Claes Oldenburg (1929-2022), l’artiste pop art d’inspiration américaine d’origine suisse, est surtout connu pour ses sculptures pop art amusantes, fantaisistes et pionnières. Certaines des œuvres qu’il a créées au cours de sa longue vie et de sa carrière d’artiste incluent Lipstick Ascending on Caterpillar Tracks (1969), Clothespin (1976) et Spoonbridge and Cherry (1988). Aujourd’hui, le travail de l’artiste est représenté aux États-Unis, en Europe et en Asie.
Spoonbridge et Cherry. 1988. Claes Oldenburg. Minneapolis Sculpture Garden, au Walker Arts Center, à Minneapolis, Minnesota,
Claes Oldenburg Enfance et éducation
Né à Stockholm, en Suède, Claes Oldenburg a déménagé à Chicago, avec ses parents, alors qu’il n’avait que sept ans. Même dans les premières années, il avait un talent exceptionnel pour le dessin.
Plus tard, Oldenburg a étudié la littérature et l’histoire de l’art à Yale entre 1946 et 1950. Ensuite, il a étudié à l’Institut de la School of Art, à Chicago, tout en étant journaliste pour les nouvelles locales de la ville.
En 1953, il travaille comme illustrateur de magazines indépendant. Fréquentant l’école Ox-Bow à Saugatuck, michigan, en 1954, il a commencé à peindre à l’huile.
Claes Oldenburg à New York
Claes Oldenburg a déménagé à New York en 1956, s’installant dans le Lower East Side de la ville. Il a développé des amitiés avec d’autres artistes dont Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Allan Kaprow et Jim Dine, qui faisaient tous partie de la scène artistique new-yorkaise.
Pendant ce temps, Oldenburg a été inspiré de travailler à la bibliothèque de Cooper Union pendant plusieurs années. Ici, il a eu sa première exposition personnelle avec des œuvres de dessins figuratifs. L’architecture des romantiques du 18e siècle a capturé son imagination, tout comme la sculpture de la Statue de la Liberté. Bientôt, il a commencé à esquisser l’architecture, les monuments et les sculptures publiques autour de New York.
Claes Oldenburg et pop art
La plupart des artistes pop art ont travaillé en deux dimensions. Les formes tridimensionnelles de Claes Oldenburg, utilise du papier Mache, des modèles en plâtre et des sculptures douces en tissu. Plus tard, il a travaillé dans l’acier et des matériaux plus durables pour créer des œuvres d’extérieur permanentes. Alors que certaines sculptures sont à l’échelle, certaines sont colossales et même gigantesques en taille. Suivant le thème du Pop art, Oldenburg s’est moqué du consumérisme américain, en utilisant des objets du quotidien ordinaires aux couleurs vives.
The Happening and Early Sculpture.
Snapshots from the City a été le premier « happening » de Claes Oldenburg mis en scène à l’église Judson Memorial. Ici, lui et Patty Mucha ont joué couverts d’ordures. Le couple a été inspiré par les ordures autour de leur quartier. Oldenburg a créé des figures, des objets et des panneaux en carton pour la performance. En fait, plusieurs des œuvres vendues.
« La performance est l’essentiel, mais quand elle est terminée, il y a un certain nombre de pièces subordonnées qui peuvent être isolées, des souvenirs, des objets résiduels. Pour reprendre après une performance, être très prudent sur ce qui doit être jeté et ce qui survit encore par lui-même. Étude lente et respect des petites choses. Ses propres objets trouvés créés. Le sol de la scène est comme la rue. Ramasser après est créatif. De plus, la vie particulière des objets doit être respectée.
Le magasin et Claes Oldenburg
Vient ensuite, The Store, dans le Lower East Side. Oldenburg l’a décrit en disant: « Le magasin, ou mon magasin, ou le Ray Gun Mfg. Co., situé au 107 East 2e St., NYC, est quatre-vingts pieds de long et est d’environ dix pieds de large. Dans la première moitié, j’ai l’intention de créer l’environnement d’un magasin en peignant et en plaçant (suspendu, projetant, mentant) des objets après l’esprit et sous la forme d’objets populaires de marchandises, comme on peut le voir dans les vitrines des magasins de la ville, en particulier dans la région où Le magasin est (Clinton St., par exemple, Delancey St., 14th St.) Ce magasin sera constamment fourni avec de nouveaux objets, que je vais créer à partir de plâtre et d’autres matériaux dans la moitié arrière de l’endroit. Les objets seront en vente dans le magasin.
Il est clair que Claes Oldenburg avait une dent sucrée. Certains de ces objets comprenaient de la crème glacée, de la tarte aux baies et d’autres pâtisseries, ainsi que des cigarettes, des chaussures, des chapeaux et même des sous-vêtements. En créant de l’art d’objets du quotidien, puis en les vendant commercialement, dans une petite boutique mom and pop, qui aurait pu être n’importe où à New York, Oldenburg a traversé entre l’art et la marchandise. C’était vraiment une entreprise de pop art! En fait, à travers The Store , l’artiste a créé sa propre installation.
