Mouvement d’art moderne – Histoire, artistes et œuvres d’art

Qu’est-ce que l’art moderne ?

L’art moderne est une période de l’histoire de l’art comprise entre la fin du^XIXe siècle et le milieu du XXe siècle, qui englobe de nombreux styles différents, en peinture, en sculpture, en arts décoratifs et en architecture. On pense que l’art moderne a commencé avec l’impressionnisme en 1870, et s’est poursuivi à travers plusieurs styles, dont le post-impressionnisme, le fauvisme, l’expressionnisme, le cubisme, le futurisme, le dadaïsme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait, pour finir avec le pop art dans les années 1960.

Œuvres célèbres de l’art occidental moderne

 

Le style de l’art moderne

Les historiens de l’art s’accordent à dire que l’art moderne commence avec les impressionnistes et se termine avec le pop art. Entre ces deux styles d’art, il y avait de nombreux mouvements d’art moderne différents et englobait de nouveaux supports visuels au-delà des arts traditionnels, notamment :

• Impressionnisme (1870- 1880)
• Le post-impressionnisme (1886-1904)
• Fauvisme (1905 – 1907)
• Expressionnisme (1905-1907)
• Le cubisme (1908- 1914)
  • Cubisme analytique
  • Cubisme synthétique
• Futurisme (1909-1944)
• Le dadaïsme (1916-1924)
• Surréalisme (1924-1950)
• Expressionnisme abstrait (1940-1950)
• Pop Art (années 1950 à 1960)

Le début de l’art moderne

L’art moderne commence avec la révolution industrielle au milieu du 19e siècle. Le chemin de fer, la machine à vapeur et le métro ont changé le cours des choses en apportant encore plus d’emplois à la ville. Les banlieusards prennent des trains rapides pour se rendre au travail, tandis que les citadins profitent d’un dimanche après-midi à la campagne.

La population des villes a commencé à croître, notamment dans des villes comme Paris. En 1853, l’empereur Napoléon III a chargé l’architecte et urbaniste Georges-Eugène Haussmann de créer de nouveaux bâtiments, d’élargir les trottoirs et de créer des parcs pour que les gens puissent en profiter. Les peintres étaient là pour capturer sur la toile la vie quotidienne du monde moderne, avec des idées nouvelles.

Art moderne Guerre et commerce

L’art moderne a été influencé par la guerre avec la Première Guerre mondiale (1914-1918) et la guerre civile espagnole (1936-1939). Pendant la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), de nombreux artistes européens sont partis à New York, qui est devenu le centre de l’art.

La chute de l’économie, avec le lundi noir et le krach boursier de 1929, a conduit à la Grande Dépression (1929-1939).

L’art et les peintres ont reflété la nouvelle réalité moderne de la vie et les artistes ont exploré les pensées et tendances socialement libérales dans l’art moderniste et les nouveaux mouvements artistiques.

Le rôle d’Édouard Manet dans les débuts de l’art moderne

Édouard Manet (1832-1883) a été le pont entre le réalisme et l’impressionnisme. Son tableau choquant  » Déjeuner sur l’herbe » a fait scandale au Salon de Paris, lorsqu’il a été exposé en 1863.

L’œuvre illustre deux hommes entièrement vêtus qui pique-niquent sur l’herbe, avec deux femmes, dont une entièrement nue. Tant le contenu que la composition ont été empruntés au tableau de la Renaissance Concert pastoral de Giorgione (1510). Alors que l’œuvre précédente fait classiquement référence à la littérature ancienne, l’œuvre de Manet porte clairement sur la société française moderne.

Édouard Manet était un membre de la classe moyenne supérieure (bourgeoisie) de Paris. L’artiste était le seul de ses contemporains qui n’avait pas besoin de vendre ses tableaux pour gagner sa vie. Bien que son père veuille qu’il étudie le droit, Manet préfère encore l’art. Manet aimait le travail des artistes Courbet, Velazquez et Goya.

« Tout n’est qu’apparence, les plaisirs d’une heure qui passe, un rêve de nuit d’été. Seule la peinture, reflet d’un reflet – mais reflet, aussi, de l’éternité – peut enregistrer une partie de l’éclat de ce mirage. » – Édouard Manet

Impressionnisme (1870- 1880)

Les historiens de l’art considèrent l’impressionnisme comme le point de départ de l’art moderne. Né en France dans les années 1860, l’impressionnisme s’est poursuivi jusqu’à la fin des années 1880. Les impressionnistes se sont efforcés de capturer les scènes de la vie quotidienne de la classe moyenne, en se concentrant sur un seul moment dans le temps. Les artistes impressionnistes ont rejeté les peintures aux tons terreux et les coups de pinceau plats du réalisme. Ces peintres ont choisi d’utiliser une palette plus vive, appliquée par petites touches de couleur.

