Au fil des siècles, des monstres et des créatures malveillantes ont peuplé d’innombrables œuvres d’art. Cette fascination venait d’un besoin d’exprimer les peurs humaines mais était aussi une façon de dépeindre les vices des hommes. De plus, les monstres et les créatures ont offert aux artistes la possibilité de laisser libre cours à leur imagination. Pendant des siècles, les artistes ont suivi des règles établies et ont principalement représenté des scènes religieuses ou mythologiques. Peindre ou sculpter des paysages remplis de monstres cauchemardesques leur a permis d’explorer pleinement leur créativité.
1. Scène de la Passion du Christ, par Giovanni Canavesio, 15ème siècle
Cette scène effrayante, remplie de monstres et de créatures viles, fait partie des fresques peintes sur les murs de la chapelle Notre-Dame des Fontaines à La Brigue, dans le sud-ouest de la France, près de la frontière italienne. Entre 1490 et 1492, le prêtre et peintre italien Giovanni Canavesio a dépeint les scènes religieuses grandioses se répandant sur les murs intérieurs de cette chapelle plutôt simple.
Outre d’autres scènes de la Passion du Christ, Canavesio a dépeint le Léviathan, un dragon avalant les damnés le jour du Jugement. À une époque où les famines, les pandémies et les guerres tuaient de manière inattendue, les gens craignaient et, en même temps, étaient fascinés par la mort. Les artistes ont produit des représentations impressionnantes d’enfers déchaînés ou de scènes de danse mêlant squelettes et humains, exprimant l’angoisse et les peurs des hommes.
2. Gorgoneion étrusque, 5ème siècle avant notre ère
Le Gorgoneion est le nom donné à la représentation de la tête d’une Gorgone, souvent trouvée dans l’architecture grecque et romaine antique, les boucliers, les pièces de monnaie, les céramiques ou d’autres types d’objets. Dans la mythologie grecque, les gorgones étaient trois sœurs, Euryale, Stheno, et la plus redoutée de toutes, Méduse. Avec leurs ailes, leurs griffes, leurs dents acérées et une tête couverte de serpents, les gorgones pouvaient transformer en pierre leur ennemi avec un simple regard.
Persée, le héros mythologique, a pu couper la tête de Méduse en regardant à travers un miroir pour éviter le regard pétrifiant de la gorgone. Le cheval ailé Pegasus est né du sang qui coulait le long de son cou et dégoulinait dans l’océan.
Inspirés par le mythe, les artistes ont souvent dépeint la tête de Méduse sur des éléments architecturaux ou des objets. Ce faisant, ils croyaient qu’il avait gagné le pouvoir d’effrayer leur ennemi ou de le protéger contre les forces du mal. Ce fragment de Méduse a été trouvé dans les ruines du temple étrusque du Belvédère à Orvieto, en Italie.
3. La tête de Méduse, par Peter Paul Rubens, 1617-18
Le peintre baroque flamand Peter Paul Rubens a également fait un terrible portrait de Méduse. Le peintre excellait dans la représentation des teints. Dans The Head of Medusa, il a utilisé ses compétences pour rendre la peau verdâtre de la gorgone morte. L’effet clair-obscur ajoute à la dramatisation de la scène. Frans Snyders, un artiste flamand spécialisé dans la peinture animale, a peut-être peint les serpents et les insectes entourant Méduse.
La Méduse de Rubens a impressionné ses contemporains, inspirant d’autres artistes à représenter la gorgone maléfique. La représentation de Méduse a perdu son pouvoir protecteur et a gagné un sens plus symbolique à la place. Les serpents représentent les mauvaises pensées de l’ennemi dans la peinture de Rubens, échappant à sa tête saignante.
4. Les tentations de saint Antoine, par Hieronymus Bosch, ca. 1500
Antoine le Grand était un moine chrétien vivant en ermite dans le désert égyptien à la fin du 3ème siècle. Pendant ses années dans le désert, le diable lui-même et ses monstres maléfiques ont tenté Anthony et ont essayé de le séduire.
Les tentations de Saint-Antoine ont été un sujet de choix pour les artistes pour mettre en valeur leur talent inventif. Depuis le Moyen Age et jusqu’au 20ème siècle, de nombreuses représentations du sujet ont été faites. Ce cadre a permis aux artistes de représenter des scènes infernales remplies de créatures poignantes.
