Gravure d’aquatinte: Définition, Processus, Œuvre d’art

Peindre à l’encre est une forme d’art qui existe depuis des siècles, depuis la fin du 14ème siècle. Dans le passé, il s’agissait de superposer des encres et des pigments sur du bois ou du papier pour créer de belles œuvres d’art. Cependant, la version moderne de la peinture à l’encre a évolué pour apporter des méthodes de création artistique plus faciles et plus précises.

La gravure aquatinte est l’une de ces méthodes qui a permis aux artistes de créer plus facilement de superbes impressions avec des détails complexes. La technique de gravure est une variante de gravure qui produit des zones de tonalité plutôt que des lignes. Il peut créer des impressions avec des transitions subtiles entre les zones claires et sombres.

Continuez à lire pour découvrir tout sur la gravure aquatinte et explorez de belles œuvres d’art créées à l’aide de cette technique.

Définition: Qu’est-ce que la gravure aquatinte?

Aquatinte est une technique de gravure qui crée des images tonales en graveurant de petits points dans la surface d’impression. Il crée des détails délicats sur une surface d’impression car plus les points sont fins et délicats, plus la transition tonale sera douce et subtile.

Vous pouvez également utiliser la gravure aquatinte pour créer des images en monochrome et en couleur et une gamme de textures. Les artistes utilisent souvent la technique pour produire des estampes ressemblant à des aquarelles. Vous pouvez également l’utiliser pour créer des impressions très détaillées ou texturées qui seraient difficiles avec d’autres techniques.

Par exemple, si un artiste souhaite créer des impressions d’une surface spécifique telle que le grain de bois, l’aquatinte est idéale car elle peut créer une représentation de surface réaliste. D’autre part, d’autres techniques de gravure ne peuvent pas produire le même type de détail et de texture car elles sont limitées aux lignes et formes incisées.

L’histoire de l’art aquatinte

L’invention de la technique de l’aquatinte remonte au XVIIIe siècle. Différentes personnes ont joué des rôles différents dans son succès, car elles ont eu de nombreux essais ratés qui ont recueilli des informations importantes pour la première œuvre d’art d’aquatinte réussie.

Voici une analyse complète de l’invention et de l’histoire moderne de la gravure à l’aquatinte.

Histoire passée: Invention de la gravure à l’aquatinte

Selon les documents historiques, un artiste français, Jean-Claude Richard de Saint-Non, a inventé la gravure à l’aquatinte. Il passa la technique à un peintre et graveur, Jean Baptiste Le Prince, au milieu des années 1700.

Dans les années 1650, de nombreux essais pour actualiser la technique ont été essayés, principalement par Jan van de Velde IV à Amsterdam, Johann Jacob Biedermann, un peintre allemand, et John Faber, qui a même écrit un livre sur la gravure. Cependant, tous ces efforts ont échoué.

Ce n’est qu’à la fin des années 1700 que Le Prince perfectionne la technique et produit les premières estampes aquatintes. Il a adopté un vernis résineux chauffé sur une plaque de métal pour fusionner les granulés. Tremper la peinture dans l’acide et l’eau fonctionne mieux pour le processus de gravure

L’invention de Le Prince a été une percée et les graveurs anglais l’ont vue positivement. Là, les artistes développaient des techniques d’aquarelles de paysage. Sa nouvelle technique d’aquatinte a contribué à améliorer l’effet de paysage. Un bloc de teinte fonctionne mieux qu’un lavage de couleur pour obtenir l’effet paysager.

Jusque dans les années 1830, la technique de l’aquatinte produisait des nuances de gris et de noir, qui étaient parfois colorées plus tard à la main. Cependant, le processus était toujours essentiel car il créait des images similaires aux filigranes, mais relativement solides et obtenant un prix équitable.

Le Prince a encore modifié la technique pour créer des impressions avec une large gamme de tons et de nuances. Il a également créé certaines des premières estampes d’aquatinte, qui comportaient des paysages et des motifs religieux.

Depuis lors, de nombreux artistes ont adopté la technique en raison de sa polyvalence et de sa capacité à créer des détails compliqués. Les artistes ont utilisé l’aquatinte pour leurs œuvres d’art et ont réalisé des estampes uniques. D’autres artistes ont également utilisé la technique pour créer des impressions vibrantes avec différentes couleurs.