Fascinés par la lumière naturelle et les couleurs, ces artistes modernes ont expérimenté la peinture en plein air, sans utiliser de noir ni d’ombres en clair-obscur. Les peintures sont souvent recadrées, sous l’influence de la photographie et de l’ère moderne.

Rejetés par le Salon de Paris, les peintres français Édouard Manet, Claude Monet( 1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917), ainsi qu’une vingtaine d’autres, organisent leur propre exposition en 1874. C’était la première de huit au total qui ont duré jusqu’en 1886. Ce résultat est impressionnant si l’on considère que la « nouvelle peinture », comme on l’appelait au départ, était considérée comme un échec artistique dans le monde de l’art au cours des premières décennies.

Impression de Monet , Lever de soleil (1872) Le musée Marmottan Monet de Paris capture le soleil levant orange sur les eaux grises du port du Havre, tandis que les bateaux flottent. Les couleurs contrastées créent une illumination du soleil sur l’eau. Le nom du tableau fournissait aux critiques la source dont ils avaient besoin pour définir les tableaux qu’ils voyaient.

Dans La gare Saint-Lazare de Monet, aujourd’hui au musée d’Orsay, à Paris, le train, symbole de la modernité, est enveloppé de fumée lorsqu’il entre en gare. Les gens attendent sur la plate-forme extérieure, l’architecture de Hausmann créant une toile de fond pour l’ère moderne.

Renoir aimait peindre des Parisiens aux loisirs. Le Déjeuner en bateau (1881) est une œuvre qu’il a peinte représentant ses amis prenant un repas ensemble dans un restaurant surplombant l’eau.

Degas est surtout célèbre pour son travail artistique consistant à capturer les mouvements des ballerines du ballet de l’Opéra de Paris, dans des œuvres telles que La classe de danse (1874) mettant en scène le maître de ballet Jules Perrot et des ballerines en train de répéter.

Le post-impressionnisme (1886-1904)

Le post-impressionnisme a débuté en 1886, en France, puis s’est déplacé à travers l’Europe, reflétant l’art dans une diversité de formes. Une communauté de vues existait dans la création d’œuvres d’art aux idées nouvelles, en réaction à l’impressionnisme. Les post-impressionnistes tels que Vincent Van Gogh (1853-1890), Paul Cézanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) et Georges Seurat (1859-1891) ont utilisé un style non conventionnel, notamment des aplats, une application rapide de la peinture et l’utilisation de la couleur pour créer un effet psychologique. Pourtant, le travail de chacun des post-impressionnistes était très différent.

Seurat voulait ajouter la science à l’impressionnisme en utilisant la couleur pour créer la luminosité, c’est ce qu’on a appelé le néo-impressionnisme. Dans Un dimanche sur la Grande Jatte-1884(1884-1886), l’artiste crée cet effet en utilisant le mélange optique, ou en plaçant deux couleurs côte à côte, en utilisant de petites touches de couleur, ou le pointillisme, pour donner l’illusion d’une couleur mélangée.

Pour le peintre néerlandais Vincent Van Gogh, le post-impressionnisme était une affaire de couleurs, comme en témoignent ses œuvres d’iris, de fleurs et de paysages remplis de blé. Il était également un symboliste qui voulait ajouter une signification plus profonde à son travail.

De toutes les fleurs, il aimait les tournesols, qu’il a commencé à peindre en s’installant à Paris. En fait, les tournesols apparaissent dans certaines de ses œuvres les plus célèbres. Il a peint une collection de cinq œuvres représentant des tournesols dans un vase, alors qu’il vivait dans le sud de la France entre 1888 et 1889. Dans ces œuvres, le jaune est incorporé dans de nombreuses nuances différentes. Pour Van Gogh, les tournesols représentaient la gratitude.

