elementos de naturaleza muerta. Se han encontrado elementos de bodegones en templos egipcios y pinturas murales grecorromanas, incluidas referencias a la comida, la riqueza y la muerte.
En la Edad Media, o período medieval (alrededor de 500-1520 EC), los elementos de naturaleza muerta eran una parte importante de los adornos que se encuentran comúnmente en los manuscritos iluminados y paneles votivos. Estos elementos de naturaleza muerta solían ser objetos, tanto naturales como artificiales, que complementaban la narrativa presentada en el manuscrito. Los paneles votivos generalmente contenían imágenes simbólicas que incluían objetos que reflejaban alegorías religiosas.
La pintura de bodegones se formalizó a finales del siglo XVII por la Academia Francesa de Arte. De acuerdo con la jerarquía de géneros, establecida en el período del Alto Renacimiento, la naturaleza muerta ocupaba el rango más bajo porque no representaba sujetos humanos. La naturaleza muerta no fue verdaderamente adoptada hasta el siglo XVII, cuando los pintores holandeses y flamencos dispusieron objetos inanimados para crear alegorías usando simbolismo religioso.
Se considera ampliamente que la primera naturaleza muerta oficial es Still-Life with Partridge and Gauntlets del artista italiano Jacopo de ‘Barbari, fechada en 1504. Si bien es probable que otros pintores estuvieran explorando el arte de la naturaleza muerta y el grabado al mismo tiempo, el trabajo de de’Barbari comenzó a formalizar el género de la pintura de naturaleza muerta en el arte europeo.
Alrededor de 1600, los elementos de la naturaleza muerta a menudo se agregaban a los retratos como una forma de embellecer el tema, ya fuera la apariencia, condición o reputación de una persona. Los símbolos de riqueza, vida y muerte, como el dinero, las calaveras, los libros, los relojes de arena, las velas, los instrumentos musicales, la comida y otros placeres materiales, eran los más populares en las pinturas simbólicas conocidas como vanitas . Las pinturas de vanitas eran a menudo oscuras y macabras, y recordaban a los espectadores la naturaleza fugaz de la vida y la inevitabilidad de la muerte.
Los artistas de bodegones, en su mayoría pintores holandeses y pintores franceses en este momento, representaron su tema con un realismo creciente, mientras que pintores como Jan van Eyck a menudo pintaban objetos cotidianos en un estilo hiperrealista. Los objetos naturales y las pinturas de flores también eran comunes en la pintura holandesa. Esto se sumó a una ruptura con la alegoría religiosa entre artistas como Albrecht Dürer y Leonardo da Vinci, cuyos bocetos, dibujos y grabados en acuarela tenían como tema la comida, la flora y la fauna.
La pintura trompe l’oeil fue otro estilo popular de pintura de bodegones que surgió en la antigua Grecia, ganó popularidad entre los pintores holandeses y flamencos en el siglo XVIII y luego se convirtió en el favorito de los pintores rococó . Las pinturas trompe l’oeil estaban destinadas a engañar al espectador para que creyera que la escena representada era real, de ahí el nombre trompe-l’oeil, que se traduce como «engañar al ojo» en francés.
La pintura de bodegones también se utilizó para celebrar los avances científicos, en particular la clasificación de especímenes animales y botánicos, así como los efectos de la creciente industrialización. Conchas marinas, plantas medicinales y frutas que alguna vez fueron exóticas, como los limones, se encontraban entre los temas y se representaban con frecuencia.
La tradición de los temas de la naturaleza muerta siguió una tendencia similar durante los períodos barroco y rococó , donde los motivos florales se incluyeron en casi todas partes, desde pinturas hasta cortinas y desde muebles hasta papel tapiz. Los artistas continuaron alejándose de las alegorías religiosas e incluso de la moralidad de las pinturas de vanitas.
Naturaleza muerta en el arte moderno
A fines del siglo XIX, muchos artistas modernistas utilizaron el trabajo de bodegones en una variedad de formas y para una variedad de propósitos. Aunque la connotación religiosa de las pinturas de bodegones había pasado de moda, muchos artistas aún se basaban en esta historia, aunque solo fuera para rechazarla aún más.
Los bodegones se alejaron de los arreglos simbólicos y se acercaron a representaciones simples de objetos inanimados cotidianos. Sin embargo, muchos artistas continuaron navegando por su propia obra de arte en relación con la Jerarquía de Géneros, donde la pintura de bodegones ocupó el sexto y último lugar en la lista. La jerarquía comenzó con la pintura histórica o religiosa, la pintura de retratos, la pintura de género, la pintura de paisajes y paisajes urbanos, la pintura de animales y, finalmente, la pintura de bodegones.
La Jerarquía de Géneros estaba cayendo rápidamente en desgracia ya que los artistas realistas representaban escenas de la vida cotidiana en lugar de alegorías religiosas o escenas históricas. Los realistas estaban más preocupados por las realidades del mundo moderno y, si bien los retratos de la clase trabajadora eran populares, se incluyeron muchos elementos de naturaleza muerta como una forma de hablar de las condiciones que enfrentaban muchas personas de la clase trabajadora.
En el siglo XX, artistas impresionistas y posimpresionistas como Edouard Manet y Henri Latour rechazaron la jerarquía y pintaron muchas naturalezas muertas que a menudo celebraban la naturaleza y la vida cotidiana. Vincent van Gogh fue otro pintor que a menudo utilizó la naturaleza y la vida cotidiana como tema al crear pinturas. Este renacimiento subversivo de las naturalezas muertas se hizo aún más revolucionario por las técnicas que estos artistas usaban para representar a sus sujetos. Una vez precisos y casi científicos en su interpretación, los artistas impresionistas y posimpresionistas prefirieron usar colores llamativos y pinceladas gruesas.