Les cartes de visite et la papeterie ont été faites pour ressembler à des affiches dans les quartiers portoricains. Il a même incorporé des mots espagnols.
À propos de The Store , le sculpteur américain d’origine suédoise a déclaré: « Les gens du quartier étaient assez terrifiés. Ils ne savaient pas ce qui se passait. Donc, ils ne sont pas venus. Cependant, certaines personnes intéressées par l’art sont tombées et les gens ont acheté des choses. Andy Warhol est venu, et il a acheté une chemise. Et d’autres artistes sont venus et ont acheté des choses. C’était donc une bonne expérience.
Sculptures colossales
Le magasin a attiré l’attention de la scène artistique de la Green Gallery sur la 57e rue, et un lieu important pour exposer pour des artistes comme Tom Wesselmann, Dan Flavin, James Rosenquist, Donald Judd et Robert Morris. En 1962, la galerie a exposé trois des sculptures douces colossales de Claus Oldenburg, basées sur des aliments réconfortants et la joie de la culture de consommation américaine. Les œuvres sont des fantasmes alimentaires joyeux et gigantesques et font partie des premières sculptures douces de l’artiste. La première femme d’Oldenburg, Patty Mucha, a cousé ensemble ces sculptures douces, pendant qu’il les peignait.
Le gâteau de sol en tissu est une tranche triangulaire de « gâteau » mesurant neuf pieds de long et cinq pieds de haut. Aujourd’hui, il est chez lui au Museum of Modern Art, à New York. Représentant un gâteau en couche de chocolat, recouvert de glaçage blanc, et quelques noix, cette sculpture douce pop art est composée de peinture polymère synthétique et de latex sur toile. La farce intérieure est fabriquée à partir de cartons de crème glacée en carton et de caoutchouc. En demande pour des expositions d’art, le MoMA l’a prêté pour des voyages à travers l’Atlantique à trois reprises.
Floor Cone (1962) également au Museum of Modern Art, à New York , est un gigantesque cornet de crème glacée fabriqué à partir de peinture polymère synthétique sur toile, puis rempli de caoutchouc mousse et de boîtes en carton. Le travail a séduit à la fois les adultes et les enfants.
La troisième sculpture colossale, au Musée des beaux-arts de l’Ontario, à Toronto, est Floor Burger (1962) Une galette entre un petit pain, avec un cornichon sur le dessus, est fabriquée à partir de toile remplie de caoutchouc mousse et de boîtes en carton. Les artistes l’ont peint en utilisant des peintures acryliques pour fabriquer cet objet de tous les jours et ont favorisé la nourriture du peuple américain.
À propos de ces sculptures douces, Claes Oldenburg disait: « Il m’a semblé parfaitement naturel que si vous aimez toucher des choses, vous aimez toucher des choses douces, ainsi que des choses dures. Si vous allez faire de la sculpture à partir de choses réelles autour de vous, alors pourquoi ne pas essayer de les rendre douces afin que vous puissiez les pousser, et ils vont changer de forme. Ils devaient tous être bourrés. C’était la chose importante, et il y avait différentes façons de les bourrer. Vous pourriez les bourrer dur, ou vous pourriez les bourrer doux. Ces gros morceaux étaient si gros que l’espace intérieur nécessitait tellement de rembourrage que j’ai finalement décidé de les bourrer de boîtes.
Pourtant, une autre artiste pop art , Yayoi Kusama , a écrit dans son autobiographie Infinity Net que l’inspiration venait d’elle. Dans le livre, elle écrit qu’en 1962, elle a réalisé ses premières sculptures douces pour une exposition de groupe, dans laquelle Claes Oldenburg était l’un des artistes invités. Plus tard dans l’année, Oldenburg a fait ses débuts ses grandes sculptures douces colossales. Sa femme Patty Mucha a couru vers Kusama à l’ouverture du spectacle d’Oldenburg, demandant à l’artiste pop de leur pardonner d’avoir pris son idée.
Cas de pâtisserie, I (1961-1962)
Fabriqué à partir de plâtre peint, de céramique et de métal, Pastry Case, I (1961-1962) est la vitrine de Claes Oldenburg de biscuits, un gâteau, deux sundaes, une banane fendue et d’autres bonbons, ainsi qu’un rack de côtes levées. Ces sculptures réalisées presque à l’échelle, montrent la fascination du consommateur américain pour la viande et le sucre. C’est un regard amusant sur les objets du quotidien. L’œuvre est réalisée à partir de toile de jute et de mousseline imbibée de plâtre, puis peinte à l’émail. Le boîtier en verre et en métal était un achat acheté en magasin, tout comme les bols en métal et les plaques en céramique.