Dans La nuit étoilée (1889), Van Gogh a choisi de représenter le ciel nocturne. Dans une lettre à Willemien van Gogh, en septembre 1888, l’artiste écrit : « Il me semble souvent que la nuit est encore plus richement colorée que le jour, dans les violets, les bleus et les verts les plus intenses. Si vous regardez attentivement, vous verrez que certaines étoiles sont citronnées, d’autres ont une lueur rose, verte, bleu myosotis… il est clair que pour peindre un ciel étoilé, il ne suffit pas de mettre des points blancs sur du bleu-noir. »

Vincent Van Gogh peint un paysage nocturne avec des touches tourbillonnantes de couleurs vives. Le ciel, avec la lune jaune vif et les étoiles, devient le point focal, en raison de l’horizon bas. Bien que vivant en France à l’époque, la ville, avec son clocher d’église, est plus caractéristique de la Hollande, faisant peut-être allusion à son déplacement. Des œuvres comme celle-ci auront un fort impact sur l’expressionnisme.

Les œuvres du peintre français Paul Cézanne changent selon l’endroit où se trouve le spectateur. De près, ses peintures semblent plates, mais lorsqu’on les regarde de plus loin, elles semblent tridimensionnelles. Il y parvient en utilisant les ombres, ou même en soulignant les objets en noir.

Dans Les joueurs de cartes(1890-1892), une série de cinq œuvres, Cézanne a fait des croquis d’hommes individuels, puis a travaillé les sujets dans une composition. Alors que les personnes semblent statiques, le décor et les vêtements qu’elles portent semblent changer.

Dans son œuvre artistique Les grandes baigneuses (1898-1906) Cézanne donne une touche d’art moderne au sujet du nu féminin classique. Ici, les femmes ne sont pas des déesses de la mythologie mais des formes féminines qui ont été allongées, aplaties et déconstruites pour faire partie de la composition envisagée par l’artiste.

D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? (1897-1898) est un chef-d’œuvre de Paul Gauguin. La peinture représente le cycle de la fille à la femme, vu à travers la perspective féminine de la vie tahitienne. Paul Gauguin a quitté la France pour vivre avec le peuple tahitien, dont il a tiré le sujet de nombre de ses œuvres.

Fauvisme (1905- 1907)

Le fauvisme, terme donné par les critiques d’art français, est dérivé du terme français fauves, qui signifie bête sauvage. Des artistes d’origine française tels que Henri Matisse (1869 -1954) et André Derain (1880-1954) ont privilégié les couleurs primaires vives, les couleurs secondaires et les coups de pinceau distinctifs, produisant des peintures de paysages et de personnages. Ces artistes ont trouvé des influences dans l’exploration des cultures africaines et non occidentales.

Dans La femme au chapeau (1905) de Matisse, l’artiste peint sa femme Amelia dans des couleurs brillantes et expressives. C’était une nouvelle façon de peindre un portrait à travers l’art moderniste.

Dans Poisson rouge d’Henri Matisse (1912), au musée Pouchkine de Moscou, l’artiste crée une nature morte sous une forme abstraite. Le poisson rouge aplati, de couleur orange vif, peut être observé de deux côtés simultanément. Son utilisation experte de couleurs complémentaires placées côte à côte permet de saturer les teintes. Goldfish a été influencé par les voyages d’Henry Matisse au Maroc et par les poissons qu’il a ensuite achetés pour son propre salon, ce qui lui confère un élément interculturel.

La danse d’André Derain (1910), qui se trouve maintenant dans une collection privée, combine l’influence de la sculpture romane, de l’art populaire et des masques africains, avec la palette de couleurs audacieuses du fauvisme, dans un lieu exotique.

Matisse a également travaillé avec la sculpture au début de sa carrière, en travaillant continuellement sur des nus féminins aux formes arrondies. En revanche, la sculpture en grès de Derain, L’homme accroupi, (1907) au Museum Moderner Kunst, Vienne, Derain réduit l’homme à une forme de bloc.

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Expressionnisme (1905-1907)

L’expressionnisme comportait des éléments récurrents qui, bien qu’intensément personnels pour les artistes, étaient capables d’attirer le spectateur dans le contexte émotionnel, par le biais d’images déformées et de couleurs utilisées pour provoquer des réactions. Les expressionnistes ne se préoccupaient pas de la réalité physique dans le monde de l’art.

Expressionnisme : Die Brücke

Deux groupes se sont formés en Allemagne et ont contribué à définir l’expressionnisme. Die Brücke (Le Pont) a été créé en 1905 et était dirigé par Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) et comprenait également les membres fondateurs Fritz Bleyl (1880 – 1966), Erich Heckel (1883 -1970) et Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976). Se considérant comme un pont entre l’art du passé et l’art du présent, ils avaient pour objectif de fusionner le gothique allemand et l’art médiéval, et le nu féminin avec l’expressionnisme.

