Qu’est-ce que l’Op Art ?
L’op art est une forme d’art visuel abstrait qui utilise des formes géométriques pour créer des illusions d’optique. Le terme « Op Art » est l’abréviation de « art optique ». Avec le mouvement formel qui a débuté dans les années 1960, les artistes op explorent les théories de l’optique, de la perception et de la couleur en créant des motifs géométriques qui créent des illusions d’optique et donnent souvent au spectateur l’impression que l’œuvre d’art est en quelque sorte en mouvement.
Œuvres d’art op notables
Histoire de l’Op Art
Les illusions d’optique remontent à la Grèce antique et étaient utilisées pour explorer les complexités de la vision et de l’esprit humain. Les images cachées étaient une forme populaire d’illusion d’optique, surtout au XIXe siècle, lorsque les scientifiques s’intéressaient particulièrement à la mécanique des illusions visuelles. Les illusions d’optique sont ensuite devenues populaires dans la société comme forme de divertissement et ont été utilisées de manière informelle entre amis, dans des livres et des magazines, et même dans des productions théâtrales. Les illusions d’optique ont fini par faire leur entrée dans le monde de l’art.
L’utilisation d’illusions d’optique dans l’art moderne et l’art contemporain est souvent appelée art optique. L’art optique est une forme d’art abstrait qui était initialement populaire à New York et dans la plupart des pays européens, avant de s’étendre à l’Amérique du Sud. Le terme Op Art a été officiellement inventé en 1964 en relation avec les développements majeurs du mouvement Op Art. Le magazine Time a défini l’op art comme une forme d’art spécifiquement non-objectif, ou art abstrait, qui utilise l’illusionnisme de la peinture pour produire des illusions d’optique. Au début, de nombreux critiques d’art n’appréciaient pas l’op art pour son esthétique graphique, presque commerciale.
Comme tout autre mouvement artistique, les techniques et le style centraux de l’art optique se sont développés au fil du temps et en s’inspirant des mouvements artistiques modernes précédents. Le néo-impressionnisme, le cubisme, le futurisme, le constructivisme et le dadaïsme sont autant de précurseurs du mouvement Op Art. Chaque mouvement avait son propre traitement de la couleur et de la forme qui s’est finalement combiné pour influencer l’art optique.
Des artistes comme Francis Picabia, Victor Vasarely et John McHale réalisent des peintures optiques, que l’on qualifiera plus tard d’œuvres d’op art, depuis les années 1920 et 1930. Des œuvres telles que l’Optophone I de Francis Picabia (1921-22) et le tableau Zebras de Victor Vasarely (1938) sont des exemples de l’aspect caractéristique de l’op art : des bandes de lignes noires et blanches qui semblent sortir du tableau et pénétrer dans l’espace du spectateur tout en flottant vers l’arrière dans le plan de l’image. La création de ce sentiment ambigu de profondeur spatiale désorienterait la perception du spectateur de ce qui se trouve au premier plan et de ce qui se trouve à l’arrière-plan.
Le trompe-l’œil
la technique consistant à représenter des objets comme s’ils existaient dans un espace tridimensionnel, a également exercé une influence particulièrement forte, malgré la représentation historiquement hyperréaliste des sujets. Les artistes dada et surréalistes tels que Marcel Duchamp et Salvador Dalí ont utilisé le trompe-l’œil et les illusions d’optique dans leurs photographies, leurs peintures et même leurs sculptures.
L’op art est parfois appelé art perceptuel ou art rétinien car il crée une expérience visuelle basée sur le fonctionnement de la vision humaine. L’illusion du mouvement et l’interaction des couleurs étaient des aspects essentiels de l’op art car ils pouvaient être combinés pour explorer la capacité de l’art à remettre en question la notion de perception à un niveau physiologique. Alors que d’autres mouvements remettaient en question les limites de la perception conceptuelle, ou la compréhension de concepts multiples au sein et au-delà d’une œuvre d’art, les artistes op remettaient en question ce que les spectateurs voyaient réellement dans l’art.
À la fin des années 1960, le succès de l’op art atteint son apogée malgré la désapprobation des critiques qui considèrent le mouvement comme trivial. En 1965, le Museum of Modern Art a organisé une exposition intitulée The Responsive Eye, dont la variété de peintures représentait l’op art comme une intersection entre l’art et la science.