Hieronymus Bosch, le peintre néerlandais qui a maîtrisé la représentation de l’enfer, a peint environ 15 scènes illustrant les tentations de saint Antoine. Dans ce triptyque exposé au Musée national d’art ancien de Lisbonne, au Portugal, Saint Antoine est seul au milieu de monstres malveillants. Bosch a dépeint la lutte entre le Bien et le Mal, avec les sept péchés capitaux personnifiés.
5. Le fantôme de Kohada Koheiji, par Katsushika Hokusai, 1833 (période Edo)
Cette estampe de la Japonaise Katsushika Hokusai fait partie de la série One Hundred Ghost Tales . Pendant la période Edo (1603-1867), les histoires de fantômes étaient très populaires. Habituellement, on leur disait la nuit en jouant à un jeu connu sous le nom de Hyakumonogatari Kaidankai. Dans une pièce éclairée par une centaine de lampes à huile, chaque joueur a raconté une histoire à l’assemblée sur une rencontre surnaturelle qu’ils ont vécue. Après chaque histoire, le caissier a dû éteindre une lampe jusqu’à ce qu’ils soient tous éteints, et la pièce est devenue noire. Ensuite, les esprits sortiraient soi-disant dans la pièce sombre.
L’illustre peintre et graveur Hokusai a peut-être eu l’intention de produire une centaine d’estampes sur ce thème. Pourtant, seulement cinq sont connus aujourd’hui. Chacun d’eux imagine un Yōkai, une sorte d’esprit dans le folklore japonais.
Selon la légende, Kohada Koheiji, un acteur de la période Edo, a été tué par sa femme et son amant. Dans cette estampe, son fantôme revient hanter le couple illégitime meurtrier. Dans une fureur incontrôlée, le fantôme a tué sa femme et son amant avant de se tuer.
6. Elle, par Gustav-Adolf Mossa, 1905
À première vue, la femme avec son joli visage a l’air plutôt inoffensive. Cependant, en y regardant de plus près, nous remarquons qu’elle se tient au-dessus d’un tas de corps ensanglantés. Avec sa tête couronnée de corbeaux et de crânes, elle a l’air complètement vicieuse.
Le peintre et illustrateur français Gustav-Adolf Mossa est aujourd’hui considéré comme le dernier peintre du symbolisme français. À la fin du 19ème siècle, le symbolisme a évolué en une esthétique décadente. Il est caractéristique de l’art de Mossa. La littérature classique a également inspiré son travail. Il a utilisé des personnages classiques pour représenter des questions de son temps, la Belle Époque. Les femmes sont omniprésentes dans le travail de Mossa. Il les dépeint comme des femmes fatales, angéliques et maléfiques en même temps.
Dans ce tableau, Mossa dépeint une courtisane. Elle représentait la femme vénale ultime, envoûtant et contrôlant les hommes qui venaient chercher ses services. Mossa a méticuleusement dépeint chaque détail de cette femme cruelle et de son environnement. Elle ne porte que des bijoux et regarde droit le spectateur, debout au-dessus des corps miniaturisés des hommes qu’elle a torturés et tués.
7. Le Cauchemar, par Henry Fuseli, 1781
Le Cauchemar du peintre suisse Henry Fuseli offre un spectacle troublant au spectateur. Il a dépeint la paralysie du sommeil, un état qui peut arriver à n’importe qui. Lorsqu’une personne s’endort ou se réveille, un phénomène inquiétant de paralysie alors qu’elle est consciente peut se produire, il provoque un sentiment d’impuissance et de terreur dans l’esprit de la victime, car elle ne peut ni bouger ni parler.
Dans l’imagination de Fuseli, la paralysie du sommeil apparaît comme des monstres prenant le contrôle d’une femme sans défense. Un démon se tient sur sa poitrine tandis qu’une tête de cheval spectrale apparaît derrière un rideau. Cet élément vient d’une interprétation littérale du terme « cauchemar », la jument de la nuit. Certaines personnes voient dans ce tableau les prémisses des théories de Sigmund Freud. Dans les années 1920, Freud avait même une copie de la peinture de Fuseli sur le mur de son appartement.
