Modern Art Movement – Histoire, artistes et œuvres d’art

Qu’est-ce que l’art moderne?

L’art moderne est une période d’histoire de l’art entre la fin du 19^e siècle et le milieu du 20^e siècle qui englobait de nombreux styles différents, dans la peinture, la sculpture, les arts décoratifs et l’architecture. On pense que l’art moderne a commencé avec l’impressionnisme en 1870, et s’est poursuivi à travers plusieurs styles, y compris le post-impressionnisme, le fauvisme, l’expressionnisme, le cubisme, le futurisme, le dadaïsme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait et la fin avec le pop art dans les années 1960.

Œuvres célèbres d’art occidental moderne

 

Le style de l’art moderne

Les historiens de l’art s’accordent à dire que l’art moderne commence par les impressionnistes et se termine par le pop art. Entre ces deux styles d’art, il y avait de nombreux mouvements d’art moderne différents et englobaient de nouveaux médiums visuels au-delà des arts traditionnels, y compris:

• Impressionnisme (1870- 1880)
• Post-impressionnisme (1886-1904)
• Fauvisme (1905 – 1907)
• Expressionnisme (1905-1907)
• Cubisme (1908- 1914)
  • Cubisme analytique
  • Cubisme synthétique
• Futurisme (1909-1944)
• Dadaïsme (1916-1924)
• Surréalisme (1924-1950)
• Expressionnisme abstrait (1940-1950)
• Pop Art (années 1950- années 1960)

Le début de l’art moderne

L’art moderne commence avec la révolution industrielle au milieu du 19^e siècle. Le chemin de fer, la machine à vapeur et le métro ont changé le cours pour apporter encore plus d’emplois à la ville. Les banlieusards ont pris rapidement des trains pour se rendre au travail, tandis que les citadins ont profité du dimanche après-midi à la campagne.

Les populations dans les villes ont commencé à augmenter, en particulier dans des villes comme Paris. En 1853, l’empereur Napoléon III charge l’architecte et urbaniste Georges-Eugène Haussmann de créer de nouveaux bâtiments, d’élargir les trottoirs et de créer des parcs pour que les gens puissent en profiter. Les peintres étaient là pour capturer la vie quotidienne du monde moderne sur toile, avec de nouvelles idées.

Art moderne Guerre et commerce

L’art moderne a été influencé par la guerre avec la Première Guerre mondiale en Europe (1914-1918) et la guerre civile espagnole (1936-1939). Pendant la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), de nombreux artistes européens sont partis pour New York, qui est devenu le centre d’art.

Les chutes économiques avec le Lundi noir et le krach boursier de 1929, ont conduit à la Grande Dépression (1929-1939).

L’art et les peintres reflétaient la nouvelle réalité moderne de la vie et les artistes exploraient des pensées et des tendances socialement libérales dans l’art moderniste et les nouveaux mouvements artistiques.

Le rôle d’Édouard Manet dans les débuts de l’art moderne

Édouard Manet (1832-1883) était le pont entre le réalisme et l’impressionnisme. Sa peinture choquante Luncheon on the Grass a provoqué un scandale au Salon de Paris, quand il a été exposé en 1863.

L’œuvre illustre deux hommes entièrement habillés en pique-nique sur l’herbe, avec deux femmes, dont une entièrement nue. Le contenu et la composition ont été empruntés à la peinture de la Renaissance Pastoral Concert de Giorgione (1510). Alors que les travaux antérieurs font référence classiquement à la littérature ancienne, le travail de Manet est clairement sur la société française moderne.

Édouard Manet était membre de la bourgeoisie supérieure de Paris. L’artiste était le seul de ses contemporains qui n’avait pas à vendre ses peintures pour gagner sa vie. Bien que son père voulait qu’il étudie le droit, Manet préférait toujours l’art. Manet aimait le travail des artistes Courbet, Velazquez et Goya.

« Tout n’est que pure apparence, les plaisirs d’une heure qui passe, le songe d’une nuit d’été. Seule la peinture, le reflet d’une réflexion – mais le reflet, aussi, de l’éternité – peut enregistrer quelques-unes des paillettes de ce mirage. » – Édouard Manet

Impressionnisme (1870- 1880)

Les historiens de l’art considèrent l’impressionnisme comme le début de l’art moderne. Originaire de France dans les années 1860, l’impressionnisme s’est poursuivi jusqu’à la fin des années 1880. Les impressionnistes ont travaillé pour capturer les scènes de la vie quotidienne de la classe moyenne, en se concentrant sur un seul moment dans le temps. Les artistes impressionnistes ont rejeté les peintures toniques de la terre et les coups de pinceau plats du réalisme. Ces peintres ont choisi d’utiliser une palette plus vivante, appliquée avec de courtes touches de couleur.