L’affiche de la première exposition Die Brücke, une lithographie en couleur, a été conçue par Bleyl en 1906. L’œuvre, qui représentait une forme féminine nue partiellement abstraite, utilisée comme expression des pensées du groupe sur la sexualité ouverte, a été jugée trop risquée pour le public.

Dans Street, Berlin (1913) de Kirchner, deux prostituées, suivies d’un groupe d’hommes, sont allongées et aplaties dans un environnement de paysages urbains aux couleurs anormales, avec des couleurs de peau rose exacerbées.
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L’autoportrait en soldat (1915), exposé au Allen Memorial Art Museum, dans l’Ohio, est le résultat de l’anxiété que Kirchner a connue dans l’armée. Les œuvres, dont un nu, ont des formes anguleuses et discordantes, et sont réalisées dans des couleurs contrastantes (vert, orange et jaune).

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Expressionnisme : Der Blaue Reiter

Pendant ce temps, Der Blaue Reiter (Le cavalier bleu), dont les peintres Wassily Kandinsky (1866-1944), Franz Marc (1880-1916) et Gabriele Münter (1877-1962) explorent l’abstraction. Kandinsky était surtout ému par la musique et voulait capturer l’expérience auditive sur la toile. Il a vu la couleur dans la musique dans ce qui pourrait être une synesthésie, une condition neurologique rare. Son œuvre Improvisation 28 (deuxième version), peinte en 1912 et conservée au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, en est un exemple.

Le cubisme (1908- 1914)

Si l’artiste espagnol Pablo Picasso (1881-1973) a contribué à de nombreux mouvements artistiques, il est le fondateur du cubisme, avec l’artiste français George Braque (1882-1963). Le cubisme est un style d’art qui comprend à la fois des formes géométriques et fragmentées pour permettre aux objets d’être vus sous de nombreux angles et points de vue.

Dans Les Demoiselles d’Avignon de Picasso ( 1907), l’artiste représente des prostituées sous des formes abstraites, avec des lignes déchiquetées, transformant ce qui devrait être considéré comme désirable en quelque chose d’agressif. Influencés par les masques africains, les visages ont une qualité primitive.

Les tableaux cubistes de Georges Braque, Violon et chandelier (1910) et Les Portugais (1911), sont deux exemples où l’artiste utilise un ton monochromatique pour souligner la fragmentation.

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Futurisme (1909-1944)

Le futurisme visait à exprimer la vitesse des nouvelles technologies dans les avions, les trains et les automobiles. Dès le début du^20e siècle, le poète italien Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944). Parmi les autres artistes modernes notables figurent Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Giacomo Balla (1871-1958) et Gino Severini (1883-1966).

Severini s’est efforcé de combiner la peinture et la sculpture pour donner aux œuvres une qualité tridimensionnelle. Dans Danseuse à Pigalle (1912) au Baltimore Museum of Art, à Baltimore, dans le Maryland, l’accent est mis sur la danseuse au centre. Créé à l’aide de peinture à l’huile sur du plâtre façonné, sur toile, le résultat donne un élément tourbillonnant à l’œuvre d’art futuriste.

L’œuvre magistrale de Boccioni, Unique Forms of Continuity, au Musée d’art moderne de New York, crée une sculpture surhumaine qui incarne la force et la structure de la cabine, tout en ayant l’air balayée par le vent. L’original a été créé en plâtre. Une production artistique plus récente n’a été coulée en bronze qu’après la mort de l’artiste.

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Le dadaïsme (1916-1924)

Le dadaïsme est né à Zurich, en Suisse, en 1916. Il s’est ensuite répandu en Allemagne, en France et aux États-Unis. La tristement célèbre « sculpture » de la fontaine de Marcel Duchamp (1887-1986), datant de 1917, est un véritable exemple de dadaïsme et d’objets ready-made à la limite de l’absurde. En achetant un urinoir et en le plaçant sur son dos, puis en le signant, il a suscité un grand débat sur ce qui pouvait être considéré comme de l’art.

L’artiste allemande Hannah Höch (1889-1978) a créé des photomontages en combinant des images qui, à première vue, ne semblaient pas se compléter, mais qui racontaient des histoires sur le féminisme à l’époque moderne.

Parmi les autres artistes modernes remarquables, citons l’artiste franco-allemand Jean Arp (1886-1966) et l’Autrichien Raoul Hausmann (1886-1971).

