Le cubisme est un mouvement d’art moderne occidental qui a commencé vers 1907 à Paris, en France, et a commencé à décliner en 1914 avec le début de la Première Guerre mondiale. Bien que le mouvement cubiste original ait radicalement changé pendant cette période, son influence a survécu dans des mouvements artistiques comme le futurisme, le constructivisme, l’expressionnisme abstrait et d’autres.
Le cubisme a été dirigé par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque, qui ont expérimenté la forme et la perspective. Les nombreuses expériences de Picasso et Braque ont atteint les principales caractéristiques du cubisme, y compris une composition fragmentée, plate et en couches, de multiples perspectives représentées dans un seul plan d’image et une palette de couleurs limitée. Le cubisme a réfuté l’idée que l’art devrait imiter la nature.
Les œuvres d’art cubistes emblématiques comprennent: Les Demoiselles d’Avignon (Pablo Picasso, 1907), Portrait de Pablo Picasso (Juan Gris, 1912), et Nature morte avec canne de chaise (Pablo Picasso, 1912).
L’histoire du cubisme
Le cubisme a été inventé en 1907 par Pablo Picasso et Georges Braque. Picasso et Braque ont été influencés par le travail post-impressionniste de Paul Cézanne, l’art africain et la sculpture ibérique.
La phase pré-cubiste est parfois appelée proto-cubisme ou cubisme cézanien. Cette phase se réfère à quand Picasso et Braque ont développé le style cubiste entre 1904 et 1907.
Picasso et Braque ont établi les deux principales phases du cubisme, du cubisme analytique et du cubisme synthétique, qui ont atteint leur apogée entre 1907-1912 et 1912-1914, respectivement.
Le mouvement cubiste original a commencé à changer vers 1914 avec le début de la Première Guerre mondiale. La guerre a déplacé de nombreux artistes travaillant en Europe à l’époque, les amenant à fuir ou à se cacher. Certains artistes masculins d’âge militaire ont également dû servir leur pays, ce qui les a obligés à suspendre leurs pratiques artistiques. De nombreuses peintures ont également été perdues ou volées, si elles n’étaient pas déjà en possession d’un collectionneur, d’un musée ou d’un autre endroit sûr.
Après la guerre, de nombreux artistes cubistes ont continué à peindre, ce qui a conduit à une évolution du mouvement cubiste. Les cubistes ont commencé à favoriser un style plus abstrait, conduisant finalement à des sous-genres au sein du mouvement cubiste, tels que le cubisme abstrait et le cubisme transparent, entre autres.
F0r plus d’informations, voir notre article Histoire du cubisme .
Quelles ont été les phases du cubisme?
Les phases du cubisme sont le cubisme proto-cubisme / cubisme cézanien, le cubisme analytique et le cubisme synthétique.
Le cubisme analytique a émergé en 1907 et consistait en des peintures qui mettaient l’accent sur la surface plate et bidimensionnelle du plan de l’image. Le cubisme analytique a rejeté les techniques traditionnelles de modélisation, de raccourcissement, de perspective et de clair-obscur pour créer de la profondeur et l’illusion de l’espace tridimensionnel. Les peintures cubistes analytiques comportaient généralement une palette de couleurs limitée composée de tons terreux et de nombreuses ombres.
Le cubisme synthétique a émergé en 1912 et s’est développé sur la planéité du cubisme analytique en incorporant des objets du quotidien dans les peintures. Des morceaux de papier appartenant autrefois à des journaux, du papier peint, des étiquettes de bouteilles et d’autres éphémères ont été collés par des artistes sur la toile en plus de la toile à huile et de la peinture à l’huile. La palette de couleurs vue dans les peintures de cubisme synthétique est restée limitée mais n’est pas aussi monochromatique que les combinaisons de couleurs populaires dans la peinture cubiste analytique.
Cubisme cézanien
L’artiste postimpressionniste français Paul Cézanne a principalement influencé le mouvement cubiste, ce qui a donné le nom de « cubisme cézanien ».
Les expériences de Cézanne avec les plans et la forme, son utilisation de lignes dures, de formes géométriques et de perspectives simultanées ont profondément impacté les caractéristiques esthétiques du cubisme.
Cézanne réduisait souvent ses sujets à leurs formes géométriques primaires. Par exemple, un arbre était une combinaison stratégique de cylindres, et une pomme était une sphère. Cézanne a également expérimenté les règles de la perspective et peint ses objets avec des surfaces aplaties, faisant allusion à la tridimensionnalité d’un sujet en suggérant plusieurs angles et points de vue à la fois.
