Qu’est-ce que le photoréalisme?
Le photoréalisme fait référence à l’art visuel basé sur une photographie, où le sujet de cette photographie est reproduit dans des détails minutieux à travers la peinture, la sculpture ou d’autres médias. Le photoréalisme fait souvent référence à un mouvement artistique américain qui a commencé à la fin des années 1960, mais des artistes en Europe créaient également de l’art photoréaliste à la même époque. À partir des années 1970, le terme photoréalisme a également été utilisé plus largement dans les arts visuels pour décrire un genre d’œuvre d’art très réaliste.
Œuvres d’art photoréalistes notables
Histoire du photoréalisme
À la fin des années 1960, le photoréalisme a émergé aux États-Unis en réaction à l’expressionnisme abstrait. Les artistes photoréalistes ont valorisé le réalisme et rejeté les notions d’abstraction et d’idéalisme populaires dans les arts visuels.
Tout comme les artistes pop, les photoréalistes appréciaient la planification délibérée dans le cadre de leur processus plutôt que la spontanéité, l’improvisation et l’automatisme.
Le photoréalisme est également connu sous le nom d’hyperréalisme, de nouveau réalisme, de réalisme à focalisation nette et de peinture superréaliste – des noms qui ont tous été conçus pour décrire le travail de nombreux artistes qui ont utilisé des photographies comme références pour leurs œuvres d’art très réalistes. Alors que le photoréalisme était considéré comme avant-gardiste, ses processus exigeants faisaient un clin d’abord aux techniques traditionnelles de l’art académique appréciées près d’un siècle plus tôt.
L’auteur et marchand d’art américain Louis K. Meisel est crédité d’avoir inventé le terme photoréalisme en 1969. En 1970, Meisel a utilisé le terme pour étiqueter des œuvres d’art dans une exposition au Whitney Museum de New York. En 1972-73, Meisel a développé une définition du photoréalisme qui comprenait cinq critères centraux:
- Le Photo-Réaliste utilise l’appareil photo et la photographie pour recueillir des informations.
- Le Photo-Réaliste utilise un moyen mécanique ou semi-mécanique pour transférer l’information sur la toile.
- Le Photo-Réaliste doit avoir la capacité technique de faire paraître l’œuvre finie photographique.
- L’artiste doit avoir exposé un travail en tant que photo-réaliste en 1972 pour être considéré comme l’un des photo-réalistes centraux.
- L’artiste doit avoir consacré au moins 5 ans au développement et à l’exposition d’œuvres photo-réalistes. [1]
Ces critères ont défini les première et deuxième générations d’artistes photoréalistes. L’artiste américain Chuck Close, par exemple, était un artiste photoréaliste de première génération.
Thèmes de l’art photoréaliste
De nombreux artistes photoréalistes célèbres ont réalisé des peintures photoréalistes qui démontrent un intérêt pour les objets de l’industrie et les machines tels que les voitures, les motos et les camions. Dans Sherwin Williams Chevy, à partir de 1975, Ralph Goings a peint un camion Chevrolet d’un bleu profond garé devant un magasin Sherwin Williams avec une telle précision que le spectateur pourrait facilement le confondre avec une photographie; un phénomène courant dans la peinture photoréaliste.
Les objets mécaniques qui reflétaient les loisirs et la culture populaire étaient également considérés comme des sujets dans l’art photoréaliste, tels que la peinture photoréaliste de l’artiste Charles Bell, Gum Ball n ° 10: « Sugar Daddy », de 1975. Tout comme le Pop art, le mouvement photoréaliste a exploré les obsessions et les temps de passage de la culture américaine.
Cependant, le photoréalisme n’englobait pas la même critique intentionnelle de la culture américaine que le mouvement Pop art. Bien que de nombreuses œuvres photoréalistes soient remplies d’icônes américaines de la culture de masse et de consommation, telles que les restaurants-minute et les objets mécaniques, elles n’étaient généralement pas critiques de ces icônes dans un contexte socio-politique.
Dans les années 1960 et 1970, et jusqu’à tout récemment, les artistes photoréalistes masculins recevaient le plus de reconnaissance. Audrey Flack est l’une des rares artistes féminines reconnues aux côtés de ses contemporains masculins comme une artiste photoréaliste de première génération. L’œuvre de Flack suit des thèmes similaires et explore le monde des objets à travers la peinture de natures mortes et plus tard la sculpture. Son travail est également allé au-delà d’être purement observationnel et a fait des liens entre les objets du passé et ceux de son présent tout en remettant en question les représentations stéréotypées et archétypales des femmes.
L’utilisation de la photographie dans l’art photoréaliste
Les artistes ont utilisé l’appareil photo comme un outil dans l’art visuel depuis l’avènement de la photographie au début des années 1800. En fait, la première technique de création d’images offerte par la camera obscura et la camera lucida était courante dans les années 1600 parmi les peintres old master tels que Rembrandt et Vermeer.
