Andy Warhol (1928-1987) est né à Pittsburgh, en Pennsylvanie, en 1928. Il a fréquenté le Carnegie Institute of Technology, maintenant appelé Carnegie Mellon University, à Pittsburgh, et a obtenu en 1949 un diplôme en design pictural. Andy Warhol a commencé à travailler comme illustrateur commercial en 1949, et était très respecté dans son domaine et très bien payé. Warhol a travaillé pour des publications telles que Glamour, Vogue, Harper’s Bazaar et The New Yorker, ainsi que pour la création de panneaux publicitaires et d’affichage de fenêtres pour les détaillants de New York.
De l’illustrateur commercial à l’artiste pop art
Andy Warhol a utilisé les compétences qu’il a acquises en tant qu’illustrateur commercial dans ses œuvres d’art pop art. Le pop art était un mouvement artistique anglais, basé sur le consumérisme de la culture américaine. Il a commencé dans les années 1950 avec les artistes Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton et Peter Blake. Le pop art a fusionné les beaux-arts avec la culture populaire. Le mouvement s’est rapidement répandu à New York, avec des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein à l’avant-garde.
Les premières expositions et œuvres
En 1952, Andy Warhol a été invité à exposer son travail à la Galerie Hugo, avec une exposition autonome intitulée Quinze dessins basés sur les écrits de Truman Capote. Les premiers signes de la combinaison des beaux-arts avec la culture populaire étaient déjà évidents. En 1956, l’artiste est invité à exposer lors de sa première exposition collective au Museum of Modern Art.
Des publicités et des bandes dessinées ont commencé à apparaître dans ses œuvres en 1960. Bien qu’il ait admiré et été inspiré par des expressionnistes abstraits tels que Robert Rauschenberg et Jasper Johns, au début de la nouvelle décennie, le travail d’Andy Warhol est devenu distinctement pop art dans son style.
Pop Art Style
En 1962, après avoir peint ses emblématiques boîtes de soupe Campbell, le travail d’Andy Warhol est devenu plus graphique, avec des techniques de gravure. Andy Warhol a déclaré: « En août 62, j’ai commencé à faire des sérigraphies. Je voulais quelque chose de plus fort qui donnait plus d’un effet de chaîne de montage. Avec la sérigraphie, vous choisissez une photographie, faites-la sauter, transférez-la dans de la colle sur la soie, puis roulez de l’encre autour d’elle pour que l’encre passe à travers la soie, mais pas à travers la colle. De cette façon, vous obtenez la même image, légèrement différente à chaque fois. Tout était si simple rapide et chancy. J’en étais ravi.
La sérigraphie a permis à l’artiste Pop Art de répéter facilement des images photographiques plusieurs fois, comme dans la production commerciale, avec toutes les imperfections perceptibles qui l’accompagnaient, telles que les taches et la différenciation des couleurs. Cela est devenu la signature de Warhol et a lié ses beaux-arts à la publicité. Les œuvres initiales d’Andy Warhol étaient de l’avant et de l’arrière de billets d’un dollar.
La sérigraphie, la répétition, les couleurs vives, les biens de consommation, les célébrités et la religion étaient toutes les caractéristiques du travail d’Andy Warhol.
Andy Warhol et le consumérisme
Les artistes pop art Andy Warhol ont rapidement acquis une renommée avec ses œuvres mettant en vedette des produits commerciaux. L’artiste a célébré la culture de consommation en utilisant des marques américaines emblématiques dans ses œuvres. Ce faisant, les artistes ont transformé la publicité en art, la rendant accessible au grand public. « Je ne pense pas que l’art devrait être réservé aux quelques privilégiés », a déclaré Andy Warhol, « je pense que cela devrait être pour la masse du peuple américain. »
1962: Andy Warhol’s Campbell’s Soup Cans
Dans l’ouvrage de Warhol Campbell’s Soup Cans (1962), il s’est approprié des images en utilisant les 32 variétés de soupe vendues dans les épiceries, par la populaire marque de soupe. Chaque boîte a été peinte à la main individuellement, en utilisant de la peinture polymère synthétique sur des toiles, mesurant 20 par 16 pouces. Chaque boîte a été reproduite, en répétition, avec une variation uniquement sur l’étiquette. Lorsqu’elle a été montrée pour la première fois au public, elle était affichée sur les étagères, tout comme la soupe Campbell’s était vendue dans les épiceries.
En décrivant son inspiration pour campbell’s Soup Cans Andy Warhol a répondu simplement, « J’avais l’habitude de boire. J’avais l’habitude de déjeuner tous les jours, pendant 20 ans, je suppose, la même chose encore et encore.
Le public a rejeté les boîtes de soupe Campbell’s. Comment la soupe pourrait-elle faire l’objet d’un véritable art ? Les médias en ont fait un débat national et Andy Warhol est devenu un nom familier.