Fascinés par la lumière naturelle et la couleur, ces artistes modernes expérimentent la peinture en plein air, sans utiliser d’ombrage noir ou clair-obscur. Les peintures ont souvent été recadrées comme influencées par la photographie et l’ère moderne.

Rejetés par le Salon de Paris, les peintres français Édouard Manet, Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917), ainsi que deux douzaines d’autres organisent leur propre exposition en 1874. C’est le premier des huit au total qui a duré jusqu’en 1886. C’était impressionnant compte tenu de la « nouvelle peinture » comme on l’appelait initialement était considérée comme un échec artistique dans le monde de l’art, au cours des premières décennies.

1872: Monet’s Impression, Sunrise Le Musée Marmottan Monet de Paris capture le soleil levant orange sur les eaux grises du port du Havre, alors que les bateaux passent. Les couleurs contrastées créent un éclairage du soleil sur l’eau. Le nom de la peinture a fourni aux critiques la source dont ils avaient besoin pour définir les peintures qu’ils ont vues.

À la gare Saint-Lazare de Monet, aujourd’hui au Musée d’Orsay, à Paris, le train, symbole de modernité, est assombri par la fumée lorsqu’il pénètre dans la gare. Les gens attendent sur la plate-forme extérieure avec l’architecture de Hausmann créant une toile de fond pour l’ère moderne.

Renoir aimait peindre les Parisiens à loisir. Luncheon on the Boating Party (1881) est une œuvre qu’il a peinte de ses amis profitant d’un repas ensemble dans un restaurant donnant sur l’eau.

Degas est surtout connu pour son travail artistique dans la capture des mouvements des ballerines au Ballet de l’Opéra de Paris, dans des œuvres telles que The Dance Class (1874) mettant en vedette le maître de ballet Jules Perrot, et les répétitions de ballerines.

Post-impressionnisme (1886-1904)

Le post-impressionnisme a commencé en 1886, en France, puis s’est déplacé à travers l’Europe, reflétant l’art sous une diversité de formes. Des points communs existaient dans la création d’œuvres d’art avec de nouvelles idées, en réaction à l’impressionnisme. Les postimpressionnistes tels que Vincent Van Gogh (1853 – 1890), Paul Cézanne (1839 -1906), Paul Gauguin (1848-1903) et Georges Seurat (1859- 1891) ont utilisé un style non conventionnel, y compris l’application plate et rapide de la peinture et l’utilisation de la couleur pour créer un effet psychologique. Pourtant, le travail de chacun des post-impressionnistes était très différent.

Seurat voulait ajouter la science à l’impressionnisme en utilisant la couleur pour créer de la luminosité, c’est ce qu’on appelait le néo-impressionnisme. Dans A Sunday on La Grande Jatte-1884, (1884-1886), l’artiste crée cela en utilisant un mélange optique, ou en plaçant deux couleurs côte à côte, en utilisant de minuscules touches de couleur, ou pointillisme, pour donner l’illusion d’une couleur mélangée.

Pour le peintre néerlandais Vincent Van Gogh, le postimpressionnisme était tout au sujet de la couleur telle que dépeinte dans ses œuvres d’iris, de fleurs et de paysages remplis de blé. Il était aussi un symboliste qui voulait ajouter un sens plus profond à son travail.

De toutes les fleurs, il aimait les tournesols, qu’il a commencé à peindre en déménageant à Paris. En fait, les tournesols apparaissent dans certains de ses arts les plus célèbres. Il a peint une collection de cinq œuvres de tournesols dans un vase, tout en vivant dans le sud de la France entre 1888-1889. Dans ces œuvres, le jaune est incorporé dans de nombreuses nuances différentes. Van Gogh a estimé que les tournesols représentaient la gratitude.

Dans The Starry Night (1889), Van Gogh choisit de représenter le ciel nocturne. Dans une lettre à Willemien van Gogh, en septembre 1888, les artistes ont écrit: « Il me semble souvent que la nuit est encore plus richement colorée que le jour, colorée dans les violettes, les bleus et les verts les plus intenses. Si vous regardez attentivement, vous verrez que certaines étoiles sont citronnées, d’autres ont une lueur rose, verte, myosothère bleue… il est clair que pour peindre un ciel étoilé, il ne suffit pas de mettre des taches blanches sur bleu-noir.

