Le cubisme est un mouvement artistique moderne occidental qui a vu le jour vers 1907 à Paris, en France, et a commencé à décliner en 1914 avec le début de la Première Guerre mondiale. Bien que le mouvement cubiste original ait changé radicalement au cours de cette période, son influence a perduré dans des mouvements artistiques tels que le futurisme, le constructivisme, l’expressionnisme abstrait, etc.
Le cubisme a été mené par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque, qui ont expérimenté avec la forme et la perspective. Les nombreuses expériences de Picasso et Braque ont permis d’atteindre les principales caractéristiques du cubisme, notamment une composition fragmentée, plate et en couches, de multiples perspectives représentées dans un seul plan d’image et une palette de couleurs limitée. Le cubisme a réfuté l’idée que l’art devait imiter la nature.
Les œuvres cubistes emblématiques comprennent : Les Demoiselles d’Avignon (Pablo Picasso, 1907), Portrait de Pablo Picasso (Juan Gris, 1912), et Nature morte avec cannage de chaise (Pablo Picasso, 1912).
L’histoire du cubisme
Le cubisme a été inventé en 1907 par Pablo Picasso et Georges Braque. Picasso et Braque ont été influencés par l’œuvre post-impressionniste de Paul Cézanne, l’art africain et la sculpture ibérique.
La phase pré-cubiste est parfois appelée proto-cubisme ou cubisme cézanien. Cette phase fait référence au moment où Picasso et Braque ont développé le style cubiste entre 1904 et 1907.
Picasso et Braque ont établi les deux principales phases du cubisme, le cubisme analytique et le cubisme synthétique, qui ont atteint leur apogée entre 1907 et 1912 et entre 1912 et 1914, respectivement.
Le mouvement cubiste original a commencé à se déplacer vers 1914 avec le début de la Première Guerre mondiale. La guerre a déplacé de nombreux artistes travaillant en Europe à l’époque, les poussant à fuir ou à se cacher. Certains artistes masculins d’âge militaire ont également dû servir leur pays, ce qui les a obligés à interrompre leurs pratiques artistiques. De nombreux tableaux ont également été perdus ou volés, s’ils n’étaient pas déjà en possession d’un collectionneur, d’un musée ou d’un autre lieu sûr.
Après la guerre, de nombreux artistes cubistes ont continué à peindre, ce qui a entraîné une évolution du mouvement cubiste. Les cubistes ont commencé à privilégier un style plus abstrait, ce qui a donné lieu à des sous-genres au sein du mouvement cubiste, comme le cubisme abstrait et le cubisme transparent, entre autres.
Pour plus d’informations, voir notre article sur l’histoire du cubisme.
Quelles étaient les phases du cubisme ?
Les phases du cubisme sont le protocubisme/cubisme cézanien, le cubisme analytique et le cubisme synthétique.
Le cubisme analytique est apparu en 1907 et consistait en des peintures qui mettaient l’accent sur la surface plane et bidimensionnelle du plan de l’image. Le cubisme analytique a rejeté les techniques traditionnelles de modelage, de raccourcissement, de perspective et de clair-obscur pour créer la profondeur et l’illusion d’un espace tridimensionnel. Les peintures cubistes analytiques présentent généralement une palette de couleurs limitée, composée de tons terreux et de nombreuses ombres.
Le cubisme synthétique est apparu en 1912 et a développé la planéité du cubisme analytique en incorporant des objets du quotidien dans les peintures. Des morceaux de papier ayant appartenu à des journaux, du papier peint, des étiquettes de bouteilles et d’autres objets éphémères ont été collés par les artistes sur la toile en plus de la toile cirée et de la peinture à l’huile. La palette de couleurs des peintures du cubisme synthétique reste limitée mais n’est pas aussi monochromatique que les schémas de couleurs populaires dans la peinture cubiste analytique.
Cubisme cézanien
L’artiste post-impressionniste français Paul Cézanne a principalement influencé le mouvement cubiste, d’où le nom de « cubisme cézannien ».
Les expériences de Cézanne avec les plans et les formes, son utilisation de lignes dures, de formes géométriques et de perspectives simultanées ont profondément influencé les caractéristiques esthétiques du cubisme.
Cézanne réduit souvent ses sujets à leurs formes géométriques primaires. Par exemple, un arbre était une combinaison stratégique de cylindres, et une pomme était une sphère. Cézanne a également expérimenté les règles de la perspective et a peint ses objets avec des surfaces aplaties, faisant allusion à la tridimensionnalité d’un sujet en suggérant plusieurs angles et points de vue à la fois.
