¿Qué es el fotorrealismo?
El fotorrealismo se refiere al arte visual que se basa en una fotografía, donde el tema de esa fotografía se reproduce con minucioso detalle a través de la pintura, la escultura u otros medios. El fotorrealismo a menudo se refiere a un movimiento de arte estadounidense que comenzó a fines de la década de 1960, pero los artistas en Europa también estaban creando arte fotorrealista en la misma época. Desde la década de 1970 en adelante, el término fotorrealismo también se usó de manera más amplia dentro de las artes visuales para describir un género de obras de arte que era muy realista.
Obra fotorrealista notable
Historia del fotorrealismo
A fines de la década de 1960, el fotorrealismo surgió en los Estados Unidos como reacción al expresionismo abstracto. Los artistas fotorrealistas valoraron el realismo y rechazaron las nociones de abstracción e idealismo populares en las artes visuales.
Al igual que los artistas pop, los fotorrealistas valoraban la planificación deliberada como parte de su proceso en lugar de la espontaneidad, la improvisación y el automatismo.
El fotorrealismo también se conoce como hiperrealismo, nuevo realismo, realismo de enfoque nítido y pintura superrealista, nombres que se concibieron para describir el trabajo de muchos artistas que utilizaron fotografías como referencia para sus obras de arte altamente realistas. Si bien el fotorrealismo se consideraba vanguardista, sus exigentes procesos asentían a las técnicas tradicionales del arte académico valoradas casi un siglo antes.
Al autor y comerciante de arte estadounidense Louis K. Meisel se le atribuye la acuñación del término fotorrealismo en 1969. En 1970, Meisel utilizó el término para etiquetar obras de arte en una exposición en el Museo Whitney de la ciudad de Nueva York. En 1972-73, Meisel desarrolló una definición de fotorrealismo que incluía cinco criterios centrales:
- El fotorrealista usa la cámara y la fotografía para recopilar información.
- El Photo-Realist utiliza un medio mecánico o semi-mecánico para transferir la información al lienzo.
- El fotorrealista debe tener la capacidad técnica para hacer que el trabajo terminado parezca fotográfico.
- El artista debe haber exhibido su trabajo como fotorrealista en 1972 para ser considerado uno de los fotorrealistas centrales.
- El artista debe haber dedicado al menos 5 años al desarrollo y exhibición de obra fotorrealista. [1]
Estos criterios definieron a la primera y segunda generación de artistas fotorrealistas. El artista estadounidense Chuck Close, por ejemplo, fue un artista fotorrealista de primera generación.
Temas en el arte fotorrealista
Muchos artistas fotorrealistas famosos hicieron pinturas fotorrealistas que demuestran interés en objetos de la industria y maquinaria como automóviles, motocicletas y camiones. En Sherwin Williams Chevy , de 1975, Ralph Goings pintó una camioneta Chevrolet azul profundo estacionada frente a una tienda Sherwin Williams con tal precisión que el espectador podría confundirla fácilmente con una fotografía; una ocurrencia común en la pintura fotorrealista.
Los objetos mecánicos que reflejaban el ocio y la cultura popular también se consideraron como tema en el arte fotorrealista, como la pintura fotorrealista del artista Charles Bell, Gum Ball No. 10: «Sugar Daddy», de 1975. Al igual que el arte pop, el movimiento fotorrealista exploró las obsesiones y el paso del tiempo de la cultura estadounidense.
Sin embargo, el fotorrealismo no abarcó la misma crítica intencional de la cultura estadounidense que el movimiento del arte pop. Aunque muchas obras fotorrealistas están llenas de íconos de la cultura de consumo y de masas estadounidense, como restaurantes de comida rápida y objetos mecánicos, por lo general no criticaron esos íconos dentro de un contexto sociopolítico.
En las décadas de 1960 y 1970, y hasta hace muy poco tiempo, los artistas fotorrealistas masculinos recibieron el mayor reconocimiento. Audrey Flack se encuentra entre las pocas artistas femeninas reconocidas junto con sus contemporáneos masculinos como artista fotorrealista de primera generación. La obra de arte de Flack sigue temas similares y explora el mundo de los objetos a través de la pintura de naturalezas muertas y la escultura posterior. Su trabajo también fue más allá de ser puramente observacional e hizo conexiones entre objetos del pasado y los de su presente mientras desafiaba las representaciones estereotipadas y arquetípicas de las mujeres.
El uso de la fotografía en el arte fotorrealista
Los artistas han utilizado la cámara como herramienta en las artes visuales desde el advenimiento de la fotografía a principios del siglo XIX. De hecho, la primera técnica de creación de imágenes proporcionada por la cámara oscura y la cámara clara era común en la década de 1600 entre los pintores de los viejos maestros, como Rembrandt y Vermeer.