Vincent Van Gogh peint un paysage nocturne avec des coups tourbillonnants de couleurs vives. Le ciel, avec la lune jaune vif et les étoiles devient le point focal, point en raison de l’horizon bas. Bien que vivant en France à l’époque, la ville, avec son clocher d’église, est plus caractéristique de la Hollande, faisant peut-être allusion à son déplacement. Des œuvres comme celle-ci auraient un fort impact sur l’expressionnisme.

Les œuvres du peintre français Paul Cézanne changent en fonction de l’endroit où se trouve le spectateur. De près, ses peintures apparaissent plates, mais lorsqu’elles sont vues de plus loin apparaissent en trois dimensions. Il les a réalisés en utilisant des ombres, ou même en décrivant des objets en noir.

Dans The Card Player(1890-1892), une série de cinq œuvres, Cézanne a fait des croquis d’hommes individuels, puis a travaillé les sujets dans une composition. Alors que les gens semblent statiques, le décor et les vêtements qu’ils portent semblent changer.

Dans son œuvre artistique The Large Bathers (1898-1906) Cézanne donne une touche d’art moderne au sujet du nu féminin classique. Ici, les femmes ne sont pas des déesses de la mythologie mais des formes féminines qui ont été allongées, aplaties et déconstruites pour faire partie de la composition que l’artiste a envisagée.

D’où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous? (1897-1898) est un chef-d’œuvre de Paul Gauguin chef-d’œuvre. La peinture représente le cycle de la fille à la femme, vu à travers la perspective féminine de la vie tahitienne. Paul Gauguin avait quitté la France pour vivre parmi le peuple tahite, d’où le sujet de beaucoup de ses œuvres a été dérivé.

Fauvisme (1905 – 1907)

Fauvisme, un terme donné par les critiques d’art français a été dérivé du terme français fauves, qui signifie bête sauvage. Des artistes d’origine française tels que Henri Matisse (1869 -1954) et André Derain (1880-1954) ont favorisé les couleurs primaires vives, les couleurs secondaires et les pinceaux distinctifs, produisant des peintures de paysages et de figures. Ces artistes ont trouvé des influences dans l’exploration des cultures africaines et non occidentales.

Dans The Woman with a Hat (1905) de Matisse, l’artiste peint sa femme Amelia dans des couleurs expressives brillantes. C’était une nouvelle façon de peindre un portrait à travers l’art moderniste.

Dans Goldfish d’Henri Matisse, (1912) au Musée Pouchkine, Moscou, l’artiste crée une nature morte sous forme abstraite. Le poisson rouge orange aplati et vif peut être vu de deux côtés simultanément. Son utilisation experte de couleurs complémentaires placées côte à côte travaille à saturer les teintes. Goldfish a été influencé par les voyages de Henry Matisse au Maroc, et le poisson qu’il a acheté pour son propre salon par la suite, prêtant un élément interculturel.

The Dance (1910) d’André Derain, maintenant dans une collection privée, combine l’influence de la sculpture romane, de l’art populaire et des influences des masques africains, avec la palette de couleurs audacieuse du fauvisme, située dans un lieu exotique.

Matisse a également travaillé avec la sculpture au début de sa carrière, travaillant continuellement sur des nus féminins sinueux. En revanche, la sculpture de grès de Derain Crouching Man, (1907) au Museum Moderner Kunst, Vienne, Derain réduit l’homme à une forme de bloc.

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Expressionnisme (1905-1907)

L’expressionnisme avait des éléments récurrents qui, bien qu’intensément personnels pour les artistes, étaient capables d’attirer le spectateur dans le contexte émotionnel, à travers des images déformées et des couleurs utilisées pour provoquer des réactions. Les expressionnistes ne se préoccupaient pas de la réalité physique dans le monde de l’art.

Expressionnisme: Die Brücke

Deux groupes se sont formés en Allemagne qui ont aidé à définir l’expressionnisme. Die Brücke (Le Pont) a commencé en 1905 et a été dirigé par Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) et comprenait également les membres fondateurs Fritz Bleyl (1880 – 1966), Erich Heckel (1883 – 1970) et Karl Schmidt-Rottluff (1884 – 1976). Se considérant comme un pont entre l’art du passé et l’art du présent, ils avaient pour objectif de fusionner l’art gothique allemand et médiéval, et le nu féminin avec l’expressionnisme.