Histoire moderne: État actuel de la gravure aquatinte

Aujourd’hui, la gravure aquatinte est encore largement utilisée par les graveurs contemporains qui souhaitent créer des impressions avec des détails et des nuances incroyables. Le processus a évolué à partir de sa forme originale et est maintenant utilisé pour produire des impressions avec des couleurs denses, telles que celles utilisées en lithographie.

La technique a été plus accessible depuis l’introduction de la technologie numérique, ce qui permet aux artistes de produire plus facilement des impressions avec différentes couleurs et textures. Il est également abordable pour créer des impressions, nécessitant une configuration minimale et des matériaux à faible coût.

Les impressions aquatintes modernes ont capturé des détails fins et des textures impossibles à obtenir avec d’autres méthodes. Le processus est également utile pour diverses applications, telles que la création d’impressions de paysages, de portraits et d’art abstrait.

Les artistes modernes croient que la gravure aquatinte est une technique incroyable pour créer de belles estampes avec différentes couleurs, tons et textures. Cependant, ils reconnaissent également que le processus peut être délicat et nécessite beaucoup de pratique à maîtriser.

Processus: Comment créer une impression aquatinte

La création d’une impression à l’aide de la technique de l’aquatinte nécessite quelques étapes de base. Cependant, le processus peut varier en fonction de l’œuvre d’art que vous souhaitez produire. Voici les étapes à suivre pour créer une impression aquatinte:

1. Préparez l’assiette

Commencez par préparer la plaque métallique, de préférence le zinc ou le cuivre. Abaissez les bords pour réduire les accidents de vous couper.

Vous pouvez ensuite préparer la plaque pour le processus de poussière de colophane en la recouvrant d’une fine couche d’asphalte. Vous pouvez également utiliser un adhésif à base de gomme-laque pour sceller la plaque avant d’ajouter la terre.

2. Appliquez la poudre de résine

Utilisez un tamis avec de fines particules et saupoudrez la résine en poudre sur la plaque. Assurez-vous de le couvrir uniformément et d’utiliser un outil de gravure pour combler les lacunes.

Vous pouvez également utiliser la boîte d’aquatinte ou une presse à imprimer pour appliquer fermement la colophane en poudre sur la plaque.

3. Chauffer la plaque

Après avoir complètement recouvert la plaque avec la poudre de résine, chauffez-la jusqu’à ce que les particules fusionnent. La plaque chauffée doit être retirée de la source de chaleur et refroidie dans l’eau. Cependant, vous devez noter que vous pouvez toujours travailler sur la résine après le chauffage.

Vous pouvez utiliser différentes flammes, telles que de l’alcool, des spiritueux méthylés ou une torche à gaz, pour chauffer la plaque. Vous pouvez également utiliser une plaque chauffante ou une cuisinière électrique pour le chauffage.

4. Graver la plaque

Vous pouvez maintenant graver la plaque après avoir retiré l’excès de résine. Vous pouvez utiliser une brosse douce et de l’eau froide pour nettoyer la plaque.

Vous pouvez ensuite utiliser un outil de gravure tel qu’un burin ou une aiguille pour créer les détails souhaités sur la plaque. Une fois que vous êtes satisfait de la conception, vous pouvez ajouter de l’acide à la plaque et la graver davantage. Mais, assurez-vous d’utiliser une brosse pour nettoyer tout excès d’acide, car il peut affecter l’image.

5. Imprimez la plaque

Vous pouvez maintenant utiliser une gravure pour transférer votre dessin sur du papier ou du tissu. Vous devez vous assurer d’utiliser la bonne encre, la bonne température et la bonne pression pour effectuer un bon transfert.

Vous pouvez également nettoyer la plaque à l’aide d’une brosse douce et d’eau froide, puis la sécher avec un chiffon. La presse à imprimer doit également être nettoyée après chaque utilisation pour assurer la qualité des impressions. Cependant, lorsque vous prenez le bain d’acide, assurez-vous d’utiliser un matériau résistant à l’acide pour vous assurer que son acidité ne les brûle pas.

Faits importants sur le processus

Le processus d’aquatinte implique diverses substances toxiques, telles que l’acide, qui peuvent être dangereuses pour votre santé. Par conséquent, il est important de prendre les précautions nécessaires lorsque vous travaillez avec de tels matériaux. Vous pouvez utiliser des équipements de protection tels que des gants et des masques pour aider à réduire tout contact avec des matériaux toxiques.