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Surréalisme (1924-1950)

Membre du groupe Dada à l’origine, l’artiste français André Breton (1896-1966) a lancé le mouvement surréaliste à New York en 1924. Il s’est concentré sur le collage et la gravure, tout en écrivant plusieurs livres.

Le surréalisme vient du mot français signifiant « super réalité ». Breton définit le surréalisme comme « l’automatisme psychique à l’état pur, par lequel on se propose d’exprimer – verbalement, par l’écrit, ou de toute autre manière – le fonctionnement réel de la pensée ».

Ces artistes modernes ont expérimenté des œuvres basées sur le subconscient et les rêves. L’œuvre de Salvador Dali (1904-1989), La persistance de la mémoire (1931 ), exposée au Musée d’art moderne de New York, place des montres fondantes dans un paysage qui semble venir d’un autre monde. Ici, le temps n’a pas d’importance.

Birthday (1942) est un autoportrait de l’artiste américaine Dorothea Tanning (1910-2012) réalisé pour son^30e anniversaire, avec des images de fond issues de son inconscient et des idées sur le cours de la vie et les changements en soi. Eine Kleine Nachtmusik (1943) est l’une de ses œuvres les plus célèbres. Le tableau, qui est exposé à la Tate Modern de Londres, se déroule dans un étrange couloir d’hôtel, où un gigantesque tournesol est brisé et déchiré. Une fille et une poupée grandeur nature sont terrifiées par le spectacle.

 

Les œuvres de l’artiste surréaliste d’origine belge René Magritte (1898-1967) posent de nombreuses questions sans révéler de réponses. Des éléments visuels communs apparaissent continuellement, comme les tuyaux, les chapeaux melon, le ciel bleu et les pommes vertes. Dans The Menaced Assassin, une femme nue est allongée sur un canapé, la gorge tranchée. Pendant ce temps, un homme ignore calmement la situation, tout en jouant d’un phonographe. Deux détectives, tous deux en costume et chapeau melon, se tiennent contre un mur juste à l’extérieur de la pièce. L’un tient un bâton et l’autre un filet. Trois têtes flottantes à l’extérieur regardent par la fenêtre. Comment cette femme a-t-elle atterri ici ?

 

À l’instar de Marcel Duchamp, mais avec une production artistique plus récente, l’artiste suisse d’origine allemande Meret Oppenheim (1913 – 1985) a pris des objets prêts à l’emploi pour assembler son œuvre sculpturale intitulée Objet (Le Déjeuner en fourrure), également au Musée d’art moderne de New York.. L’œuvre surréaliste demande aux spectateurs d’imaginer ce que cela ferait de tenir une tasse à thé recouverte de fourrure de gazelle chinoise.

Expressionnisme abstrait (1940-1950)

L’expressionnisme abstrait est une période de l’art américain entre 1940 et 1950, influencée par les styles européens précédents, notamment le fauvisme et le surréalisme, dont elle reprend la notion de création subconsciente.

Dans son œuvre à l’huile sur toile intitulée Autumn Rhythm : Number 30 (1950) exposée au Metropolitan Museum of Art, à New York, l’artiste Jackson Pollock (1912-1956) ajoute de la peinture noire, blanche et beige. Ces couleurs sont superposées pour donner l’impression d’un mouvement constant, à travers des lignes de différentes longueurs et épaisseurs, à la fois courbes et droites. L’œuvre de Jackson, Blue Poles (1952), exposée à la National Gallery de Canberra, en Australie, contient des éclats de verre et même des empreintes de pieds.

Le peintre américain d’origine néerlandaise Willem de Kooning (1904-1997) avait pour habitude de peindre des figures humaines déformées, en particulier des femmes, qui se fondaient dans le décor, comme la Femme assise (1940) au Philadelphia Museum of Art.

Parmi les autres expressionnistes abstraits notables figurent les artistes américains Helen Frankenthaler (1928-2011) et Mark Rothko (1903-1970), ainsi que l’artiste canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

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Pop Art (années 1950 à 1960)

Le Pop Art, qui a débuté à la fin des années 1950 en Angleterre et s’est répandu aux États-Unis, est considéré par les historiens de l’art comme le dernier mouvement influent de l’art moderne. Le pop art célèbre le consumérisme et les objets du quotidien deviennent des sujets d’œuvres d’art.