L’affiche de la première exposition Die Brücke, une lithographie couleur, a été conçue par Bleyl en 1906. L’œuvre qui présentait une forme féminine nue partiellement abstraite, utilisée comme expression des pensées du groupe sur la sexualité ouverte, a été jugée risquée pour le public.

Dans Kirchner’s Street, Berlin (1913), deux prostituées, suivies d’un chemin d’hommes, sont allongées et aplaties, dans un environnement de décors de paysage urbains anormalement colorés, avec des couleurs rehaussées de tons de peau rose
.

Self Portrait as a Soldier (1915) exposé au Allen Memorial Art Museum, dans l’Ohio, est le résultat de l’anxiété que Kirchner a vécue dans l’armée. Dans des couleurs conflictantes de vert, orange et jaune, l’œuvre, y compris un nu, a des formes angulaires et discordantes.

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Expressionnisme: Der Blaue Reiter

Pendant ce temps, Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), y compris les peintres Wassily Kandinsky (1866 -1944), Franz Marc (1880-1916) et Gabriele Münter (1877-1962) ont exploré l’abstraction. Kandinsky était le plus ému par la musique et voulait capturer l’expérience auditive sur toile. Il a vu la couleur dans la musique dans ce qui a pu être la synesthésie, une affection neurologique qui est rare. Son œuvre Improvisation 28 (deuxième version), peinte en 1912, et conservée au Solomon R. Guggenheim Museum, à New York, en est un exemple.

Cubisme (1908- 1914)

Alors que l’artiste espagnol Pablo Picasso (1881-1973) a contribué à de nombreux mouvements artistiques, il a été le fondateur du cubisme, avec l’artiste français George Braque (1882-1963). Le cubisme est catégorisé comme un style artistique qui comprend à la fois des formes géométriques et fragmentées pour permettre aux objets d’être vus sous de nombreux angles et points de vue.

Dans Les Demoiselles d’Avignon de Picasso (Les Jeunes Dames d’Avignon) de 1907, l’artiste dépeint des prostituées sous des formes abstraites, en utilisant des lignes dentelées, transformant ce qui devrait être considéré comme souhaitable en quelque chose d’agressif. Influencés par les masques africains, les visages ont une qualité primitive.

Les peintures cubistes de Georges Braque Violon et Chandelier (1910) ainsi que Le Portugais (1911) sont deux exemples où l’artiste utilise un ton monochromatique pour souligner la fragmentation.

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Futurisme (1909-1944)

Le futurisme visait à exprimer la vitesse des nouvelles technologies dans les avions, les trains et les automobiles. À partir du début du 20^e siècle, le poète italien Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944). D’autres artistes modernes notables incluent Umberto Boccioni (1882- 1916), Carlo Carrà (1881-1966), Giacomo Balla (1871 -1958) et Gino Severini (1883 -1966).

Severini a travaillé à combiner la peinture avec la sculpture pour donner aux œuvres une qualité en trois dimensions. Dans Dancer at Pigalle (1912) au Baltimore Museum of Art, à Baltimore, Maryland, l’accent est mis sur le danseur au centre. Créé à l’aide de peinture à l’huile sur plâtre façonné, sur toile, le résultat donne un élément tourbillonnant à l’œuvre futuriste.

Les formes uniques magistrales de continuité de Boccioni, au Museum of Modern Art, à New York, créent une sculpture surhumaine qui incarne la force et la structure du stand, tout en ayant l’air balayé par le vent. L’original a été créé en plâtre. Une production artistique plus récente n’a été coulée en bronze qu’après la mort de l’artiste.

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Dadaïsme (1916-1924)

Le dadaïsme a commencé à Zurich, en Suisse, en 1916. Par la suite, il s’est étendu à l’Allemagne, à la France et aux États-Unis. La tristement célèbre « sculpture » de fontaine de Marcel Duchamp (1887-1986) de 1917 est un véritable exemple de dadaïsme et d’objets prêts à l’emploi qui frôlaient l’absurde. Acheter en prenant un urinoir et en le plaçant sur son dos, puis en le signant, il a suscité beaucoup de débats sur ce qui pourrait être considéré comme de l’art.

Les artistes allemandes Hannah Höch, (1889 – 1978), ont créé des photomontages en combinant des images qui semblaient d’abord peu conformes, mais racontaient des récits sur le féminisme à l’époque moderne.