En fin de compte, le style post-impressionniste tardif de Cézanne a influencé l’œuvre pré-cubiste de Picasso et Braque. Le proto-cubisme fait référence à la phase d’expériences artistiques menées par Pablo Picasso et Georges Braque entre 1904 et 1907 qui ont puisé dans de nombreuses influences, y compris le style unique de Cézanne. Picasso et Braque ont porté de nombreuses caractéristiques post-impressionnistes dans le développement du cubisme, produisant des œuvres d’art plates, géométriques et angulaires, avec une palette de couleurs terreuse.
Voir notre article pour en savoir plus sur l’influence de Paul Cézanne sur le cubisme.
Cubisme analytique
Le cubisme analytique fait référence à la première phase du cubisme qui s’est développée en France vers 1907 et a duré jusqu’en 1912. Le cubisme analytique décrit l’approche analytique et pièce par pièce des artistes pour représenter leurs sujets. Des sujets ont été analysés, déconstruits, et réarrangés pour être entièrement évidents d’un côté. Cette dissection esthétique de la forme a abouti à de multiples points de vue qui se chevauchaient et qui permettaient au spectateur de voir le sujet dans son intégralité sur un seul plan d’image.
Ces choix stylistiques ont abouti à des œuvres d’art cubistes ayant une apparence fragmentée, géométrique et abstraite. Les peintres cubistes analytiques ont également utilisé une palette de couleurs limitée, principalement des tons sombres et terreux.
Le cubisme analytique diffère des mouvements artistiques précédents tels que l’impressionnisme, où la composition est également fragmentée au point de l’abstraction. Cependant, les artistes impressionnistes ont utilisé des couleurs vives qui mettaient l’accent sur les effets de la lumière sur la nature. D’autre part, le cubisme chevauchait plusieurs angles et plans d’image qui faisaient paraître le sujet très irréaliste mais toujours identifiable.
Voici des exemples d’œuvres d’art du cubisme analytique :
1. Maisons à Paris
2. Heure du thé (Femme avec cuillère à café)
Vous pouvez en savoir plus dans notre Guide du cubisme analytique.
Cubisme synthétique
Le cubisme synthétique était un mouvement artistique qui s’est produit en France entre 1912 et 1914. Le cubisme synthétique se caractérise par des représentations plates d’objets du quotidien et des compositions plus audacieuses et plus symboliques que son précurseur, le cubisme analytique.
Tout comme le cubisme analytique, le cubisme synthétique a été dirigé par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque. En 1912, beaucoup plus d’artistes travaillaient aux côtés de Picasso et Braque dans le style cubiste, y compris Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953), Robert Delaunay (1885-1941), Henri Le Fauconnier (1881-1946) Fernand Léger (1881-1955).
De nombreux historiens de l’art reconnaissent également l’artiste Juan Gris (1887-1927) comme une figure critique dans l’évolution du cubisme analytique vers le cubisme synthétique.
Contrairement au processus déconstructif du cubisme analytique, les artistes travaillant dans le style du cubisme synthétique représentaient le sujet de leur choix, généralement des objets et des personnes réels, à travers une combinaison de matériaux quotidiens et de peinture à l’huile.
Les couleurs utilisées dans l’art cubiste synthétique sont variées et plus vibrantes que la palette limitée du cubisme analytique. La palette de couleurs neutre et terreuse du cubisme analytique a évolué pour inclure des couleurs plus audacieuses et des formes simples tout en conservant les points de vue qui se chevauchent déjà au centre des œuvres cubistes. Le passage à la couleur audacieuse et sans tache vu dans le cubisme synthétique est souvent considéré comme un précurseur des œuvres d’art simples mais vibrantes du mouvement Pop Art.
Le papier collé, la technique du papier collé que nous connaissons maintenant sous le nom de collage, a également émergé du cubisme synthétique. La méthode consistant à coller des morceaux de papier sur une surface plane telle qu’une toile était souvent utilisée par les cubistes pour confronter le spectateur à des morceaux de réalité réels. Le lien avec la réalité était particulièrement important à cette époque, car il reflétait un point de vue critique sur une société en évolution rapide et une guerre mondiale imminente.
