Qu’est-ce que l’Op Art?
L’op art est une forme d’art visuel abstrait qui utilise des formes géométriques pour créer des illusions d’optique. Le terme « Op Art » est l’abréviation de l’art optique. Avec le mouvement formel qui a commencé dans les années 1960, les artistes op explorent les théories de l’optique, de la perception et de la théorie des couleurs en créant des motifs géométriques qui créent des illusions d’optique et donnent souvent au spectateur l’impression que l’œuvre est en quelque sorte en mouvement.
Œuvres d’art op notables
Histoire de l’Op Art
Les illusions d’optique remontent à la Grèce antique et ont été utilisées pour explorer les complexités de la vision humaine et de l’esprit humain. Les images cachées étaient une forme populaire d’illusion d’optique, en particulier au 19ème siècle lorsque les scientifiques étaient particulièrement intéressés par la mécanique des illusions visuelles. Les illusions d’optique sont devenues plus tard populaires dans la société comme une forme de divertissement et ont été utilisées avec désinvolture entre amis, dans les livres et les magazines, et même dans les productions scéniques. Finalement, les illusions d’optique ont fait leur chemin dans le monde de l’art.
L’utilisation d’illusions d’optique dans l’art moderne et l’art contemporain est souvent appelée art optique. L’art optique était une forme d’art abstrait qui était initialement populaire à New York et dans la plupart des pays européens, s’étendant plus tard en Amérique du Sud. Le terme Op Art a été officiellement inventé en 1964 en relation avec des développements majeurs dans le mouvement op art. Le magazine Time a inventé l’Op Art comme une forme d’art spécifiquement non objectif, ou art abstrait, qui utilisait l’illusionnisme de peinture pour produire des illusions d’optique. Au début, de nombreux critiques d’art n’aimaient pas l’op art pour son esthétique graphique, presque commerciale.
Comme tout autre mouvement artistique, les techniques et le style centraux de l’art optique se sont développés au fil du temps et avec l’inspiration des mouvements d’art moderne précédents. Le néo-impressionnisme, le cubisme, le futurisme, le constructivisme et le dadaïsme servent tous de précurseurs au mouvement Op Art. Chaque mouvement avait son propre traitement unique de la couleur et de la forme qui s’est finalement combiné pour influencer l’art optique.
Des artistes comme Francis Picabia, Victor Vasarely et John McHale avaient fait des peintures optiques, ce qui serait plus tard décrit comme des œuvres d’art op, depuis les années 1920 et 1930. Des œuvres comme Optophone I de Francis Picabia de 1921-22 et la peinture Zebras de Victor Vasarely de 1938 sont des exemples du look caractéristique de l’op art: des bandes de lignes noires et blanches qui semblent sortir de la peinture et dans l’espace du spectateur tout en flottant simultanément vers l’arrière dans le plan de l’image. Créer ce sentiment ambigu de profondeur spatiale désorienterait la perception du spectateur de ce qui est au premier plan et de ce qui est en arrière-plan.
Le trompe-l’œil
, la technique de représentation d’objets comme s’ils existaient dans l’espace tridimensionnel, a également eu une influence particulièrement forte malgré sa représentation historiquement hyper-réaliste du sujet. Dada et des artistes surréalistes tels que Marcel Duchamp et Salvador Dalí ont utilisé le trompe-l’œil et les illusions d’optique dans leurs photographies, peintures et même sculptures.
L’art op est parfois appelé art perceptuel ou art rétinien parce qu’il crée une expérience visuelle basée sur le fonctionnement de la vision humaine. L’illusion du mouvement et l’interaction des couleurs étaient des aspects clés de l’art op car ils pouvaient être combinés pour explorer la capacité de l’art à remettre en question la notion de perception sur le plan physiologique. Alors que d’autres mouvements remettaient en question les limites de la perception conceptuelle, ou la compréhension de multiples concepts à l’intérieur et au-delà d’une œuvre d’art, les artistes op ont remis en question ce que les spectateurs ont réellement vu dans l’art.
À la fin des années 1960, le succès de l’op art a atteint un sommet malgré la désapprobation des critiques qui considéraient le mouvement comme trivial. En 1965, le Musée d’art moderne a organisé une exposition intitulée The Responsive Eye, dont la variété de peintures représentait l’art op comme une intersection entre l’art et la science.