D’autres artistes modernes notables comprenaient l’artiste allemand / français Jean Arp (1886 – 1966), et l’autrichien Raoul Hausmann (1886-1971).

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Surréalisme (1924-1950)

À l’origine membre du groupe Dada , l’artiste français André Breton (1896-1966) a lancé le mouvement surréaliste à New York en 1924. Il s’est concentré sur le collage et la gravure, tout en écrivant plusieurs livres.

Le surréalisme vient du mot français qui signifie « super réalité ». Breton a défini le surréalisme comme « l’automatisme psychique dans son état pur, par lequel on propose d’exprimer – verbalement, au moyen de la parole écrite, ou de toute autre manière – le fonctionnement réel de la pensée ».

Ces artistes modernes ont expérimenté des œuvres d’art basées sur le subconscient et les rêves. Salvador Dali (1904 -1989) La persistance de la mémoire (1931) au Museum of Modern Art, à New York met en place des montres fondantes dans un paysage qui apparaît d’un autre monde. Ici, le temps n’a aucune incidence.

Birthday (1942) est un autoportrait de l’artiste américaine Dorothea Tanning (1910-2012) réalisé pour son 30^e anniversaire, avec des images de fond de son esprit inconscient et des idées sur le cours de la vie et les changements en soi. Eine Kleine Nachtmusik (1943) est l’une de ses œuvres les plus célèbres. La peinture qui est accrochée dans la Tate Modern, à Londres, se déroule dans un couloir d’hôtel étrange, où un gigantesque tournesol est cassé et déchiré. Une fille et une poupée grandeur nature sont terrifiées par l’affichage.

 

Les œuvres de l’artiste surréaliste d’origine belge René Magritte (1898-1967) posent de nombreuses questions sans révéler de réponses. Des visuels courants apparaissent continuellement tels que des tuyaux, des chapeaux melon, le ciel bleu et des pommes vertes. Dans The Menaced Assassin, une femme nue est allongée sur un canapé, la gorge tranchée. Pendant ce temps, un homme ignore calmement la situation, tout en jouant un phonographe. Deux détectives, tous deux en costumes et chapeaux melon, se tiennent contre un mur juste à l’extérieur de la pièce. L’un tient un bâton et l’autre un filet. Trois têtes battantes à l’extérieur regardent à travers la fenêtre. Comment cette femme s’est-elle retrouvé ici?

 

Comme Marcel Duchamp, mais avec une production artistique plus récente, les artistes suisses d’origine allemande Meret Oppenheim (1913 – 1985) ont pris des objets prêts à l’emploi pour assembler sa pièce sculpturale intitulée Object (Le Déjeuner en fourrure), également au Museum of Modern Art, à New York. L’œuvre surréaliste demande aux spectateurs d’imaginer ce que ce serait de tenir une tasse de thé, recouverte de fourrure de gazelle chinoise.

Expressionnisme abstrait (1940-1950)

L’expressionnisme abstrait était une période de l’art américain entre 1940 et 1950, qui a été influencée par les styles européens précédents, y compris le fauvisme et le surréalisme, à partir de laquelle il a pris la notion de création subconsciente.

Dans son œuvre à l’huile sur toile intitulée Autumn Rhythm: Number 30 (1950) exposée au Metropolitan Museum of Art de New York, l’artiste Jackson Pollock (1912-1956) ajoute de la peinture noire, blanche et beige. Ces couleurs sont superposées pour donner un visuel de mouvement constant, à travers des lignes de différentes longueurs et épaisseurs, à la fois incurvées et droites. L’œuvre de Jackson, Blue Poles (1952) à la National Gallery de Canberra, en Australie, contient des éclats de verre et même des empreintes de pas.

Le peintre néerlando-américain Willem de Kooning ,(1904-1997) a favorisé la peinture déformée des figures humaines, en particulier des femmes, qui se sont mélangées à l’arrière-plan comme Femme assise (1940) au Philadelphia Museum of Art.

Parmi les autres expressionnistes abstraits dignes de mention, mentionnons les artistes américains Helen Frankenthaler (1928-2011) et Mark Rothko (1903-1970), ainsi que l’artiste canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

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Pop Art (années 1950- années 1960)

Le pop art qui a commencé à la fin des années 1950 en Angleterre, et s’est répandu aux États-Unis, est considéré par les historiens de l’art comme le dernier mouvement influent de l’art moderne. Le Pop Art a célébré le consumérisme et les objets du quotidien sont devenus des sujets dans les œuvres d’art.