Il est également essentiel d’utiliser les bons outils et la bonne température pour les meilleurs résultats. Trop de chaleur peut provoquer la fissuration de la plaque, et un excès d’acide peut corroder la plaque. Vous pouvez utiliser un thermomètre et un tableau de résistance à l’acide pour aider à déterminer la bonne température et le bon rapport de résistance à l’acide.

Il est également crucial de se rappeler que le processus nécessite du temps et de la patience pour bien faire les choses. Vous devrez peut-être répéter certaines étapes et ajuster les paramètres au besoin jusqu’à ce que vous soyez satisfait de l’illustration.

Œuvres d’art: Quelques exemples célèbres

Certaines des estampes d’aquatinte les plus célèbres incluent Los Caprichos de Francisco De Goya, The Hay Wain de John Constable et Songs of Experience de William Blake. Les impressions sont considérées comme quelques-uns des plus beaux exemples d’impressions aquatintes jamais produites.

Voici un aperçu de ces célèbres estampes:

1. Los disparates, Francisco Goya

Cette impression aquatinte a plus d’un nom, certains s’y référant comme le Sueños (Rêves) ou Proverbios (Proverbes). C’est l’œuvre de Francisco de Goya, qui l’a faite entre 1815 et 1824. Le médium utilisé était la gravure, et la technique de l’aquatinte a été bien présentée dans cette impression.

L’estampe représente un paysage surréaliste de figures humaines dans des poses bizarres. Il est considéré comme un exemple important de la maîtrise de Goya de la technique de l’aquatinte, et il est encore admiré aujourd’hui. Il est également considéré comme une allégorie des luttes du peuple espagnol contre ses dirigeants.

Les estampes de cette série comprennent:

• Disparate de miedo (Folie craintive) – La plaque numéro 2 de la série a une dimension de 24,4 x 35,3 cm. L’estampe montre un groupe de personnes effrayées s’enfuir d’un nuage sombre. Il peut être interprété comme une métaphore de la peur d’un ennemi inconnu. L’impression peut également représenter le risque élevé de danger des hommes alors qu’ils entreprennent leurs activités normales.
• Disparate cruel (folie cruelle) – L’impression est le numéro 6 de la série et a une dimension de 24,3 x 35,1 cm. Il montre un homme tenant une arme alors qu’il conduit d’autres individus dans une certaine direction. Avec le visage et le langage corporel des personnages, il peut être interprété comme une représentation de la violence et des luttes de pouvoir. L’estampe peut également être considérée comme une allégorie des souffrances du peuple espagnol aux mains de ses dirigeants.
• La Lealtad (Loyauté) – C’est la 17ème plaque de la série et a une dimension de 24,4 x 35,1 cm. L’estampe montre plusieurs individus debout près d’un seul homme assis. Ils semblent tous louer ou offrir quelque chose à l’homme, qui est probablement un dirigeant ou une autorité d’une sorte ou d’une autre. L’estampe est interprétée comme une allégorie de loyauté et de fidélité à son chef.

D’autres estampes de cette série incluent:

• Modo de volar (Une façon de voler)

• Claro disparate (Folie claire)

• Las exhortaciones (Les exhortations)

• Pobre disparate (Mauvaise folie)

• Général disparate (folie générale)

• Desordenado disparate (Folie désordonnée)

• Los ensacados (Folie dans les sacs)

Les estampes de la série sont encore admirées aujourd’hui car elles représentent un style d’impression unique. Les détails complexes et les éléments surréalistes de ces estampes en font un classique intemporel.

2. Le sommeil de la raison produit des monstres, Francisco Goya, 1799

Le sommeil de la raison produit des monstres est le numéro 43 de la série Capricho de quatre-vingts estampes créées par le peintre et graveur espagnol Francisco De Goya en 1799. Le graveur a utilisé la technique de l’aquatinte pour créer ce chef-d’œuvre.

L’impression montre un homme dormant la tête sous les bras tandis que des chauves-souris et des hiboux l’entourent. L’œuvre est une critique de l’ère des Lumières, dans laquelle les gens s’appuyaient plus sur la logique que sur l’imagination.

D’autres estampes composées de The Sleep of Reason Produces Monsters in the Capricho incluent:

• Voilà.

• Où va maman?

• Bon voyage.

• Qui l’aurait cru!

• Ils ont volé.

• Ce que l’un fait à l’autre

• Soyez rapide; ils se réveillent.

• Personne ne peut-il nous libérer ?

• Il vaut mieux être paresseux.