La pintura de bodegones siguió evolucionando y volvió a ser popular en Europa e incluso en diferentes continentes como Estados Unidos. Si bien las convenciones de pintura europeas aún eran prominentes, la naturaleza muerta se convirtió en su propio movimiento en Estados Unidos. Trompe l’oeil y el mundo natural seguían siendo temas populares entre los pintores estadounidenses que a menudo también usaban la pintura hiperrealista.
El cambio hacia la abstracción en el mundo del arte también reinventó la forma en que se veían las pinturas de bodegones, lo que también era cierto para la mayoría de las pinturas producidas a principios del siglo XX. Artistas como Henri Matisse, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joan Miró, Georgia O’Keeffe y Frida Kahlo se encuentran entre los artistas responsables de las innovaciones en la pintura de bodegones que se admiran hasta el día de hoy.
Naturaleza muerta en el arte contemporáneo
En la segunda mitad del siglo XX, las naturalezas muertas ya habían ido más allá del lienzo y se habían adentrado en el ámbito de la escultura y la fotografía. Los artistas experimentaron con la definición de naturaleza muerta y la profundidad del significado que podían transmitir los objetos domésticos. El dadaísmo y el readymade fueron una forma en que el arte de la naturaleza muerta rompió innumerables fronteras en el mundo del arte y puso en marcha muchos más cambios para los movimientos de arte contemporáneo que siguieron.
El arte pop se convirtió en un movimiento dedicado casi por completo al arte de la naturaleza muerta. Andy Warhol y Roy Lichtenstein representan objetos producidos en masa y la noción de consumismo utilizando el estilo gráfico típico que se ve en el trabajo de arte pop. Sandwich and Soda de Lichtenstein, de 1964, reinventa la naturaleza muerta, incluidas las pinturas de vanitas, para criticar la cultura de consumo estadounidense.
El arte de la naturaleza muerta sigue siendo una tradición popular entre muchos artistas contemporáneos. Artistas como Yayoi Kusama continúan produciendo obras de arte de bodegones que desafían las convenciones visuales y el arte mismo. Obras como Naturaleza muerta de Kusama, de 1996, demuestran cuánto ha cambiado la pintura de naturalezas muertas desde la de la Edad Media en el norte de Europa. Con todos los desarrollos tecnológicos realizados desde principios del siglo XXI, la naturaleza muerta sin duda seguirá evolucionando de manera fascinante.
Cita célebre sobre la pintura de bodegones
«Cézanne hizo de una taza de té un ser vivo, o mejor dicho, en una taza de té se dio cuenta de la existencia de algo vivo. Elevó la naturaleza muerta hasta tal punto que dejó de ser inanimada. Pintó estas cosas como pintaba a los seres humanos, porque estaba dotado del don de adivinar la vida interior en todo. Su color y su línea son igualmente adecuados a la armonía espiritual. Un hombre, un árbol, una manzana, todos fueron utilizados por Cézanne en la creación de algo que se llama un «imagen», y que es una pieza de verdadera armonía interior y artística».
– Wassily Kandinsky (1866-1944), pintor ruso.
Artistas notables de bodegones
- Abraham van Beijeren (1620-1690)
- Adriaen Coorte (1665-1707)
- Ambrosio Bosschaert (1573-1621)
- André Derain (1880-1954)
- Antoine Vollón (1833-1900)
- Baltasar van der Ast (1593-1657)
- Caravaggio (1571-1610)
- Clara Peters
- Claude Monet (1840-1926)
- Édouard Manet (1832-1883)
- Fernand Léger (1881-1955)
- Floris van Dyck (1575-1651)
- Francisco de Zurbarán (1598-1664)
- Francisco Goya (1746-1828)
- Frans Snyders (1579-1657)
- Frida Kahlo (1907-1954)
- Georges Braque (1882-1963)
- Georgia O’Keeffe (1887-1986)
- Giorgio Morandi (1890-1964)
- Giovanna Garzoni (1600-1670)
- Gustave Courbet (1819-1877)
- Harmen Steenwijck (1612-1656)
- Henri Fantin-Latour (1836-1904)
- Enrique Matisse (1869-1954)
- Jacob Foppens van Es (1596-1666)
- Jan Brueghel el Viejo (1568-1625)
- Jan Davidsz. de Heem (1606-1684)
- Jean-Baptiste Oudry (1686-1755)
- Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
- Juan Gris (1887-1927)
- Juan Sánchez Cotán (1560-1627)
- Luisa Moillon (1610-1696)
- Luis Egidio Meléndez (1716-1780)
- Marsden Hartley (1877-1943)
- María Cassatt (1844-1926)
- Osías Beert (1580-1624)
- Pablo Picasso (1881-1973)
- Paul Cezanne (1839-1906)
- Pablo Gauguin (1848-1903)
- Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
- Pieter Claesz (1597-1661)
- Raquel Ruysch (1664-1750)
- Roy Lichtenstein (1923-1997)
- Salvador Dalí (1904-1989)
- Samuel Dirksz van Hoogstraten (1627-1678)
- Tom Wesselmann (1931-2004)
- Vincent van Gogh (1853-1890)
- Willem Claesz. Heda (1594-1680)
- Guillermo Kalf (1619-1693)
- Willem van Aelst (1627-1683)
- Guillermo Harnett (1848–1892)
Términos relacionados con el arte
- Vanitas
- Memento Mori
- Fotografía
- El ensamblaje
- Trampantojo
- Fotorrealismo