En combinant des matériaux d’art traditionnels avec des restes d’objets du monde réel, les cubistes ont démontré comment l’introduction d’éléments physiques dans la peinture et leur synthèse dans un nouveau style pourraient influencer des générations d’artistes à suivre. La technique du papier collé a élargi la définition de l’art en introduisant la création d’art mixte dans le monde de l’art moderne.
Le commentaire politique critique du cubisme synthétique a également influencé les mouvements artistiques qui ont émergé pendant les deux guerres mondiales et la période d’après-guerre. Les formes à facettes et multidimensionnelles du cubisme ont directement influencé de nombreux artistes du 20ème siècle et mouvements d’art moderne tels que le dadaïsme, le surréalisme, le futurisme, le suprématisme, le constructivisme et De Stijl.
Voici des exemples d’œuvres d’art du cubisme synthétique :
1. Verre et bouteille de Suze
2. Nature morte avec la caningette de chaise
Vous pouvez en savoir plus dans notre Guide du cubisme synthétique.
Caractéristiques du cubisme
Les principales caractéristiques du cubisme comprennent de multiples perspectives, des formes géométriques, une palette de couleurs monochromatiques et un plan d’image aplati.
La gestion non conventionnelle de la forme, de la couleur et de la perspective par le cubisme a signalé un changement par rapport à l’institution autrefois vénérée de la peinture moderniste européenne. Le cubisme a réinventé le traitement de la forme en rejetant les principes de la perspective, de la modélisation et du raccourcissement. Ce processus a abouti à une composition géométrique, fortement abstraite qui représentait le sujet sous tous les angles et avec des plans d’image qui se chevauchent.
Les cubistes étaient passés maîtres dans l’analyse de l’apparence de leurs sujets et combinaient plusieurs points de vue en une seule forme. Les artistes cubistes ont représenté leurs sujets sous plusieurs angles simultanément, travaillant à représenter chaque angle du sujet sur la surface plane d’une toile et dans un seul plan d’image. Ils avaient l’intention de représenter l’ensemble de la structure des objets et des personnes dans leurs peintures sans utiliser de techniques telles que la perspective ou l’ombrage gradué pour les rendre réalistes.
Les cubistes ont réalisé leur version du réalisme en utilisant des formes géométriques au lieu de la perspective linéaire et de l’ombrage. L’imagerie cubique et d’autres formes géométriques comme les cônes, les sphères et les cylindres apparaissent régulièrement tout au long du mouvement cubiste. Les peintres cubistes ont estimé qu’ils pouvaient représenter la forme d’un sujet plus précisément en utilisant des formes géométriques pour représenter ses différents côtés et angles.
En outre, les couleurs vives n’étaient généralement utilisées dans les peintures cubistes que beaucoup plus tard dans le mouvement, pendant la phase synthétique du cubisme. Les premiers peintres cubistes ont préféré les tons gris, noir et ocre en sourdine aux couleurs audacieuses telles que le vert ou le rose.
Pour plus d’informations, consultez notre article sur les caractéristiques du cubisme.
Artistes du cubisme
Les artistes de cubisme les plus remarquables incluent Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Jean Metzinger et Albert Gleizes.
Pablo Picasso
Pablo Picasso était un artiste espagnol né à Málaga, en Espagne, en 1881 et mort en 1973 à Mougins, en France. Picasso a créé de l’art dans de nombreux médiums, y compris la peinture, la sculpture, la gravure et le collage.
Picasso a été l’un des pionniers du cubisme et a travaillé dans le style cubiste tout au long des deux phases importantes du mouvement: le cubisme analytique et le cubisme synthétique. Les nombreuses influences de Picasso incluent l’art africain, le néoclassicisme, le symbolisme et le surréalisme.
L’influence de l’art de Picasso est d’une grande portée, y compris les mouvements d’art moderne ultérieurs, les pièces de théâtre, les chansons populaires et même les films hollywoodiens. De nombreux artistes contemporains imitent les styles artistiques que Picasso a lancés.
Georges Braque
Georges Braque est un artiste français né à Argenteuil, en France, le 13 mai 1882, et décédé le 31 août 1963 à Paris, en France.
Braque était peintre, sculpteur et graveur. Il a été à l’origine influencé par l’impressionnisme et a ensuite travaillé dans le style du fauvisme avant de s’aligner avec Pablo Picasso et de développer le cubisme. L’influence du peintre postimpressionniste français Paul Cézanne a conduit Braque à travailler avec Picasso pour développer le cubisme.