En définitive, le style post-impressionniste tardif de Cézanne a influencé les œuvres pré-cubistes de Picasso et Braque. Le protocubisme désigne la phase d’expérimentation artistique menée par Pablo Picasso et Georges Braque entre 1904 et 1907, qui s’inspire de nombreuses influences, dont le style unique de Cézanne. Picasso et Braque ont transposé de nombreuses caractéristiques post-impressionnistes dans le développement du cubisme, produisant des œuvres plates, géométriques et angulaires, avec une palette de couleurs terreuses.
Consultez notre article pour en savoir plus sur l’influence de Paul Cézanne sur le cubisme.
Cubisme analytique
Le cubisme analytique désigne la première phase du cubisme qui s’est développée en France vers 1907 et a duré jusqu’en 1912. Le cubisme analytique décrit l’approche analytique, pièce par pièce, des artistes pour représenter leurs sujets. Les sujets ont été analysés, déconstruits et réarrangés pour être entièrement visibles d’un seul côté. Cette dissection esthétique de la forme a donné lieu à de multiples points de vue superposés qui permettent au spectateur de voir le sujet dans son intégralité sur un seul plan d’image.
Ces choix stylistiques ont donné lieu à des œuvres cubistes à l’aspect fragmenté, géométrique et abstrait. Les peintres cubistes analytiques utilisent également une palette de couleurs limitée, principalement des tons sombres et terreux.
Le cubisme analytique se distingue des mouvements artistiques précédents, tels que l’impressionnisme, où la composition est également fragmentée jusqu’à l’abstraction. Cependant, les artistes impressionnistes utilisaient des couleurs vives qui soulignaient les effets de la lumière sur la nature. D’autre part, le cubisme a fait se chevaucher de multiples angles et plans d’image, ce qui a donné au sujet un aspect très irréaliste mais néanmoins identifiable.
Les exemples d’œuvres d’art du cubisme analytique comprennent :
1. Maisons à Paris
2. L’heure du thé (femme avec une cuillère à thé)
Vous pouvez en savoir plus dans notre guide du cubisme analytique.
Cubisme synthétique
Le cubisme synthétique est un mouvement artistique qui s’est produit en France entre 1912 et 1914. Le cubisme synthétique se caractérise par des représentations plates d’objets quotidiens et des compositions plus audacieuses et plus symboliques que son précurseur, le cubisme analytique.
Tout comme le cubisme analytique, le cubisme synthétique était dirigé par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque. En 1912, de nombreux autres artistes travaillent aux côtés de Picasso et Braque dans le style cubiste, notamment Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953), Robert Delaunay (1885-1941), Henri Le Fauconnier (1881-1946) et Fernand Léger (1881-1955).
De nombreux historiens de l’art reconnaissent également l’artiste Juan Gris (1887-1927) comme une figure critique dans l’évolution du cubisme analytique vers le cubisme synthétique.
Contrairement au processus de déconstruction du cubisme analytique, les artistes travaillant dans le style du cubisme synthétique ont représenté le sujet de leur choix, généralement des objets et des personnes réels, par une combinaison de matériaux de tous les jours et de peinture à l’huile.
Les couleurs utilisées dans l’art cubiste synthétique sont variées et plus éclatantes que la palette limitée du cubisme analytique. La palette de couleurs neutres et terreuses du cubisme analytique a évolué pour inclure des couleurs plus audacieuses et des formes simples tout en conservant les points de vue superposés déjà centraux dans les œuvres cubistes. Le passage à des couleurs audacieuses et non mélangées observé dans le cubisme synthétique est souvent considéré comme un précurseur des œuvres d’art simples mais éclatantes du mouvement Pop Art.
Le papier collé, la technique du papier collé que nous connaissons aujourd’hui sous le nom de collage, est également issu du cubisme synthétique. La méthode consistant à coller des bouts de papier sur une surface plane telle qu’une toile était souvent utilisée par les cubistes pour confronter le spectateur à de véritables morceaux de réalité. Le lien avec la réalité était particulièrement important à cette époque, car il reflétait un regard critique sur une société en mutation rapide et une guerre mondiale imminente.
