Le cubisme est un mouvement d’art moderne qui a émergé vers 1907 à Paris, en France. Quatre caractéristiques importantes du cubisme sont l’application de perspectives multiples, l’utilisation de formes géométriques, une palette de couleurs monochromatiques et un plan d’image aplati.
La nouvelle gestion de la forme, de la couleur et de la perspective par le cubisme a signalé un changement par rapport aux conventions existantes de la peinture moderniste européenne. Le cubisme a réinventé le traitement de la forme en rejetant les traditions de perspective, de modélisation et de raccourcissement. Le résultat de cette méthode était une composition fortement abstraite qui représentait le sujet sous tous les angles ou avec des plans d’image qui se chevauchaient.
Perspectives multiples
Les cubistes avaient l’intention de représenter l’ensemble de la structure des objets et des personnes dans leurs peintures sans utiliser de techniques telles que la perspective ou l’ombrage gradué pour les rendre réalistes. Ils voulaient montrer leurs sujets tels qu’ils étaient vraiment plutôt que de créer une illusion d’un objet ou d’une personne.
L’utilisation de la perspective linéaire et l’illusion de profondeur favorisée par le mouvement de la Renaissance étaient en contraste frappant avec la bidimensionnalité que les cubistes ont travaillé à définir. Les artistes cubistes ont représenté leurs sujets sous plusieurs angles simultanément, travaillant à représenter chaque angle du sujet sur la surface plane d’une toile et dans un seul plan d’image.
L’image ci-dessous représente Juan Gris’, Maisons à Paris ( 1911) où la structure semble être visible sous plusieurs angles à la fois. Le résultat est une maison qui semble déformée mais toujours reconnaissable comme une maison.
Formes géométriques
L’imagerie cubique, ainsi que d’autres formes géométriques comme les cônes, les sphères et les cylindres apparaissent souvent dans les premières peintures cubistes et à nouveau plus tard dans le mouvement dans les sculptures cubistes. Les cubistes ont estimé qu’ils pouvaient représenter la forme d’un sujet plus précisément en utilisant des formes géométriques pour représenter ses différents côtés et angles. L’utilisation de formes géométriques a remplacé des techniques telles que la perspective et l’ombrage, qui ont également souligné la planéité bidimensionnelle de la toile.
L’image ci-dessous représente la peinture de Pablo Picasso appelée Fille à la mandoline (1910), où diverses formes géométriques se réunissent pour suggérer la forme d’une fille jouant de la mandoline.
Palette de couleurs monochromatiques
Les couleurs vives n’étaient généralement utilisées dans les peintures cubistes que beaucoup plus tard dans le mouvement. Les premiers peintres cubistes préféraient les tons de gris, de noir et d’ocre en sourdine aux couleurs audacieuses telles que le vert ou le rose. Une palette de couleurs simplifiée a permis de mettre davantage l’accent sur la structure et la forme du sujet.
L’image ci-dessous représente la peinture de Georges Braque intitulée Nature morte (violon et chandelier) (1910), où des nuances de brun et de gris sont apparentes. Les cubistes ont simplifié leur palette de couleurs pour mettre davantage l’accent sur la structure du sujet lui-même.
Plan d’image aplati
Le plan de l’image est communément appelé la surface de la toile. Cependant, avant le cubisme, la peinture illusionniste traitait le plan de l’image comme une fenêtre sur une scène, où les sujets étaient représentés de manière représentative et les peintres créaient l’illusion de la réalité dans l’œuvre. Les cubistes rejetaient l’illusion et croyaient que tous les éléments d’un sujet devaient être visibles sur le plan de l’image de la peinture. Les cubistes ont également pensé à cela comme une représentation plus honnête de la réalité par rapport à leurs prédécesseurs plus traditionnels ou « académiques ».
L’image ci-dessous représente la peinture de Pablo Picasso appelée Bol de fruits, violon et bouteille (1914), qui, à première vue, montre plusieurs pièces d’objets différents qui semblent presque méconnaissables. En y regardant de plus près, le bol de fruits, de violon et de bouteille semble avoir été démonté, puis remonté pièce par pièce, chaque angle représentant dans un plan bidimensionnel.
Caractéristiques du cubisme analytique
Le cubisme analytique, la première phase du cubisme qui dure de 1907 à 1912, se caractérise principalement par des peintures qui représentent un sujet de multiples points de vue qui se chevauchent dans un seul plan d’image. Les œuvres d’art qui en ont résulté avaient une apparence fragmentée, géométrique et abstraite. Les peintures cubistes analytiques étaient également largement monochromes, utilisant des tons terreux.
Le cubisme analytique diffère des mouvements artistiques précédents tels que l’impressionnisme, où la composition est également fragmentée au point de l’abstraction. Cependant, les artistes impressionnistes ont utilisé des couleurs vives qui mettaient l’accent sur les effets de la lumière sur la nature. Le cubisme, d’autre part, chevauchait plusieurs angles et plans d’image qui ont fait paraître le sujet très irréaliste ou non représentatif.
Caractéristiques du cubisme synthétique
Vers 1912, la deuxième phase majeure du cubisme a émergé: le cubisme synthétique. Alors que le cubisme analytique favorisait l’analyse de formes et de compositions déconstruites qui représentaient de multiples perspectives dans le même plan d’image, de nombreux artistes travaillant dans le style cubiste synthétique ont préféré aplatir entièrement leur sujet, créant des représentations bidimensionnelles d’objets et de personnes.
Cette nouvelle façon de concevoir la forme finira par prouver que le travail de Pablo Picasso et Georges Braque est influent au-delà des conventions du cubisme. De nombreux mouvements artistiques qui ont suivi embrasseraient les nombreuses nouvelles techniques manifestées dans les œuvres d’art cubistes synthétiques.
La palette de couleurs neutre et terreuse du cubisme analytique a également évolué pour inclure des couleurs plus audacieuses et des formes simples, tout en conservant les plans qui se chevauchent déjà au centre des œuvres cubistes. Le passage à la couleur audacieuse et non tacheté vue dans le cubisme synthétique est souvent considéré comme un précurseur des œuvres d’art simples mais vibrantes du mouvement Pop Art.
Les artistes cubistes synthétiques ont également formalisé la technique du papier collé consistant à coller des morceaux de papier sur une surface plane telle qu’une toile, maintenant connue plus communément sous le nom de collage. La technique du papier collé a rendu les compositions avec une planéité encore plus grande que pendant la phase de cubisme analytique.
Le commentaire politique qui était important pour la phase ultérieure du cubisme a également influencé les mouvements artistiques qui ont émergé pendant les deux guerres mondiales et la période d’après-guerre. Les formes multidimensionnelles à facettes du cubisme ont directement influencé de nombreux artistes du XXe siècle et mouvements d’art moderne tels que le dadaïsme, le surréalisme, le futurisme, le suprématisme, le constructivisme et De Stijl.