En tant que précurseurs des caméras modernes, la camera obscura et la camera lucida projetaient une image sur un panneau intérieur. L’image a ensuite été tracée et peinte, devenant de nombreux chefs-d’œuvre que nous connaissons aujourd’hui.
L’évolution de la création d’images a aidé les artistes à étudier leurs sujets d’une manière que l’observation directe ne pouvait pas. Grâce à la projection et à la photographie, les sujets des portraits, entre autres exemples éphémères, pourraient être figés dans le temps et revisités à la convenance de l’artiste.
Cependant, la dépendance de la photographie était largement mal vue jusqu’à ce que les photoréalistes la récupèrent comme une partie vitale de leurs processus artistiques. Alors que les artistes précédents hésiteraient à révéler l’utilisation de références photographiques, les artistes photoréalistes visaient à reproduire les effets de la photographie à travers un autre support. Cette technique a remis en question les processus artistiques traditionnels ainsi que les différences entre ce qui est « la vraie vie » et ce qui est artificiel.
De nombreux artistes travaillant dans le genre du photoréalisme dans les années 1960 ont utilisé des diapositives de film pour projeter des images sur leurs toiles. L’utilisation de projections comme guides pour leurs processus de peinture signifiait que les artistes photoréalistes considéraient également la relation entre la lumière et la couleur, où les projections de films unis à la fois comme un seul élément.
Sculpture photoréaliste
Le photoréalisme est généralement associé à la peinture, mais des sculpteurs tels que Duane Hanson démontrent une branche de l’art photoréaliste appelée Verism. Les sculptures de Hanson sont souvent des reproductions réalistes de personnes moyennes. Janitor, de 1973, est une sculpture peinte d’un concierge qui comprend de vrais cheveux et vêtements.
Contrairement à d’autres photoréalistes, l’œuvre de Hansen reflète généralement des problèmes sociaux et politiques. Sa sculpture de concierge met en évidence la nature héroïque souvent négligée des gens ordinaires dans la société américaine. Tout comme le mouvement réaliste précédent, Hansen élève les gens de la classe ouvrière en apportant leur ressemblance dans le monde de l’art. Hansen dépeint ce sujet particulier sans idéalisation, faisant même en sorte que la sculpture doit s’appuyer sur un mur pour rester debout.
Photoréalisme aujourd’hui
Les artistes photoréalistes originaux ont développé des techniques qui non seulement ont troublé la définition de l’art, mais restent vitales pour l’art contemporain. Les capacités apparemment illimitées de la technologie numérique permettent aux artistes d’utiliser la photographie et d’autres outils d’imagerie numérique pour explorer la ligne entre la réalité et l’artificialité d’une toute nouvelle manière.
L’art photoréaliste d’aujourd’hui fait écho aux fascinations et aux défauts en constante évolution de la société, tels qu’Internet, les médias sociaux et les effets négatifs du capitalisme. Il célèbre également les voix marginalisées et se mêle même au surréaliste.
Les peintures de l’artiste américain Kehinde Wiley présentent des sujets contemporains et des icônes comme Barak Obama. Le célèbre portrait montre Obama assis sur un fond surréaliste de verdure luxuriante. L’utilisation par Wiley du photoréalisme, du symbolisme et du 44e président des États-Unis engage le spectateur dans une conversation séculaire sur la politique, la race et l’art. Le travail de Wiley est l’un des nombreux exemples de la façon dont le photoréalisme trouve sa place dans l’art contemporain.
Références
[1] Meisel, Louis K. Photoréalisme. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York. 1980. p. 13.
Artistes photoréalistes notables
- Chuck Close, 1940-2021, américain
- Carolyn Brad, 1937-2005, américaine
- Audrey Flack, née le 1931, américain
- Richard Estes, né le 1932, américain
- Hilo Chen, né le 1942, Taïwanais-Américain
- Ralph Goings, 1928-2016, américain
- Duane Hanson, 1925-1996, américain
- Don Eddy, b. 1944, américain
- Idelle Weber, 1932-2020, américaine
- Linda Bacon, née le 1942, américain
- Robert Bechtle, né le 1932, américain
- Robert Cottingham (né le) 1935, américain
- Roberto Bernardi, né le 1974, italien
- Franz Gertsch, né le 1930, Suisse
- Raphaella Spence, née le 1978, anglais
- Bertrand Meniel, né le 1961, France
- Arinze Stanley Egbengwu, né le 1993, Nigérian
- Calida Rawles, née le 1976, Américain
- Kehinde Wiley, né le 1977, Américain
Termes relatifs à l’art
- Trompe-l’œil
- Réalisme
- Photographie
- Pop art
- Minimalisme
- Art conceptuel
- Nature morte
- Kitsch
- Art contemporain