En combinant des matériaux d’art traditionnels avec des bouts d’objets du monde réel, les cubistes ont montré comment l’introduction d’éléments physiques dans la peinture et leur synthèse dans un nouveau style pouvaient influencer les générations d’artistes suivantes. La technique du papier collé a élargi la définition de l’art en introduisant les techniques mixtes dans le monde de l’art moderne.
Le commentaire politique critique du cubisme de synthèse a également influencé les mouvements artistiques qui ont vu le jour pendant les deux guerres mondiales et la période d’après-guerre. Les formes multidimensionnelles à facettes du cubisme ont directement influencé de nombreux artistes du XXe siècle et des mouvements artistiques modernes tels que le dadaïsme, le surréalisme, le futurisme, le suprématisme, le constructivisme et De Stijl.
Les exemples d’œuvres d’art du cubisme synthétique comprennent :
1. Verre et bouteille de Suze
2. Still-Life avec Chair Caning
Vous pouvez en savoir plus dans notre Guide du cubisme synthétique.
Caractéristiques du cubisme
Les principales caractéristiques du cubisme sont les perspectives multiples, les formes géométriques, une palette de couleurs monochromes et un plan d’image aplati.
Le traitement non conventionnel de la forme, de la couleur et de la perspective par le cubisme a marqué un tournant par rapport à l’institution autrefois vénérée de la peinture moderniste européenne. Le cubisme a réimaginé le traitement de la forme en rejetant les principes de perspective, de modelage et de raccourcissement. Ce processus a abouti à une composition géométrique, fortement abstraite, qui représente le sujet sous tous les angles et avec des plans d’image qui se chevauchent.
Les cubistes étaient passés maîtres dans l’art d’analyser l’apparence de leurs sujets et de combiner plusieurs points de vue en une seule forme. Les artistes cubistes ont représenté leurs sujets sous plusieurs angles simultanément, s’efforçant de représenter chaque angle du sujet sur la surface plane d’une toile et dans un seul plan d’image. Ils avaient l’intention de représenter la structure entière des objets et des personnes dans leurs peintures sans utiliser de techniques telles que la perspective ou l’ombrage gradué pour leur donner un aspect réaliste.
Les cubistes ont réalisé leur version du réalisme en utilisant des formes géométriques au lieu de la perspective linéaire et de l’ombrage. L’imagerie cubique et d’autres formes géométriques comme les cônes, les sphères et les cylindres apparaissent de manière constante dans le mouvement cubiste. Les peintres cubistes pensaient qu’ils pouvaient décrire plus précisément la forme d’un sujet en utilisant des formes géométriques pour représenter ses différents côtés et angles.
En outre, les couleurs vives n’étaient généralement utilisées dans les peintures cubistes que beaucoup plus tard dans le mouvement, pendant la phase synthétique du cubisme. Les premiers peintres cubistes préféraient les tons sourds de gris, de noir et d’ocre aux couleurs vives comme le vert ou le rose.
Pour plus d’informations, consultez notre article sur les caractéristiques du cubisme.
Artistes du cubisme
Les artistes cubistes les plus connus sont Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Jean Metzinger et Albert Gleizes.
Pablo Picasso
Pablo Picasso est un artiste espagnol né à Málaga, en Espagne, en 1881 et mort en 1973 à Mougins, en France. Picasso a créé des œuvres d’art dans de nombreux domaines, notamment la peinture, la sculpture, la gravure et le collage.
Picasso a été l’un des pionniers du cubisme et a travaillé dans le style cubiste tout au long des deux phases importantes du mouvement : le cubisme analytique et le cubisme synthétique. Les nombreuses influences de Picasso comprennent l’art africain, le néoclassicisme, le symbolisme et le surréalisme.
L’influence de l’art de Picasso est considérable, puisqu’elle s’étend aux mouvements artistiques modernes ultérieurs, aux pièces de théâtre, aux chansons populaires et même aux films d’Hollywood. De nombreux artistes contemporains imitent les styles artistiques dont Picasso a été le pionnier.
Georges Braque
Georges Braque est un artiste français né à Argenteuil, France, le 13 mai 1882, et mort le 31 août 1963 à Paris, France.
Braque était un peintre, un sculpteur et un graveur. Il a d’abord été influencé par l’impressionnisme, puis a travaillé dans le style du fauvisme avant de se rallier à Pablo Picasso et de développer le cubisme. L’influence du peintre post-impressionniste français Paul Cézanne a conduit Braque à travailler avec Picasso pour développer le cubisme.