Andy Warhol et Coca-Cola
Andy Warhol a créé plus de 15 œuvres impliquant Coca-Cola. Green Coca Cola Bottles (1962), au Whitney Museum of Art, à New York, est une œuvre avec 112 bouteilles vertes vides disposées en rangées de 16, sept rangées de profondeur, avec le logo Coca-Cola en dessous. Pour créer l’œuvre, le motif de grille d’arrière-plan a été créé avec de la sérigraphie verte acrylique sur toile. Ensuite, les bouteilles ont été estampillées à la main avec un bloc de bois sculpté.
À propos de la marque emblématique Andy Warhol a déclaré: « Vous pouvez regarder la télévision et voir Coca-Cola, et vous savez que le président boit du Coke, Liz Taylor boit du Coke, et pensez simplement que vous pouvez boire du Coke, aussi. Un Coke est un Coke et aucune somme d’argent ne peut vous obtenir un meilleur Coke que celui que les fesses sur le coin est en buvant. Tous les Cokes sont les mêmes et tous les Cokes sont bons. Liz Taylor le sait, le président le sait, les fesses le savent, et vous le savez.
3 Coke Bottles (1962) est souvent confondu avec Coca-Cola 3, également par Andy Warhol, mais les deux ont une esthétique complètement différente. Encore une fois, ce travail comporte des bouteilles vertes. Cette fois, chacun semble flotter juste au-dessus du logo rouge Coca-Cola, qui a un lettrage cursif qui semble quelque peu en détresse.
Inspiré par l’expressionnisme abstrait, dans la taille de Cocoa-Cola 3 (1962), mesurant 6 par 5 pieds, mais en utilisant une image reconnue au lieu d’une forme abstraite, Andy Warhol capturé le favori de la boisson américaine. Cette œuvre, qui fait partie d’une série plus large mettant en vedette Coco-Cola, est accrochée au Crystal Bridges Museum of American Art.
La bouteille est peinte en noir, ce qui en fait une image graphiquement austère sur un fond blanc. Il est peint pour ressembler à une impression publicitaire plate, au lieu de l’œuvre d’art. C’est un contraste frappant avec 3 bouteilles de coke et des bouteilles de Coca-Cola vertes, qui sont peintes avec une ambiance plus nostalgique.
Coca-Cola 3 s’est vendu aux enchères de Christie’s, en 2013, pour plus de 57 millions de dollars américains. Dans le mouvement pop art américain, cette œuvre est considérée comme une première peinture.
1964: Andy Warhol’s Brillo Boxes
1964: For Brillo Boxes Warhol a construit une sculpture en contreplaqué pour représenter les boîtes de la maison commune Brillo pad, utilisé pour frotter les pots et les casseroles. Ici, l’artiste a utilisé la technique de la sérigraphie, avec de l’acrylique pour créer les étiquettes de boîte. Les boîtes, maintenant au MoMA, à New York, ont été créées pour être identiques, mais c’était à la galerie d’empiler et de « marchandise » comme ils l’entendaient, tout comme les épiciers dans les épiceries.
Pour l’ouverture du Pasadena Art Museum, rebaptisé aujourd’hui le North Simon Museum, Andy Warhol a recréé 100 de ses brillo boxes.
Andy Warhol et Marilyn Monroe
Par hasard, juste au moment où Andy Warhol commençait à travailler sur des sérigraphies, le monde a perdu une star de cinéma emblématique. « Quand Marilyn Monroe est morte ce mois-là, j’ai eu l’idée de faire des écrans de son beau visage les premiers Marilyns. »
Dans Warhol’s Gold Marilyn Monroe (1962), au Museum of Modern Art, à New York, l’artiste a élevé l’actrice au statut de dieu, en peignant son visage isolé sur un fond doré. L’image du visage de Marilyn a été appropriée à partir d’une photo publicitaire pour le film Niagara de 1953 . Ici, le visage et le cou de la star de cinéma sont peints en rose mauve contre nature, avec des cheveux jaune citron brillants. Ses lèvres sont peintes dans ses rouges à lèvres rouges caractéristiques, tandis que le fard à paupières turquoise brillant correspond au col à peine visible de sa tenue.
La grande œuvre mesurant 6 pieds 11 pouces, par 4 pieds 9 pouces, et utilise de l’encre sérigraphyée sur de la peinture polymère synthétique sur toile. Pour créer l’œuvre, Warhol a d’abord peint la toile de fond en or. Ensuite, la photographie vierge et blanche a été sérigraphie. Enfin, la couleur de la peinture a été appliquée pour mettre en évidence son visage, ses cheveux, ses traits et son col.