Como precursores de las cámaras modernas, la cámara oscura y la cámara clara proyectaban una imagen en un panel interior. Luego, la imagen fue calcada y pintada, convirtiéndose en muchas de las obras maestras que conocemos hoy.
La evolución de la creación de imágenes ayudó a los artistas a estudiar sus temas de una manera que la observación directa no podía. A través de la proyección y la fotografía, los sujetos de los retratos, entre otras instancias fugaces, podrían congelarse en el tiempo y volver a visitarse a conveniencia del artista.
Sin embargo, la dependencia de la fotografía estuvo en gran parte mal vista hasta que los fotorrealistas la reclamaron como una parte vital de sus procesos artísticos. Mientras que los artistas anteriores dudarían en revelar el uso de referencias fotográficas, los artistas fotorrealistas intentaron replicar los efectos de la fotografía a través de otro medio. Esta técnica desafió los procesos artísticos tradicionales junto con las diferencias entre lo que es «vida real» y lo que es artificial.
Muchos artistas que trabajaron en el género del fotorrealismo a partir de la década de 1960 utilizaron diapositivas de películas para proyectar imágenes en sus lienzos. El uso de proyecciones como guías para sus procesos de pintura significó que los artistas fotorrealistas también consideraran la relación entre la luz y el color, donde las proyecciones de películas unían ambos como un solo elemento.
Escultura fotorrealista
El fotorrealismo se asocia típicamente con la pintura, pero escultores como Duane Hanson demuestran una rama del arte fotorrealista llamada Verismo. Las esculturas de Hanson son a menudo reproducciones realistas de personas promedio. Conserje , de 1973, es una escultura pintada de un conserje que incluye cabello y ropa reales.
A diferencia de otros fotorrealistas, las obras de arte de Hansen suelen reflejar cuestiones sociales y políticas. Su escultura Janitor destaca la naturaleza heroica a menudo pasada por alto de la gente común en la sociedad estadounidense. Al igual que el movimiento realista anterior, Hansen eleva a las personas de la clase trabajadora al traer su semejanza al mundo del arte. Hansen representa este tema en particular sin idealización, incluso haciendo que la escultura deba apoyarse en una pared para mantenerse erguida.
Fotorrealismo hoy
Los artistas fotorrealistas originales desarrollaron técnicas que no solo perturbaron la definición de arte, sino que siguen siendo vitales para el arte contemporáneo. Las capacidades aparentemente ilimitadas de la tecnología digital permiten a los artistas utilizar la fotografía y otras herramientas de imágenes digitales para explorar la línea entre la realidad y la artificialidad de una manera completamente nueva.
El arte fotorrealista de hoy se hace eco de las fascinaciones y fallas en constante evolución de la sociedad, como Internet, las redes sociales y los efectos adversos del capitalismo. También celebra las voces marginadas e incluso se mezcla con lo surrealista.
Las pinturas del artista estadounidense Kehinde Wiley presentan temas e íconos contemporáneos como Barak Obama. El famoso retrato muestra a Obama sentado contra un fondo surrealista de exuberante vegetación. El uso que hace Wiley del fotorrealismo, el simbolismo y el presidente número 44 de los Estados Unidos involucra al espectador en una conversación de siglos de antigüedad sobre política, raza y arte. El trabajo de Wiley es uno de los muchos ejemplos de cómo el fotorrealismo encuentra su lugar en el arte contemporáneo.
Referencias
[1] Meisel, Louis K. Fotorrealismo . Harry N. Abrams, Inc., Publishers, Nueva York. 1980. pags. 13
Artistas fotorrealistas notables
- Chuck Close, 1940-2021, estadounidense
- Carolyn Brad, 1937-2005, estadounidense
- Audrey Flack, b. 1931, estadounidense
- Ricardo Estes, b. 1932, estadounidense
- Hilo Chen, n. 1942, taiwanés-estadounidense
- Ralph Goings, 1928-2016, estadounidense
- Duane Hanson, 1925-1996, estadounidense
- Don Eddy, b. 1944, estadounidense
- Idelle Weber, 1932-2020, estadounidense
- Linda Bacon, b. 1942, estadounidense
- Roberto Bechtle, b. 1932, estadounidense
- Roberto Cottingham, n. 1935, estadounidense
- Roberto Bernardi, n. 1974, italiano
- Franz Gertsch, b. 1930, Suiza
- Rafaela Spence, b. 1978, inglés
- Bertrand Meniel, n. 1961, Francia
- Arinze Stanley Egbengwu, n. 1993, nigeriano
- Cálida Rawles, b. 1976, estadounidense
- Kehinde Wiley, b. 1977, estadounidense
Términos relacionados con el arte
- trampantojo
- Realismo
- Fotografía
- Arte pop
- Minimalismo
- Arte conceptual
- Naturaleza muerta
- kitsch
- Arte contemporáneo