Juan Gris
Juan Gris est un artiste espagnol né à Madrid, en Espagne, le 23 mars 1887, et mort le 11 mai 1927 à Boulogne-Billancourt, en France. Gris était un peintre et un illustrateur qui travaillait presque exclusivement dans le style cubiste, inspiré par les autres cubistes qu’il a rencontrés lorsqu’il s’est installé à Paris en 1906.
Jean Metzinger
Jean Metzinger est un peintre, illustrateur, écrivain et poète français né à Nantes, France, le 24 juin 1883, et mort le 3 novembre 1956 à Paris, France. Entre 1904 et 1907, Metzinger travaille dans les styles divisionniste et fauviste avec une forte composante cézannienne, ce qui donne lieu à certaines des premières œuvres protocubistes.
Albert Gleizes
Albert Gleizes est un peintre, écrivain et philosophe français né à Paris, France, le 8 décembre 1881 et mort le 23 juin 1953 à Saint-Rémy-de-Provence, France. Gleizes était un peintre autodidacte influencé par la tradition impressionniste et les couleurs audacieuses du fauvisme. Gleizes a eu une grande influence sur les cubistes et sur de nombreux autres artistes et mouvements artistiques, notamment les artistes abstraits et l’art surréaliste.
Pour plus d’informations sur les artistes cubistes, consultez notre Guide des artistes cubistes.
Œuvres d’art du cubisme
Les exemples d’œuvres d’art cubistes célèbres et notables comprennent :
1. Les
Demoiselles d’Avignon
2. Portrait de Pablo Picasso
3. La fille à la mandoline
4. Maisons de l’Estaque
Vous pouvez en savoir plus sur les œuvres d’art cubistes dans notre Guide des œuvres d’art cubistes.
Faits concernant le cubisme
- Jean Metzinger et Albert Gleizes ont écrit« Du Cubisme », un traité sur le cubisme, en 1912. « Du Cubisme » a influencé la découverte par Niels Bohr du principe de complémentarité dans la théorie quantique.
- Juan Gris a inventé le terme de cubisme analytique pour décrire la première phase significative du cubisme.
- Georges Braque a été le premier artiste vivant à avoir une exposition personnelle au Louvre à Paris.
- Pablo Picasso a produit plus de 150 000 œuvres d’art au cours de sa vie. Il a vécu jusqu’à 91 ans.
- Le cubisme est considéré comme le premier mouvement d’art abstrait, même si la réalisation de l’abstraction dans les œuvres cubistes n’était pas un point central du style du mouvement.
- Le cubisme est étroitement lié au réalisme.
- Le cubisme a d’abord été rejeté par de nombreuses galeries, académies d’art et artistes chevronnés en raison de son style et de son concept non conventionnels.
- En 1911, la première exposition cubiste, le Salon des Indépendants, ne comprend pas les fondateurs du cubisme, Pablo Picasso et Georges Braque.
- Le terme » cubisme » est né d’une critique du critique d’art Louis Vauxelles en 1908, qui a décrit les peintures de Georges Braque comme une réduction des sujets à des « bizarreries cubiques », entre autres commentaires moqueurs.
- Le cubisme est l’un des styles artistiques les plus influents du 20e siècle.
- Le marchand d’art et historien allemand Daniel-Henry Kahnweiler a versé à Picasso et Braque un salaire qui leur a permis de vivre de l’art. Leur financement a été fondamental pour le succès du cubisme.
- L’artiste philippin Vicente Manansala a développé le cubisme transparent, qui utilise des couches de peinture transparente plutôt que des couches opaques typiques du cubisme français.
- Les œuvres d’art cubistes comptent parmi les plus volées de l’histoire. Pendant la Seconde Guerre mondiale, les nazis ont saisi une grande partie des œuvres de Paul Klee dans les musées et auprès des collectionneurs juifs. L’art de Pablo Picasso est aussi le plus volé de tous les artistes.
- Pablo Picasso pensait que le cubisme était fidèle à la vie car il représentait la réalité physique de ses sujets.
- En dehors de l’Europe et de l’Occident, le cubisme a d’abord atteint le Japon et la Chine par le biais de textes européens traduits et publiés dans des revues d’art japonaises dans les années 1910.
- Le cubisme a influencé la littérature occidentale, notamment des écrivains tels que Virginia Woolf, James Joyce, William Faulkner et Gertrude Stein, qui ont utilisé la répétition et les perspectives convergentes dans leurs textes.