Toutes les estampes de la série Capricho ont été largement saluées pour leurs beaux détails, leurs tons subtils et leurs thèmes expressifs.

3. La Tauromaquia, Francisco Goya

La Tauromaquia est une série de 33 estampes produites en 1816 par Francisco de Goya en utilisant la technique de l’aquatinte en taille-douce. Il dépeint différents aspects de la tauromachie, de l’entraînement des taureaux à leur abattage. Chaque impression a une description détaillée qui l’accompagne, donnant un aperçu des différentes techniques utilisées dans la tauromachie.

Les tirages de la série comprennent:

• Otro modo de cazar une tarte (« Une autre façon de chasser à pied »)

• Capean otro encerrado (« Un autre est capé »)

• Origen de los arpones o banderillas (« Origine des harpons ou banderillas »)

• Banderillas de fuego (« Fiery « banderillas »)

• Echan perros al toro (« Les chiens sont siccés sur le taureau »)

• El Cid Campeador lanceando otro toro (« El Cid harponnant un autre taureau »)

Les estampes n’étaient pas seulement destinées à documenter le sport, mais aussi à servir de critique de celui-ci. Goya visait à démontrer à quel point la pratique était cruelle et dangereuse et à exprimer sa désapprobation à son sujet.

4. Géant assis, Francisco Goya, 1818

Seated Giant est l’une des estampes les plus célèbres de Francisco Goya et a été publiée en 1818. Il a une dimension de 28,4 × 20,8 cm en utilisant un milieu de gravure, d’aquatinte et de brunissement. L’impression montre un géant assis sur le sol, regardant loin du spectateur.

L’expression de la figure est un mélange de désespoir et de doute, avec ses bras croisés et mis à genoux.

L’impression peut être interprétée de plusieurs façons. Certains l’interprètent comme un commentaire sur l’impuissance politique, tandis que d’autres le considèrent comme une métaphore de la fragilité et de la mortalité humaines. L’estampe est un rappel puissant de la maîtrise de Goya et de sa compréhension aiguë de la politique et de la nature humaine.

5. La forge de fer entre Dolgelli et Barmouth dans le comté de Merioneth, Paul Sandby

L’estampe est la planche 6 de XII Views in North Wales, créée en 1776 par l’artiste britannique Paul Sandby en utilisant la gravure, et l’aquatinte imprimée en couleur noire et grise.

L’impression montre un four situé entre Dolgelli et Barmouth dans le comté de Merioneth, au Pays de Galles. Il présente un groupe de travailleurs qui s’occupent de la fournaise tandis qu’un autre groupe s’éloigne en arrière-plan. L’estampe évoque une atmosphère d’industrie et de travail acharné en milieu rural.

L’estampe est une partie importante de l’histoire britannique, documentant les processus industriels au Pays de Galles à la fin du 18ème siècle. C’est aussi un exemple de l’utilisation habile de la lumière et de l’ombre par Sandby, créant une composition dramatique qui capture l’essence de la scène. 

C’est un témoignage durable de l’histoire industrielle de la Grande-Bretagne et un rappel important du travail acharné de son peuple. 

6. La promenade publique, Philibert-Louis Debucourt

L’estampe a été créée en 1792 par l’artiste français Philibert-Louis Debucourt en utilisant la gravure, la gravure et l’aquatinte imprimées en couleur. Il représente une promenade publique à Paris, alors que le créateur imaginait les houles s’admirant dans les jardins du Palais Royale. L’impression contient différentes couleurs, y compris des bleus, des verts et des jaunes.

L’estampe est un exemple du mouvement artistique rococo en France, mettant l’accent sur la légèreté et l’élégance. Il met en valeur la beauté des jardins et la culture à la mode de l’époque. Les figurines imprimées sont habillées de vêtements et d’accessoires lumineux et colorés, ajoutant à leur atmosphère vibrante.

L’estampe est également un rappel de la vie sociale à Paris pendant la Révolution française, donnant un aperçu de la culture et des coutumes de la ville. C’est un témoignage durable de l’histoire de la ville et une contribution précieuse au mouvement artistique rococo. Il sert également de rappel important du pouvoir et de l’influence de la société française pendant la période où elle capture leur belle culture. 

L’estampe est une représentation précieuse de l’époque et sert de rappel de l’art habile de Philibert-Louis Debucourt. Le créateur l’utilise comme une source d’inspiration pour d’autres artistes et une source de connaissances pour ceux qui s’intéressent à la culture française.