Andy Warhol a adapté l’œuvre originale dans The Marilyn Monroe Screen Print Portfolio, chacun mesurant 36 par 36 pouces, avec son visage recadré et plus proche, disponible dans de nombreuses couleurs différentes.
Dans The Marilyn Diptych, également de 1962, Andy Warhol utilise la même photo publicitaire. Cette fois, l’image est présentée en répétition. Apparaissant 50 fois sur les deux toiles, 25 sont peintes en couleur, tandis que 25 sont peintes en noir et blanc, faisant allusion à la vie et à la mort de Monroe.
Dans l’œuvre, Andy Warhol invite clairement le spectateur à adorer la star de cinéma, en utilisant la référence aux peintures chrétiennes dans le titre. Le mot diptyque fait référence à un retable en bois à charnières.
Autres portraits de célébrités
L’obsession d’Andy Warhol pour la célébrité s’étendait au-delà de Monroe. L’artiste pop art a peint Elvis Presley, Mick Jagger, Elizabeth Taylor et même Mao Zedong. Il n’a pas fallu longtemps avant que les célébrités et les mondains ont demandé à Andy Warhol de les immortaliser dans l’un de ses portraits de célébrités reconnaissables.
Elvis,
Elvis était idolâtré partout dans le monde, il n’était donc pas surprenant que les œuvres d’Andy Warhol sur la star du rock and roll soient très demandées. Basé sur une photo publicitaire pour Elvis dans le film Flaming Star, Warhol a créé son œuvre Triple Elvis (1963) dans le cadre de la série Triple Elvis . En 2014, l’une des œuvres a rapporté 81,9 millions de dollars.
En 2008, Eight Elvises (1963) de Warhol s’est vendu pour un montant record de 100 millions de dollars en 2008, ce qui en fait à l’époque la peinture la plus précieuse au monde. En utilisant la même photo publicitaire, Warhol prend l’image et la chevauche à l’aide d’une sérigraphie sur un fond argenté.
Mao Zedong
La série Mao Zedong est une combinaison de sérigraphie et de peinture qui capture historiquement la visite de Richard Nixon en Chine, en 1972. Le petit livre rouge de Mao contient une image en noir et blanc de lui, et c’est ce qu’Andy Warhol a utilisé pour construire l’œuvre. Créé dans une variété de tailles, certains mesurent jusqu’à 15 par 10 pieds. En créant sans relâche l’image de Mao dans ses œuvres, en utilisant de la peinture polymère synthétique et de l’encre de sérigraphie sur toile, Warhol a transformé l’homme en une simple marchandise. De plus, il a ajouté des éclaboussures de couleur comme des graffitis. Cela aurait pu être l’influence de ses amis, les graffeurs Ken Harding et Jean Michel Basquiat.
1986: Self Portrait
À cette époque, Andy Warhol était une véritable célébrité à part entière. Il a créé des portraits de lui-même tout au long de sa carrière, à partir de 1964. The Self Portrait (1986) montre son visage et sa perruque, en utilisant de la peinture acrylique et de la sérigraphie sur toile. Le travail dans divers musées, fait partie d’une série d’environ six œuvres. Chacun est d’une couleur différente. Au Solomon R. Guggenheim Museum, à New York, le visage de Warhol est vert acide, sur un fond noir. La même œuvre, à la Tate, à Londres, représente Warhol dans un rouge vif.
Série La Cène (1984-1986)
Andy Warhol a été élevé catholique et est allé à la messe sur une base régulière. Dans cet ouvrage, il présente sa version mise à jour du chef-d’œuvre de la Renaissance, La Cène de Léonard de Vinci (1495-1498). Basé sur une photographie en noir et blanc de l’œuvre de Leonardo, Warhol a réalisé des centaines de dessins, de peintures et de sérigraphies. Une fois terminées, 22 œuvres ont été exposées dans une exposition à Milan, en Italie, en face de l’endroit où réside l’œuvre de Leonardo.
Sixty Last Suppers (1986) en est un exemple. Le polymère synthétique et l’encre sérigraphique sur toile utilisent la répétition en noir et blanc pour illustrer le moment religieux. Soixante petites images reposent côte à côte, dix larges et six longues.
Le musée Andy Warhol
Pour plus d’informations et pour voir la plus grande collection d’œuvres d’art d’Andy Warhol et les documents d’archives d’Andy Warhol, visitez le Musée Andy Warhol, situé où les artistes célèbres sont nés, à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Le vaste espace contient sept étages. Ouvert en 1989, c’est l’un des quatre musées Carnegie, dans la ville et une entreprise de collaboration entre le Carnegie Institute, Dia Art Foundation et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels.
La Fondation Andy Warhol pour les arts visuels a commencé, conformément au testament de l’artiste, en 1987. Il sert non seulement un domaine, mais à innover l’expression artistique.
