Le cubisme est un mouvement artistique moderne qui est apparu vers 1907 à Paris, en France. Quatre caractéristiques importantes du cubisme sont l’application de perspectives multiples, l’utilisation de formes géométriques, une palette de couleurs monochromatiques et un plan d’image aplati.
La nouvelle façon dont le cubisme traite la forme, la couleur et la perspective a marqué un tournant par rapport aux conventions existantes de la peinture moderniste européenne. Le cubisme a réimaginé le traitement des formes en rejetant les traditions de la perspective, du modelage et du raccourcissement. Le résultat de cette méthode est une composition fortement abstraite qui représente le sujet sous tous les angles ou avec des plans d’image qui se chevauchent.
Perspectives multiples
Les cubistes avaient l’intention de représenter la structure entière des objets et des personnes dans leurs peintures sans utiliser de techniques telles que la perspective ou l’ombrage gradué pour leur donner un aspect réaliste. Ils voulaient montrer leurs sujets tels qu’ils étaient réellement plutôt que de créer l’illusion d’un objet ou d’une personne.
L’utilisation de la perspective linéaire et l’illusion de profondeur favorisée par le mouvement de la Renaissance contrastaient fortement avec la bidimensionnalité que les cubistes s’efforçaient de définir. Les artistes cubistes ont représenté leurs sujets sous plusieurs angles simultanément, s’efforçant de représenter chaque angle du sujet sur la surface plane d’une toile et dans un seul plan d’image.
L’image ci-dessous représente Maisons à Paris ( 1911) de Juan Gris, où la structure semble être visible sous plusieurs angles à la fois. Le résultat est une maison qui semble déformée tout en restant reconnaissable comme une maison.
Formes géométriques
L’imagerie cubique, ainsi que d’autres formes géométriques comme les cônes, les sphères et les cylindres, apparaissent souvent dans les premières peintures cubistes et, plus tard dans le mouvement, dans les sculptures cubistes. Les cubistes pensaient pouvoir représenter la forme d’un sujet avec plus de précision en utilisant des formes géométriques pour représenter ses différents côtés et angles. L’utilisation de formes géométriques a remplacé des techniques telles que la perspective et l’ombrage, qui soulignaient également la planéité bidimensionnelle de la toile.
L’image ci-dessous représente le tableau de Pablo Picasso intitulé Fille à la mandoline (1910), où diverses formes géométriques s’assemblent pour suggérer la forme d’une fille jouant de la mandoline.
Palette de couleurs monochromatiques
Les couleurs vives ne sont généralement utilisées dans les peintures cubistes que beaucoup plus tard dans le mouvement. Les premiers peintres cubistes préféraient les tons de gris, de noir et d’ocre atténués aux couleurs vives comme le vert ou le rose. Une palette de couleurs simplifiée a permis de mettre davantage l’accent sur la structure et la forme du sujet.
L’image ci-dessous représente le tableau de Georges Braque intitulé Nature morte (violon et chandelier) (1910), où les nuances de brun et de gris sont apparentes. Les cubistes ont simplifié leur palette de couleurs pour mettre davantage l’accent sur la structure du sujet lui-même.
Plan d’image aplati
Le plan du tableau est communément appelé la surface de la toile. Toutefois, avant le cubisme, la peinture illusionniste traitait le plan du tableau comme une fenêtre sur une scène, où les sujets étaient représentés et où les peintres créaient l’illusion de la réalité dans l’œuvre. Les cubistes rejetaient l’illusion et pensaient que tous les éléments d’un sujet devaient être visibles sur le plan du tableau. Les cubistes y voyaient également une représentation plus honnête de la réalité par rapport à leurs prédécesseurs plus traditionnels ou « académiques ».
L’image ci-dessous représente la peinture de Pablo Picasso intitulée Bol de fruits, violon et bouteille (1914), qui, à première vue, montre plusieurs morceaux d’objets différents qui semblent presque méconnaissables. En y regardant de plus près, le bol de fruits, le violon et la bouteille semblent avoir été démontés puis réassemblés pièce par pièce, chaque angle étant représenté dans un plan bidimensionnel.
Caractéristiques du cubisme analytique
Le cubisme analytique, la première phase du cubisme qui a duré de 1907 à 1912, se caractérise principalement par des peintures qui représentent un sujet à partir de plusieurs points de vue superposés dans un seul plan d’image. Les œuvres qui en résultent ont un aspect fragmenté, géométrique et abstrait. Les peintures cubistes analytiques étaient également largement monochromes, utilisant des tons terreux.
Le cubisme analytique se distingue des mouvements artistiques précédents, tels que l’impressionnisme, où la composition est également fragmentée jusqu’à l’abstraction. Cependant, les artistes impressionnistes utilisaient des couleurs vives qui soulignaient les effets de la lumière sur la nature. Le cubisme, quant à lui, fait se chevaucher de multiples angles et plans d’image qui donnent au sujet un aspect très irréaliste ou non représentatif.
Caractéristiques du cubisme synthétique
Vers 1912, la deuxième grande phase du cubisme apparaît : le Cubisme synthétique. Alors que le cubisme analytique privilégie l’analyse de formes déconstruites et de compositions représentant plusieurs perspectives sur le même plan, de nombreux artistes travaillant dans le style cubiste synthétique préfèrent aplatir complètement leur sujet, créant des représentations bidimensionnelles d’objets et de personnes.
Cette nouvelle façon de concevoir la forme allait finalement donner aux œuvres de Pablo Picasso et de Georges Braque une influence qui allait au-delà des conventions du cubisme. Nombre des mouvements artistiques qui ont suivi ont adopté les nombreuses nouvelles techniques présentées dans les œuvres cubistes synthétiques.
La palette de couleurs neutres et terreuses du cubisme analytique a également évolué pour inclure des couleurs plus audacieuses et des formes simples, tout en conservant les plans superposés déjà centraux dans les œuvres cubistes. Le passage à des couleurs audacieuses et non mélangées observé dans le cubisme synthétique est souvent considéré comme un précurseur des œuvres d’art simples mais éclatantes du mouvement Pop Art.
Les artistes cubistes synthétiques ont également formalisé la technique du papier collé, qui consiste à coller des morceaux de papier sur une surface plane telle qu’une toile, aujourd’hui plus connue sous le nom de collage. La technique du papier collé rendait les compositions encore plus plates que pendant la phase du cubisme analytique.
Le commentaire politique, important pour la dernière phase du cubisme, a également influencé les mouvements artistiques qui ont émergé pendant les deux guerres mondiales et la période d’après-guerre. Les formes multidimensionnelles à facettes du cubisme ont directement influencé de nombreux artistes du XXe siècle et des mouvements artistiques modernes tels que le dadaïsme, le surréalisme, le futurisme, le suprématisme, le constructivisme et De Stijl.