1966: Soft Toilet
Clause Oldenburg’s Soft Toilet (1966) est fabriqué à partir de vinyle, kapok, fil, plexiglas et bois, avec une base en bois et en métal. Il a une inclinaison vers l’avant humoristiquement drôle.
L’œuvre, exposée au Whitney Museum of American Art, à New York, lui donne un clin d’œil à La Fontaine de Marcel Duchamp (1917), dans laquelle une toilette humble a d’abord été transformée en une œuvre d’art.
Rouge à lèvres (ascendant) sur les chenilles
Caterpillar (1969-1974)
Cette sculpture pop art de l’artiste Claes Oldenburg est une œuvre d’art spécifique à l’Université de Yale, à New Haven, Connecticut, avec des thèmes de politique, de sexualité, de violence et de guerre. Le travail public de 24 pieds de haut est fabriqué à partir d’acier Cor-ten, d’acier, d’aluminium et de résine moulée. Le rouge à lèvres (Ascendant) sur Caterpillar Tracks est peint à l’aide d’émail en polyuréthane.
À l’origine, Claes Oldenburg a fait une version en contreplaqué, comme plus d’une déclaration politique sur la guerre et moins sur une sculpture permanente. Il a été construit pour les étudiants de l’Université de Yale, qui ont fait et invité d’autres à faire des discours anti-guerre, à Beinecke Plaza, sur le campus de Yale.
L’œuvre réunit des thèmes masculins et féminins de manière humoristique, avec la masculinité représentée comme un char de guerre et la féminité avec un tube de rouge à lèvres. En outre, Yale était une université mixte qui avait en 1969, permis aux étudiantes dans le programme de premier cycle. La sculpture pop art de Claes Oldenburg était également destinée à illustrer l’inclusion.
1976: Clothespin
Debout à un massif 54 pieds de haut, Clothespin (1976), construit juste à l’extérieur de la station de métro SEPTA, à Center Square Plaza à Philadelphie, Pennsylvanie, attire beaucoup d’attention. Fabriqué à partir d’acier résistant aux intempéries, Claes Oldenburg a fait référence à sa conception à The Kiss, où deux amoureux se rencontrent entrelacés, une sculpture de l’artiste Constantin Brancusi, au Philadelphia Museum of Art. En fait, cela ressemble à un couple dans un câlin, les pieds légèrement éloignés l’un de l’autre.
Oldenburg s’est lancé dans un truc intelligent pour ceux qui se tenaient en dessous. Il a créé une charnière pour former le numéro 76, l’année où il a été mis en service et érigé. Clothespin (1976), fait la juxtaposition parfaite, entre l’hôtel de ville formel de l’autre côté de la rue et un objet domestique géant amusant et fantaisiste.
1988: Spoonbridge and Cherry
À partir de 1976, Claes Oldenburg a travaillé presque exclusivement sur de grandes œuvres sculpturales publiques. Il a également épousé sa seconde femme, l’historien de l’art néerlandais Coosje van Bruggen (1942-2009), avec qui il collaborera sur les travaux. Spoonbridge et Cherry (1988) la fontaine sculpturale de pop art est l’une de leurs œuvres les plus aimées.
C’est un morceau joyeux avec une grande cerise, reposant sur la courbe la plus supérieure de la cuillère. Il est fabriqué à partir d’acier inoxydable et d’aluminium, avec un revêtement d’émail en polyuréthane. La cuillère à elle seule pèse 5800 livres, tandis que la cerise pèse 1199 livres.
À la maison dans le jardin de sculpture de Minneapolis, au Walker Arts Center, à Minneapolis, Minnesota, l’œuvre sculpturale traverse un petit étang comme un pont de travail. L’eau pousse de la base, ainsi que la cerise.
1994: Shuttlecocks
Shuttlecocks (1994) à l’extérieur sur la pelouse du musée néoclassique officiel Nelson-Atkins, à Kansas City, Missouri, est composé de quatre birdies ou volants mammouths, chacun debout 18 pieds de haut et pesant à 5,500 livres. Cette œuvre pop art, spécifique au site, est fabriquée à partir d’aluminium et de plastique et de peinture renforcés de fibre de verre.
2001: Dropped Cone
Dropped Cone (2001) est la pire peur de chaque enfant – perdre un cornet de crème glacée sur le sol! Ici, le cône géant se fracasse contre le coin du centre commercial sur lequel il est placé, sur la place Neumarkt, Cologne, Allemagne.
Dernières années
Oldenburg a créé sa première œuvre indépendante en près de 30 ans, en 2011. Paint Torch (2011) a été installé à Philadelphie. Par la suite, il s’est concentré sur différents projets, jusqu’à sa mort en 2022. Ceux-ci comprenaient la photographie et la sculpture en techniques mixtes à petite échelle. Grâce à ses œuvres d’art pop utilisant des objets du quotidien, Claes Oldenburg a trouvé son chemin dans l’histoire de l’art.