- Dans les années 1920, la sculpture cubiste est devenue populaire grâce à des artistes tels que Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Pablo Picasso, etc.
- Influencés par le cubisme, les photographes Aleksander Rodchenko, László Moholy-Nagy et Paul Strand ont utilisé des techniques créatives en chambre noire pour créer des répétitions géométriques et des compositions en couches.
Cubisme et surréalisme
Le cubisme et le surréalisme sont remplis d’objets familiers qui semblent étranges ou mystérieux parce qu’ils remettent en question notre perception du monde qui nous entoure. Les deux mouvements ont connu deux phases significatives qui ont marqué une évolution dans le style et la technique, ont envisagé la réalité d’une manière nouvelle ou alternative, et ont contenu des éléments d’abstraction, à la fois voulus et involontaires.
Si le cubisme et le surréalisme présentent de nombreuses similitudes, leurs influences sont très différentes. Le surréalisme fait appel à l’illusionnisme, alors que le cubisme le rejette entièrement. Le cubisme était également réputé en tant que mouvement d’arts visuels, tandis que le surréalisme, mieux connu en tant que mouvement artistique, faisait partie d’un mouvement culturel plus large en réponse à la deuxième guerre mondiale, incluant le cinéma et la littérature.
Bien que le cubisme et le surréalisme n’aient pas eu d’influence claire ou directe l’un sur l’autre, ces célèbres mouvements artistiques d’avant-garde étaient étroitement liés à des mouvements coexistants tels que le dadaïsme et le post-impressionnisme. De nombreux artistes dada, cubistes et post-impressionnistes, tels que Frida Kahlo et Salvador Dalí, ont tâté du cubisme avant de trouver leurs racines dans les mouvements qui les définissent. Même si Pablo Picasso était un célèbre cubiste, une grande partie de son œuvre des années 1920 comporte des caractéristiques du surréalisme et son style a évolué au cours des nombreuses décennies de sa carrière artistique.
Pour plus d’informations, consultez notre guide complet sur le surréalisme.
Cubisme et futurisme
Le futurisme est un mouvement artistique moderne qui a vu le jour en Italie au début du XXe siècle. Le futurisme célèbre le dynamisme de la vie moderne, les progrès de la technologie, la jeunesse et la violence. Le poète italien Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) a fondé le futurisme dans les arts visuels. En 1909, Marinetti annonce la naissance du mouvement dans son Manifeste du Futurisme. Les peintres italiens Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla et Gino Severini sont également des figures clés du mouvement. Le futurisme était également populaire en Russie. Comme le cubisme, le futurisme s’est dissous avec l’arrivée de la Première Guerre mondiale, mais a été brièvement relancé par Marinetti.
Le cubisme et le divisionnisme ont influencé le futurisme et de nombreuses peintures futuristes semblent avoir des qualités stylistiques similaires à celles du cubisme et du divisionnisme. Cependant, les artistes futuristes recherchaient une composition plus dynamique que celle du cubisme. Les futuristes ont été inspirés par le progrès technologique et ont cherché à transmettre son énergie palpitante. Les nouveaux développements scientifiques, tels que les automobiles agiles, les avions en plein essor et les trains à grande vitesse, ont alimenté le désir des futuristes d’inclure les coureurs cyclistes, les avions et même les personnes en mouvement dans leurs sujets.
Bien qu’ils aient cherché à se différencier des cubistes, les artistes futuristes se sont appuyés sur la technique cubiste consistant à montrer plusieurs points de vue d’un objet dans le même tableau en utilisant des plans fragmentés. Les peintres futuristes ont mélangé des couches de peinture transparentes et opaques pour recouvrir les nombreuses positions d’un sujet en mouvement. Les artistes futuristes ont créé l’illusion du mouvement en utilisant des coups de pinceau répétitifs dans les peintures et des formes répétées dans les sculptures. Le résultat de ces techniques est une œuvre d’art dynamique et énergique dont les sujets semblent être en mouvement constant.
La palette de couleurs des Futuristes était beaucoup plus lumineuse et vibrante que celle du Cubisme. L’influence du cubisme et du divisionnisme est visible dans les couleurs brisées et les coups de pinceau courts du futurisme, qui apparaissent souvent comme des champs de rayures et de points pointillés.
Vous pouvez en savoir plus sur le futurisme dans notre Guide du futurisme.