L’artiste américain Andy Warhol (1929-1987) a fait référence à des produits commerciaux produits en série avec ses boîtes de soupe Campbell. Chacune des 32 toiles représente une saveur.

L’artiste pop Roy Lichtenstein (1923-1997) a ajouté des points Ben-Day sur ses toiles, une technique d’impression utilisée dans la création de bandes dessinées. Son œuvre Whaam! (1963) à la Tate Modern de Londres transplante des images de guerre dans des dessins animés.

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Architecture moderne

L’architecte franco-suisse Le Corbusier (1887-1965) a utilisé les influences de la technologie moderne, telles que les avions, les trains et les automobiles pour ses œuvres architecturales. L’architecte a conçu Villa Savoye (1929) avec du béton et du verre, dans le style international, en utilisant cinq points d’architecture. Le Corbusier a utilisé des échasses ou des pilotis en béton armé pour soulever la structure, un plan d’étage ouvert, des fenêtres en ruban et un jardin sur le toit.

 

 

Le célèbre architecte américain Frank Lloyd Wright (1867-1959) a construit Fallingwater son chef-d’œuvre de l’architecture de style prairie, en Pennsylvanie, en 1937. Fallingwater a des lignes allongées, qui se fondent dans la nature qui l’entoure. Il y est parvenu en limitant la palette de couleurs à l’ocre et au rouge en fonction de l’environnement de la roche naturelle. Les pièces remplies de fenêtres permettaient une vue de l’extérieur.

Le déclin de l’ère moderne

L’art moderne commencerait à décliner en faisant place à l’art postmoderne et à l’art contemporain.

Mouvements et styles d’art moderne

• Impressionnisme
• Post-impressionnisme
• Fauvisme
• Expressionnisme
• Cubisme
  • Cubisme analytique
  • Cubisme synthétique
• Futurisme
• Dadaïsme
• Abstraction
• Surréalisme
• Expressionnisme abstrait
• Pop Art

Termes relatifs à l’art

• Plein air
• Mélange optique
• Pointillisme
• Symbolisme
• Die Brücke
• Der Blaue Reiter
• Photomontage
• Automatisme
• Points Ben-Day

Artistes impressionnistes

• Édouard Manet (1832-1883) Français
• Claude Monet (1840-1926) Français
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Français
• Camille Pissarro (1830-1903) Français
• Alfred Sisley (1839-1899) Français
• Edgar Degas (1834-1917) français

Artistes post-impressionnistes

• Vincent van Gogh (1853 – 1890) Néerlandais
• Paul Cézanne (1839 -1906) français
• Paul Gauguin (1848 – 1903) Français
• Georges Seurat (1859- 1891) français

Fauvisme Artistes

• Henri Matisse (1869 – 1954) Français
• André Derain (1880-1954) Français

Artistes expressionnisme

• Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) allemand
• Fritz Bleyl (1880 -1966) allemand
• Erich Heckel (1883 -1970) allemand
• Karl Schmidt-Rottluff (1884 – 1976) Allemand
• Wassily Kandinsky (1866 – 1944) russe
• Franz Marc (1880-1916) allemand
• Gabriele Münter (1877-1962) allemand

Artistes du cubisme

• Pablo Picasso (1881-1973) espagnol
• George Braque (1882 – 1963)

Artistes du futurisme

• Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) Italien
• Umberto Boccioni (1882- 1916) italien
• Carlo Carrà (1881-1966) italien
• Giacomo Balla (1871 – 1958) italien
• Gino Severini (1883 -1966) italien

Artistes du dadaïsme

• Marcel Duchamp (1887-1986) Français
• Hannah Höch (1889 -1978) allemand
• Jean Arp (1886 – 1966) allemand / français autrichien
• Raoul Hausmann (1886-1971) Autrichien

Artistes du surréalisme

• André Breton (1896- 1966) Français
• Salvador Dali (1904 -1989) espagnol
• Dorothea Tanning (1910-2012) américaine
• René Magritte (1898-1967) Belge
• Meret Oppenheim (1913-1985) Allemand / Suisse

Artistes de l’expressionnisme abstrait

• Jackson Pollock (1912-1956) américain
• Willem de Kooning, (1904-1997) Néerlandais
• Helen Frankenthaler (1928-2011) américaine
• Mark Rothko (1903-1970) américain
• Jean-Paul Riopelle (1923 -2002) Canadien

Artistes pop art

• Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
• Andy Warhol (1929-1987) américain