L’artiste américain Andy Warhol (1929-1987) a fait référence aux produits commerciaux de masse avec ses boîtes de soupe Campbell. Chacune des 32 toiles représente une saveur.

L’artiste pop Roy Lichtenstein (1923-1997) a ajouté des points Ben-Day sur ses toiles, une technique d’impression utilisée dans la création de bandes dessinées. Son œuvre Whaam ! (1963), exposée à la Tate Modern de Londres, transpose des images de guerre en dessins animés.

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Architecture moderne

L’architecte franco-suisse Le Corbusier (1887-1965) a utilisé les influences de la technologie moderne, comme les avions, les trains et les automobiles, pour ses œuvres architecturales. L’architecte a conçu la Villa Savoye (1929) avec du béton et du verre, dans un style international, en utilisant les cinq points de l’architecture. Le Corbusier a utilisé des pilotis en béton armé pour soulever la structure, un plan d’étage ouvert, des fenêtres en ruban et un jardin sur le toit.

 

 

Le célèbre architecte américain Frank Lloyd Wright (1867-1959) a construit Fallingwater , son chef-d’œuvre d’architecture de style prairie, en Pennsylvanie, en 1937. Fallingwater a des lignes allongées, qui se fondent dans la nature qui l’entoure. Il y est parvenu en limitant la palette de couleurs à l’ocre et au rouge, en fonction de l’environnement de la roche naturelle. Des pièces remplies de fenêtres permettaient de voir l’extérieur.

Le déclin de l’ère moderne

L’art moderne commence à décliner, laissant la place à l’art postmoderne et à l’art contemporain.

Mouvements et styles de l’art moderne

• Impressionnisme
• Post-impressionnisme
• Fauvisme
• Expressionnisme
• Cubisme
  • Cubisme analytique
  • Cubisme synthétique
• Futurisme
• Le dadaïsme
• Abstraction
• Surréalisme
• Expressionnisme abstrait
• Pop Art

Termes liés à l’art

• Plein air
• Mélange optique
• Pointillisme
• Symbolisme
• Die Brücke
• Der Blaue Reiter
• Photomontage
• Automatisme
• Points Ben-Day

Artistes de l’impressionnisme

• Édouard Manet (1832-1883) Français
• Claude Monet (1840-1926) Français
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Français
• Camille Pissarro (1830-1903) Français
• Alfred Sisley (1839-1899) Français
• Edgar Degas (1834-1917) Français

Artistes du post-impressionnisme

• Vincent van Gogh (1853 – 1890) Néerlandais
• Paul Cézanne (1839 -1906) Français
• Paul Gauguin (1848 -1903) Français
• Georges Seurat (1859- 1891) Français

Artistes du fauvisme

• Henri Matisse (1869 -1954) Français
• André Derain (1880-1954) Français

Artistes de l’expressionnisme

• Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) Allemand
• Fritz Bleyl (1880 -1966) Allemand
• Erich Heckel (1883 -1970) Allemand
• Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976) Allemand
• Wassily Kandinsky (1866 -1944) Russe
• Franz Marc (1880-1916) Allemand
• Gabriele Münter (1877-1962) Allemand

Artistes du cubisme

• Pablo Picasso (1881-1973) Espagnol
• George Braque (1882-1963)

Artistes du Futurisme

• Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) Italien
• Umberto Boccioni (1882- 1916) Italien
• Carlo Carrà (1881-1966) Italien
• Giacomo Balla (1871 -1958) Italien
• Gino Severini (1883 -1966) Italien

Artistes du dadaïsme

• Marcel Duchamp (1887-1986) Français
• Hannah Höch (1889 -1978) Allemande
• Jean Arp (1886 -1966) Allemand/Français Autrichien
• Raoul Hausmann (1886-1971) Autrichien

Artistes du surréalisme

• André Breton (1896- 1966) Français
• Salvador Dali (1904 -1989) Espagnol
• Dorothea Tanning (1910-2012) Américaine
• René Magritte (1898-1967) Belge
• Meret Oppenheim (1913-1985) allemande/ suisse

Artistes de l’expressionnisme abstrait

• Jackson Pollock (1912-1956) Américain
• Willem de Kooning, (1904-1997) néerlandais
• Helen Frankenthaler (1928-2011) Américaine
• Mark Rothko (1903-1970) Américain
• Jean-Paul Riopelle (1923 -2002) Canadien

Artistes du Pop Art

• Roy Lichtenstein (1923-1997)
• Andy Warhol (1929-1987) Américain