¿Qué es la iconografía?
La iconografía se refiere a una colección de tipos particulares de imágenes utilizadas por los artistas para comunicar significados más profundos en sus obras de arte. El análisis iconográfico incluye la lectura crítica de las imágenes en relación con los valores sociales y culturales relevantes. La iconografía a menudo se entiende como un lenguaje visual que puede enseñar a los espectadores más sobre culturas y sociedades particulares, tanto antiguas como contemporáneas. La iconografía se ve comúnmente dentro de las artes visuales, pero también se usa en otras disciplinas académicas como la antropología, la sociología, los estudios de medios y los estudios culturales.
Obra de iconografía notable
Historia de la iconografía
La palabra «iconografía» tiene sus raíces en las palabras griegas ikon y gráfico, donde la palabra ícono significa «imagen» y gráfico significa «escribir». Artistas, artesanos y artesanos han estado utilizando íconos y símbolos para representar aspectos de sus culturas y sociedades durante milenios. Los primeros íconos en el arte visual representarían figuras religiosas o míticas. Ya en el siglo VII, las imágenes de Jesucristo se representaban en paneles que se exhibían en las iglesias griegas ortodoxas.
A lo largo de la historia del arte, los artistas han utilizado objetos simbólicos como parte de su temática y el estudio e interpretación de esos símbolos es lo que conocemos como iconografía. El uso de una imagen en particular por parte de un artista en su trabajo para simbolizar un significado específico solo se convirtió en parte del estudio iconográfico en el siglo XVI. Se recopilaron emblemas y símbolos de manuscritos y otras formas de literatura y se identificaron o tradujeron sus significados para que los artistas los usaran en sus obras de arte, como pinturas de naturaleza muerta.
No fue hasta el siglo XVIII que la iconografía se generalizó. La iconografía se convirtió en una herramienta que acompañó a los arqueólogos en sus excavaciones para que pudieran clasificar símbolos, sujetos y temas en monumentos y objetos antiguos.
La iconografía se convirtió más tarde en un método utilizado para decodificar el simbolismo religioso en las artes visuales del siglo XIX. Los iconos cristianos, como el cordero y la paloma blanca, que representan a Cristo y al Espíritu Santo, se encontraban entre los iconos más populares del arte religioso occidental. El arte religioso oriental, el arte clásico europeo y el arte secular también utilizan iconos y simbolismo.
Sin embargo, un ícono tendrá un significado diferente cuando se lea dentro de una iconografía diferente. La paloma blanca, por ejemplo, es un símbolo del espíritu santo en la iconografía cristiana, un símbolo de la vida en el judaísmo, pero está asociada con la diosa griega Venus o Afrodita en la mitología clásica.
Iconografía en el arte religioso occidental
En el arte occidental, los historiadores del arte se refieren comúnmente a Iconologia de Cesare Ripa, de 1593, un libro de emblemas y sus significados, como una influencia en el trabajo de los artistas desde el año de su publicación en adelante. Como disciplina histórica del arte, la iconografía se desarrolló en el siglo XIX a través del trabajo de estudiosos especialistas en arte religioso cristiano: Adolphe Didron, Anton Heinrich Springer y Émile Mâle.
El arte cristiano y la iconografía cristiana se desarrollaron de manera más significativa en la era medieval y el período renacentista. El arte religioso clásico romano y griego a menudo incluía iconografía relacionada con textos bíblicos. Jesucristo, la Virgen María, los santos y los apóstoles eran íconos comunes, y algunos tenían variaciones que significaban diferentes narraciones relacionadas con la vida de Cristo y el Antiguo Testamento.
La iconografía cristiana incluía una representación simbólica intrincada más allá de la simple representación de ciertos individuos. Muchas pinturas narrativas incluyen iconografía cristiana que se detalla como los gestos, vestimentas y objetos que hacían inconfundibles a ciertos individuos. San Pedro, por ejemplo, siempre se representa con el pelo y la barba tupidos y oscuros, pero también se representa a menudo sosteniendo las llaves del cielo, un pez o un gallo. Los objetos y otras imágenes se eligen en función de la moraleja de la historia que se cuenta sobre esa figura sagrada.
Los miembros del clero a menudo encargaban a los artistas que pintaran escenas religiosas muy específicas con gran detalle. Esto fue especialmente cierto en el período románico, donde hubo mucha innovación iconográfica. El manuscrito iluminado, que ya estaba en uso desde hace algún tiempo, incluso vio un cambio dramático en los símbolos que acompañaban a los textos.
Las historias del Antiguo Testamento son las escenas más populares representadas en el arte religioso cristiano, especialmente en la Edad Media. El arte religioso producido durante este tiempo se basó en una extensa iconografía que ayudó a transmitir mensajes religiosos complejos y significados específicos con la mayor claridad posible.