Développements ultérieurs dans l’op art
Alors que l’op art a commencé comme un mouvement dans la peinture optique, des artistes tels que le photographe hongrois László Molohy-Nagy ont produit des photographies dans le même style. Moholy-Nagy a également enseigné l’art photographique op dans le Bauhaus, l’école allemande fondée par Walter Gropius, et a influencé de nombreux photographes à continuer dans ce style. Le Bauhaus a joué un rôle important dans l’établissement de la relation entre l’art op, la recherche psychologique et l’art et le design unifiés et fonctionnels.
L’art cinétique est un mouvement artistique qui est très étroitement lié à l’art op. La principale différence entre les deux mouvements est que l’art cinétique utilise généralement des formes tridimensionnelles pour créer des illusions, tandis que l’art op crée l’illusion de la tridimensionnalité sur une surface bidimensionnelle. Les artistes cinétiques présentent également des œuvres unifiées comme des expressions cinétiques basées sur des illusions d’optique.
Les effets graphiques et de couleur de l’op art l’ont finalement rendu populaire dans des contextes commerciaux, tels que la publicité, ce qui a conduit à une baisse de popularité dans le monde de l’art en 1968. Cependant, les artistes et les architectes ont continué à explorer les effets optiques et l’esprit humain. En raison de son placement presque mathématique des lignes et des formes, op art fait également appel aux artistes contemporains et aux spectateurs. L’utilisation des médias numériques dans la production artistique a élargi les possibilités de l’art op pour créer des illusions d’optique qui continuent d’hypnotiser les spectateurs du monde entier.
Techniques d’art op
L’art op combine souvent des éléments distinctement différents pour créer un contraste frappant entre le premier plan et l’arrière-plan d’une œuvre d’art. L’utilisation de lignes en noir et blanc et de motifs abstraits pour créer une abstraction géométrique est l’une des façons les plus populaires dont les artistes ont créé l’art op. Habituellement, les lignes en noir et blanc étaient disposées à proximité l’une de l’autre, créant souvent une image d’après de certaines couleurs qui semblaient vibrer ou clignoter dans et hors. Dans l’art op, les espaces positifs et négatifs se complètent et sont tout aussi importants pour la création du phénomène optique et lumineux.
Dans Theory of Colours, le scientifique allemand Johann Wolfgang von Goethe soutient que l’illusion de la couleur apparaît au bord où la lumière et l’obscurité se rencontrent parce que la légèreté et l’obscurité sont deux propriétés fondamentales dans la création de la couleur [1]. C’est pourquoi nos rétines perçoivent qu’il y a de la couleur à l’intersection de lignes noires et blanches répétées et de formes géométriques telles que les grilles en noir et blanc.
Alors que l’op art en noir et blanc était plus populaire plus tôt dans le mouvement, des artistes tels que Bridget Riley, Julian Stanczak et Richard Anuskiewicz ont finalement commencé à créer de l’art op coloré. Les artistes utilisaient souvent des couleurs complémentaires dans l’art op basé sur les couleurs parce que les couleurs complémentaires (couleurs opposées les unes aux autres sur la roue chromatique) créent un contraste vif et simultané. Ce contraste a été utilisé pour créer de la profondeur dans une composition et produire un plus large éventail d’effets sur l’œil que les œuvres en noir et blanc. Des œuvres telles que Kezdi-Ga de 1970 par l’artiste op hongrois français Victor Vasarely utilisent la couleur pour créer une illusion plus intense de formes et d’espace tridimensionnels. La forme architecturale de l’ensemble de la composition semble dépasser de la surface du papier et vers le spectateur.
Références
[1] von Goethe, Johann Wolfgang. (1810, 1970). La théorie de la couleur de Goethe. London: New Knowledge.
Artistes notables de l’art op
- Bridget Riley, née le 1931, anglais
- Richard Anuskiewicz, 1930-2020, américain
- Josef Albers, 1888-1976, allemand
- Richard Allen, 1933-1999, anglais
- John McHale, 1922-1978, anglais
- Vera Molnár, née le 1924, hongrois
- Victor Vasarely, 1906-1997, hongrois-français
- Frank Stella, né le 1936, américain
- Jean-Pierre Yvaral, 1934-2002, français
- Jesús Rafael Soto, 1923-2005, Vénézuélien
- Carlos Cruz-Diez, 1923-2019, Vénézuélien
- Larry Poons, né le 1937, Américain
- Jeffrey Steele, 1931-2021, anglais
Termes relatifs à l’art
- Art abstrait
- Minimalisme
- Trompe-l’œil
- Illusion d’optique
- Art cinétique
- Divisionnisme