8. Couple âgé avec un jeune esprit féminin, par William Hope, ca. 1920
Avec la popularité croissante du spiritisme et le développement de la photographie, la fin du 19ème siècle a vu l’émergence d’une forme d’art étrange: la photographie d’esprit ou la photographie de fantôme. Des fantômes ont commencé à apparaître sur des photos pendant que les gens posaient, perturbant leur apparence finale.
Les guerres violentes ont marqué le 19ème siècle dans le monde occidental. La mort faisait partie de la vie et, dans leur chagrin, les familles s’accrochaient à chaque rappel de leurs proches perdus. Au cours des années 1850, les photographes ont découvert un moyen de capturer des fantômes. Les premières photographies d’esprit ont été créées par accident. Comme la prise de photos nécessitait une longue exposition, les personnes ou les objets se déplaçant devant l’objectif ont laissé une forme transparente sur l’image. Plus tard, ils ont utilisé la double exposition pour insérer des « fantômes » dans les photographies.
Le secteur de la photographie d’esprit a rapidement explosé. Le photographe anglais William Hope a suivi la tendance et est devenu célèbre pour ses photographies d’esprit à double exposition. Il a pris des photos avec « l’esprit » des proches décédés de ses clients. Ses photographies ont trompé plusieurs célébrités, dont Sir Arthur Conan Doyle, le père de Sherlock Holmes.
9. Lucifer, par Franz von Stuck, 1891
Associé à Vénus et à l’étoile du matin dans la mythologie romaine, Lucifer était connu comme le porteur de lumière. Ce n’est que lorsqu’il a été assimilé à la tradition chrétienne qu’il est devenu un être mauvais. Tout d’abord, un ange déchu se rebellant contre Dieu, Lucifer incarnait plus tard le diable.
La représentation cauchemardesque de Lucifer par le peintre allemand Franz von Stuck a certainement la capacité de déranger le public. Avec ses traits sombres et ses yeux clairs perçants, Lucifer regarde droit dans les yeux du spectateur. Il a une posture étrange, presque prêt à sauter. Un léger rayon de lumière est le seul rappel du statut passé de Lucifer en tant qu’apporteur de lumière.
Franz von Stuck est un membre fondateur de la Sécession de Munich et est principalement connu pour peindre des sujets mythologiques et allégoriques. Il était particulièrement fasciné par les êtres maléfiques, utilisant une palette de couleurs sombres pour les représenter. La peinture de Von Stuck a rejoint la collection d’art royale de Ferdinand Ier de Bulgarie moins d’un an après sa création. Au moins un homme n’avait pas trop peur d’acquérir le portrait du diable.
10. The Ballad of Lenore, or The Dead Travel Fast, par Horace Vernet, 1839
Dans ce tableau, le peintre français Horace Vernet s’est inspiré de la ballade gothique Lenore, écrite en 1773 par le poète allemand Gottfried August Bürger. La ballade de Bürger a contribué de manière significative à l’essor de la littérature vampire.
Fervent partisan de Napoléon Bonaparte, Vernet était surtout connu pour ses peintures militaires ou orientalistes. Au lieu de cela, The Ballad of Lenore montre un lien fort avec le romantisme. Vernet dépeint l’histoire de Lenore, une jeune femme qui attend désespérément le retour de son amant, William. Soldat dans l’armée du roi Frédéric II de Prusse, Guillaume ne revint jamais après la fin de la guerre de Sept Ans. Triste, Lenore a blâmé Dieu pour ses malheurs et a exprimé ses pensées blasphématoires à sa mère.
À la suite de ses méfaits, Lenore a été trompée en accompagnant un étranger qu’elle pensait être William. L’étranger l’a invitée à faire un tour sur son cheval, et Lenore l’a rejoint avec joie. L’accélération du cheval a effrayé Lenore. En se dirigeant vers le cimetière, l’étranger s’est transformé en un squelette terrifiant. La mort elle-même a emmené Lenore dans sa tombe, où elle a rejoint le cadavre de son amant mort, William. Cette histoire effrayante illustre le triomphe de la mort sur l’amour, une perspective assez sombre!