Juan Gris
Juan Gris était un artiste espagnol né à Madrid, en Espagne, le 23 mars 1887, et décédé le 11 mai 1927 à Boulogne-Billancourt, en France. Gris était un peintre et illustrateur qui a travaillé presque exclusivement dans le style cubiste, inspiré par d’autres cubistes qu’il a rencontrés quand il a déménagé à Paris en 1906.
Jean Metzinger
Jean Metzinger est un peintre, illustrateur, écrivain et poète français né à Nantes, en France, le 24 juin 1883, et mort le 3 novembre 1956 à Paris, en France. Entre 1904 et 1907, Metzinger a travaillé dans les styles divisionniste et fauviste avec une composante cézannienne robuste, conduisant à certaines des premières œuvres proto-cubistes.
Albert Gleizes
Albert Gleizes est un peintre, écrivain et philosophe français né à Paris le 8 décembre 1881 et mort le 23 juin 1953 à Saint-Rémy-de-Provence, en France. Gleizes était un peintre autodidacte influencé par la tradition impressionniste et les couleurs audacieuses du fauvisme. Gleizes a été influent parmi les cubistes et a eu un impact sur de nombreux autres artistes et mouvements artistiques, y compris les artistes abstraits et l’art surréaliste.
Pour plus d’informations sur les artistes cubistes, consultez notre Guide de l’artiste cubiste.
Cubisme Œuvre d’art
Voici des exemples d’œuvres d’art cubisme célèbres et notables:
1. Les
Demoiselles d’Avignon
2. Portrait de Pablo Picasso
3. Fille avec une mandoline
4. Maisons à L’Estaque
Vous pouvez en savoir plus sur les œuvres d’art cubistes dans notre Guide d’illustrations cubistes.
Faits sur le cubisme
- Jean Metzinger et Albert Gleizes ont écrit « Du Cubisme », un traité sur le cubisme, en 1912. « Du Cubisme » a influencé la découverte de Niels Bohr du principe de complémentarité dans la théorie quantique.
- Juan Gris a inventé le terme cubisme analytique pour décrire la première phase significative du cubisme.
- Georges Braque a été le premier artiste vivant à avoir une exposition personnelle au Louvre à Paris.
- Pablo Picasso a produit plus de 150 000 œuvres d’art au cours de sa vie. Il a vécu jusqu’à l’âge de 91 ans.
- Le cubisme est considéré comme le premier mouvement d’art abstrait, même si la réalisation de l’abstraction dans les œuvres cubistes n’était pas un point focal du style du mouvement.
- Le cubisme est étroitement lié au réalisme.
- Le cubisme a d’abord été rejeté par de nombreuses galeries, académies d’art et artistes vétérans pour son style et son concept non conventionnels.
- En 1911, la première exposition cubiste, Salon des Indépendants, n’inclut pas les fondateurs du cubisme, Pablo Picasso et Georges Braque.
- Le terme cubisme provient d’une critique du critique d’art Louis Vauxelles en 1908, qui a décrit les peintures de Georges Braque comme une réduction des sujets à des « bizarreries cubiques », entre autres commentaires moqueurs.
- Le cubisme est l’un des styles artistiques les plus influents du 20ème siècle.
- Le marchand d’art et historien allemand Daniel-Henry Kahnweiler a versé à Picasso et Braque un salaire qui leur a permis de faire de l’art pour gagner leur vie. Leur financement a été fondamental pour le succès du cubisme.
- L’artiste philippin Vicente Manansala a développé le cubisme transparent, qui utilise des couches de peinture transparente plutôt que des couches opaques typiques du cubisme français.
- L’œuvre cubiste est parmi les plus volées de l’histoire. Pendant la Seconde Guerre mondiale, une grande partie de l’art de Paul Klee a été saisie dans les musées et les collectionneurs juifs par les nazis. L’art de Pablo Picasso est également le plus volé de tous les autres artistes.
- Pablo Picasso croyait que le cubisme était fidèle à la vie parce qu’il représentait la réalité physique de ses sujets.
- En dehors de l’Europe et de l’Occident, le cubisme a d’abord atteint le Japon et la Chine via des textes européens traduits et publiés dans des revues d’art japonaises dans les années 1910.
- Le cubisme a influencé la littérature occidentale, en particulier des écrivains tels que Virginia Woolf, James Joyce, William Faulkner et Gertrude Stein, qui ont utilisé la répétition et des perspectives convergentes à travers leurs textes.