La contribución del pintor holandés Jan van Eyck a la iconografía incluyó muchos elementos que hablaban de la mezcla de los mundos espiritual y material. La iconografía de Van Eyck no es el tema principal de su obra. En cambio, generalmente se coloca sutilmente entre el resto de las imágenes. Su iconografía es simbólica de referencias bíblicas que se mezclan con creencias contemporáneas. Van Eyck es una figura notable en el uso de la iconografía porque sus pinturas son tan intrincadas y los símbolos tan sutilmente colocados que el espectador debe examinar la obra muy de cerca para apreciar su verdadero significado. El Retrato Arnolfini de Van Eyck, de 1434, es un ejemplo del estilo clásico del artista.
Iconografía en el Arte Religioso Oriental
Gran parte de la obra de arte religiosa de las culturas orientales, como el hinduismo, el budismo y el sijismo, incluye una iconografía compuesta de muchos mudra y asana , o gestos y posturas, que tienen significados rituales específicos. Al igual que arrodillarse y manos en oración comunes en el arte cristiano, estos mudra y asana representan cualidades divinas de acuerdo con las historias que se cuentan en los textos sagrados y las escrituras.
En religiones como el hinduismo y el budismo tibetano, el color juega un papel importante en la iconografía, a menudo creando una relación entre una deidad y otros elementos como el aire, la tierra, el viento y el fuego. El color, mudra y asana también se utilizan para transmitir el estado de ánimo de una deidad. Por ejemplo, dependiendo de la encarnación, la deidad hindú Vishnu se representa enojada o apaciguada, con colores cálidos para el primero y colores fríos para el segundo.
Los animales y la flora también son una parte importante de la iconografía religiosa oriental. Lakshmi, la diosa hindú de la riqueza y la prosperidad, a menudo se asocia con el símbolo de un elefante, un búho o una pluma de pavo real, entre otras especies de flora como el loto rojo.
Iconografía secular y clásica del arte europeo
Desde el Renacimiento en adelante, la pintura secular se convirtió en una alternativa cada vez más popular al arte cristiano. Naturalmente, el arte renacentista desarrolló sus propias convenciones iconográficas que incluyen pintura de historia, escenas de género, retratos, mitologías e incluso paisajes.
Muchos símbolos de la iconografía renacentista influyeron en los medios modernos y la cultura popular, incluidas las películas, la fotografía, los cómics e incluso las caricaturas políticas. Muchos artistas modernos hicieron referencia a iconografías de la antigüedad, adaptando los íconos utilizados por artistas anteriores a sus propias prácticas.
Algunos artistas modernos incluso crearon iconografías personales, donde los símbolos, individuos, temas o escenarios recurrentes tenían un significado significativo para el artista. Solo aquellos familiarizados con la obra o la vida de un artista, o ambos, podrían comprender el significado de cada símbolo en su iconografía personal. Hieronymous Bosch, Francisco Goya, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Joseph Beuys, William Blake y Frida Kahlo se encuentran entre los artistas con iconografías personales más extensas.
La iconografía personal del siglo XVIII de William Blake es una exploración compleja de la relación entre los humanos y el Dios cristiano. En el siglo XIX, Pablo Picasso desarrolló una iconografía personal en gran parte autobiográfica, utilizando el toro como símbolo en obras como Guernica de 1937. La iconografía personal de Frida Kahlo refleja su herencia europea y mexicana, donde a menudo infunde iconografía cristiana en sus autorretratos, representándose a sí misma como la Virgen María y San Sebastián, entre otros.
Incluso el artista pop Andy Warhol creó una iconografía propia. La iconografía de Warhol se comunica a través de retratos de celebridades y objetos que se convirtieron en íconos culturales estadounidenses, como las latas de sopa Campbell.
En el siglo XX, Joseph Beuys utilizó objetos aparentemente arbitrarios para crear su iconografía. Materiales como el fieltro, la grasa y la miel se utilizaron en sus obras de arte como una forma de expresar sus ideas sobre la sociedad y la vida. Evidentemente, la iconografía puede ser compleja y se puede asignar significado a una variedad aparentemente interminable de objetos o personas. Aún así, la iconografía sigue siendo popular en el trabajo de los artistas contemporáneos.
Artistas notables que usan iconografía
- Jan van Eyck, c.1390-1441, belga
- Hieronymous Bosch, 1450-1516, Holandés
- Francisco Goya, 1746-1828, Español
- Paul Gauguin, 1848-1903, Francés
- Pablo Picasso, 1881-1973, español
- Joseph Beuys, 1921-1986, alemán
- William Blake, 1757-1827, inglés
- William Hogarth, 1697-1764, inglés
- Peter Paul Rubens, 1577-1640, flamenco
- Frida Kahlo, 1907-1954, mexicana
- Andy Warhol, 1928-1987, estadounidense