Développements ultérieurs de l’Op Art
Si l’op art a débuté comme un mouvement de peinture optique, des artistes tels que le photographe hongrois László Molohy-Nagy ont produit des photographies dans le même style. Moholy-Nagy a également enseigné l’op art photographique au Bauhaus, l’école allemande fondée par Walter Gropius, et a influencé de nombreux photographes à poursuivre dans ce style. Le Bauhaus a joué un rôle important dans l’établissement de la relation entre l’op-art, la recherche psychologique et l’art et le design unifiés et fonctionnels.
L’art cinétique est un mouvement artistique qui est très proche de l’op art. La principale différence entre les deux mouvements est que l’art cinétique utilise généralement des formes tridimensionnelles pour créer des illusions, alors que l’op art crée l’illusion de la tridimensionnalité sur une surface bidimensionnelle. Les artistes cinétiques présentent également des œuvres unifiées comme des expressions cinétiques basées sur des illusions d’optique.
Les effets graphiques et colorés de l’op art ont fini par le rendre populaire dans des contextes commerciaux, comme la publicité, ce qui a entraîné une baisse de popularité dans le monde de l’art en 1968. Cependant, les artistes et les architectes ont continué à explorer les effets optiques et l’esprit humain. En raison de la disposition quasi mathématique des lignes et des formes, l’op art séduit également les artistes et les spectateurs contemporains. L’utilisation des médias numériques dans la production artistique a élargi les possibilités de l’op art pour créer des illusions d’optique qui continuent d’hypnotiser les spectateurs du monde entier.
Techniques de l’Op Art
L’op art combine souvent des éléments nettement différents pour créer un contraste saisissant entre le premier plan et l’arrière-plan d’une œuvre d’art. L’utilisation de lignes noires et blanches et de motifs abstraits pour créer une abstraction géométrique est l’une des façons les plus populaires dont les artistes ont créé l’op art. En général, les lignes noires et blanches sont disposées à proximité les unes des autres, créant souvent une image rémanente de certaines couleurs qui semblent vibrer ou clignoter. Dans l’op art, les espaces positifs et négatifs se complètent et sont tout aussi importants pour la création du phénomène optique et lumineux.
Dans la Théorie des couleurs, le scientifique allemand Johann Wolfgang von Goethe affirme que l’illusion de la couleur apparaît à la limite où la lumière et l’obscurité se rencontrent, car la clarté et l’obscurité sont deux propriétés fondamentales dans la création de la couleur [1]. C’est pourquoi nos rétines perçoivent la couleur à l’intersection de lignes noires et blanches répétées et de formes géométriques telles que les grilles noires et blanches.
Si l’op art en noir et blanc était plus populaire au début du mouvement, des artistes tels que Bridget Riley, Julian Stanczak et Richard Anuskiewicz ont fini par créer de l’op art en couleur. Les artistes ont souvent utilisé des couleurs complémentaires dans l’op art basé sur la couleur parce que les couleurs complémentaires (couleurs opposées l’une à l’autre sur la roue des couleurs) créent un contraste vif et simultané. Ce contraste a été utilisé pour créer de la profondeur dans une composition et produire une plus grande variété d’effets sur l’œil que les œuvres en noir et blanc. Des œuvres telles que Kezdi-Ga, réalisée en 1970 par l’artiste franco-hongrois Victor Vasarely, utilisent la couleur pour créer une illusion plus intense de formes et d’espaces tridimensionnels. La forme architecturale de l’ensemble de la composition semble dépasser de la surface du papier et se diriger vers le spectateur.
Références
[1] von Goethe, Johann Wolfgang. (1810, 1970). La théorie des couleurs de Goethe. Londres : New Knowledge.
Artistes Op Art notables
- Bridget Riley, née. 1931, anglais
- Richard Anuskiewicz, 1930-2020, américain
- Josef Albers, 1888-1976, allemand
- Richard Allen, 1933-1999, anglais
- John McHale, 1922-1978, Anglais
- Vera Molnár, b. 1924, Hongrois
- Victor Vasarely, 1906-1997, hongrois-français
- Frank Stella, b. 1936, américain
- Jean-Pierre Yvaral, 1934-2002, français
- Jesús Rafael Soto, 1923-2005, Vénézuélien
- Carlos Cruz-Diez, 1923-2019, Vénézuélien
- Larry Poons, b. 1937, américain
- Jeffrey Steele, 1931-2021, anglais
Termes relatifs à l’art
- Art abstrait
- Minimalisme
- Trompe-l’œil
- Illusion d’optique
- Art cinétique
- Divisionnisme