- Dans les années 1920, la sculpture cubiste est devenue populaire grâce à des artistes tels que Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Pablo Picasso, et plus encore.
- Influencés par le cubisme, les photographes Aleksander Rodchenko, László Moholy-Nagy et Paul Strand ont utilisé des techniques créatives de chambre noire pour créer des répétitions géométriques et des compositions en couches.
Cubisme vs surréalisme
Le cubisme et le surréalisme sont remplis d’objets familiers qui semblent étranges ou mystérieux parce qu’ils remettent en question notre perception du monde qui nous entoure. Les deux mouvements ont subi deux phases significatives qui ont marqué une évolution dans le style et la technique, ont envisagé la réalité d’une manière nouvelle ou alternative, et ont contenu des éléments d’abstraction, à la fois intentionnels et involontaires.
Bien que le cubisme et le surréalisme partagent de nombreuses similitudes, leurs influences sont très différentes. Le surréalisme utilise l’illusionnisme, où le cubisme le rejette entièrement. Le cubisme était également reconnu comme un mouvement d’arts visuels, tandis que le surréalisme, mieux connu sous le nom de mouvement artistique, faisait partie d’un mouvement culturel plus large en réponse à la Seconde Guerre mondiale, y compris le cinéma et la littérature.
Bien que le cubisme et le surréalisme n’aient pas eu d’influence claire ou directe l’un sur l’autre, ces célèbres mouvements artistiques d’avant-garde étaient étroitement liés à des mouvements coexistants tels que le dadaïsme et le post-impressionnisme. De nombreux artistes Dada, cubistes et post-impressionnistes, tels que Frida Kahlo et Salvador Dalí, se sont immiscrés dans le cubisme avant de trouver leurs racines dans les mouvements qui les définissent. Même en tant que cubiste célèbre, une grande partie du travail de Pablo Picasso tout au long des années 1920 intègre les caractéristiques du surréalisme et son style a changé au cours des nombreuses décennies de cette carrière artistique.
Pour plus d’informations, consultez notre guide complet sur le surréalisme.
Cubisme vs futurisme
Le futurisme était un mouvement d’art moderne qui a commencé en Italie au début du 20ème siècle. Le futurisme célèbre le dynamisme de la vie moderne, les progrès de la technologie, la jeunesse et la violence. Le poète italien Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) a fondé le futurisme dans les arts visuels. En 1909, Marinetti annonça la naissance du mouvement dans son Manifeste futuriste. Les peintres italiens Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla et Gino Severini étaient également des figures clés du mouvement. Le futurisme était également populaire en Russie. Semblable au cubisme, le futurisme s’est dissous avec l’arrivée de la Première Guerre mondiale, mais a ensuite été brièvement relancé par Marinetti.
Le cubisme et le divisionnisme ont influencé le futurisme et de nombreuses peintures futuristes semblent avoir des qualités stylistiques similaires à celles du cubisme et du divisionnisme. Cependant, les artistes futuristes recherchaient une composition plus dynamique que celle du cubisme. Les futuristes ont été inspirés par le progrès technologique et visaient à transmettre son énergie palpitante. De nouveaux développements scientifiques, tels que des automobiles agiles, des avions en plein essor et des trains à grande vitesse, ont alimenté le désir des futuristes d’inclure les cyclistes de course, les avions et même les personnes en mouvement comme sujets.
Bien qu’ils cherchent à se différencier des cubistes, les artistes futuristes se sont appuyés sur la technique cubiste de montrer plusieurs points de vue d’un objet dans la même peinture en utilisant des plans fragmentés. Les peintres futuristes ont mélangé des couches de peinture transparentes et opaques pour superposer les nombreuses positions d’un sujet en mouvement. Les artistes futuristes ont créé l’illusion du mouvement en utilisant des coups de pinceau répétitifs dans les peintures et des formes répétées dans la sculpture. Le résultat de ces techniques a été une œuvre d’art dynamique et énergique dont les sujets semblaient être en mouvement constant.
La palette de couleurs futuriste était beaucoup plus lumineuse et plus vibrante que celle du cubisme. L’influence du cubisme et du divisionnisme est visible dans les couleurs brisées et les courtes bruskstrokes du futurisme, qui apparaissent souvent comme des champs de rayures et de points pointillés.
Vous pouvez en savoir plus sur le futurisme dans notre guide du futurisme.
