Qu’est-ce que le photoréalisme ?
Le photoréalisme fait référence à l’art visuel basé sur une photographie, où le sujet de cette photographie est reproduit dans les moindres détails par le biais de la peinture, de la sculpture ou d’autres médias. Le photoréalisme fait souvent référence à un mouvement artistique américain qui a vu le jour à la fin des années 1960, mais des artistes européens ont également créé des œuvres photoréalistes à la même époque. À partir des années 1970, le terme » photoréalisme » a également été utilisé de manière plus large dans le domaine des arts visuels pour décrire un genre d’œuvres d’art très réalistes.
Œuvres d’art photoréalistes notables
Histoire du photoréalisme
À la fin des années 1960, le photoréalisme est apparu aux États-Unis en réaction à l’expressionnisme abstrait. Les artistes photoréalistes valorisaient le réalisme et rejetaient les notions d’abstraction et d’idéalisme populaires dans les arts visuels.
À l’instar des artistes pop, les photoréalistes privilégient la planification délibérée dans le cadre de leur processus plutôt que la spontanéité, l’improvisation et l’automatisme.
Le photoréalisme est également connu sous les noms d’hyperréalisme, de nouveau réalisme, de réalisme de la mise au point et de peinture superréaliste. Ces noms ont tous été conçus pour décrire le travail de nombreux artistes qui utilisaient des photographies comme références pour leurs œuvres d’art très réalistes. Alors que le photoréalisme était considéré comme avant-gardiste, ses procédés exigeants faisaient un clin d’œil aux techniques traditionnelles de l’art académique appréciées près d’un siècle plus tôt.
C’est à l’auteur et marchand d’art américain Louis K. Meisel que l’on doit l’invention du terme » photoréalisme » en 1969. En 1970, Meisel a utilisé ce terme pour étiqueter les œuvres d’art d’une exposition au Whitney Museum de New York. En 1972-73, Meisel a élaboré une définition du photoréalisme qui comprenait cinq critères centraux :
- Le photo-réaliste utilise l’appareil photo et la photographie pour recueillir des informations.
- Le photoréaliste utilise un moyen mécanique ou semi-mécanique pour transférer l’information sur la toile.
- Le photo-réaliste doit avoir la capacité technique de faire en sorte que le travail fini ait l’apparence d’une photographie.
- L’artiste doit avoir exposé ses œuvres en tant que photoréaliste avant 1972 pour être considéré comme l’un des principaux photoréalistes.
- L’artiste doit avoir consacré au moins 5 ans au développement et à l’exposition d’œuvres photoréalistes. [1]
Ces critères ont défini la première et la deuxième génération d’artistes photoréalistes. L’artiste américain Chuck Close, par exemple, était un artiste photoréaliste de la première génération.
Thèmes de l’art photoréaliste
De nombreux artistes photoréalistes célèbres ont réalisé des peintures photoréalistes qui témoignent d’un intérêt pour les objets industriels et les machines tels que les voitures, les motos et les camions. Dans Sherwin Williams Chevy, datant de 1975, Ralph Goings a peint un camion Chevrolet bleu foncé garé devant un magasin Sherwin Williams avec une telle précision que le spectateur pourrait facilement le confondre avec une photographie, ce qui est fréquent dans la peinture photoréaliste.
Les objets mécaniques qui reflètent les loisirs et la culture populaire sont également considérés comme des sujets dans l’art photoréaliste, comme la peinture photoréaliste de l’artiste Charles Bell, Gum Ball No. 10 : « Sugar Daddy », de 1975. Tout comme le pop art, le mouvement photoréaliste a exploré les obsessions et les moments de gloire de la culture américaine.
Cependant, le photoréalisme n’a pas englobé la même critique intentionnelle de la culture américaine que le mouvement pop art. Bien que de nombreuses œuvres photoréalistes soient remplies d’icônes de la culture de masse et de consommation américaine, comme les fast-foods et les objets mécaniques, elles n’étaient généralement pas critiques de ces icônes dans un contexte sociopolitique.
Dans les années 1960 et 1970, et jusqu’à très récemment, les artistes photoréalistes masculins étaient les plus reconnus. Audrey Flack fait partie des rares artistes féminines reconnues aux côtés de ses contemporains masculins en tant qu’artiste photoréaliste de la première génération. L’œuvre de Flack suit des thèmes similaires et explore le monde des objets à travers la peinture de natures mortes, puis la sculpture. Son travail va également au-delà de la simple observation et établit des liens entre les objets du passé et ceux du présent, tout en remettant en question les représentations stéréotypées et archétypales de la femme.
L’utilisation de la photographie dans l’art photoréaliste
Les artistes ont utilisé l’appareil photo comme outil d’art visuel depuis l’avènement de la photographie au début des années 1800. En fait, la technique de création d’images que permettent la camera obscura et la camera lucida était courante dans les années 1600 chez les peintres de l’Antiquité tels que Rembrandt et Vermeer.
Précurseurs des appareils photo modernes, la camera obscura et la camera lucida projetaient une image sur un panneau intérieur. L’image était ensuite tracée et peinte, donnant naissance à de nombreux chefs-d’œuvre que nous connaissons aujourd’hui.
L’évolution de la création d’images a permis aux artistes d’étudier leurs sujets d’une manière que l’observation directe ne permettait pas. Grâce à la projection et à la photographie, les sujets des portraits, parmi d’autres instances éphémères, pouvaient être figés dans le temps et revus à la convenance de l’artiste.
Cependant, la dépendance à la photographie était largement désapprouvée jusqu’à ce que les photoréalistes la récupèrent comme un élément essentiel de leurs processus artistiques. Alors que les artistes précédents hésitaient à révéler l’utilisation de références photographiques, les artistes photoréalistes ont cherché à reproduire les effets de la photographie à travers un autre support. Cette technique remet en question les processus artistiques traditionnels ainsi que les différences entre ce qui est « réel » et ce qui est artificiel.
De nombreux artistes travaillant dans le genre du photoréalisme à partir des années 1960 ont utilisé des diapositives pour projeter des images sur leurs toiles. En utilisant les projections comme guides pour leurs processus de peinture, les artistes photoréalistes se penchaient également sur la relation entre la lumière et la couleur, les projections de films les réunissant comme un seul élément.
Sculpture photoréaliste
Le photoréalisme est généralement associé à la peinture, mais des sculpteurs tels que Duane Hanson présentent une branche de l’art photoréaliste appelée vérisme. Les sculptures de Hanson sont souvent des reproductions réalistes de personnes ordinaires. Janitor, de 1973, est une sculpture peinte d’un concierge avec de vrais cheveux et vêtements.
Contrairement à d’autres photoréalistes, les œuvres d’art de Hansen reflètent généralement des questions sociales et politiques. Sa sculpture Janitor met en évidence la nature héroïque, souvent négligée, des gens du quotidien dans la société américaine. Tout comme le mouvement réaliste antérieur, Hansen élève les personnes de la classe ouvrière en faisant entrer leur ressemblance dans le monde de l’art. Hansen dépeint ce sujet particulier sans idéalisation, faisant même en sorte que la sculpture doive s’appuyer sur un mur pour rester debout.
Le photoréalisme aujourd’hui
Les premiers artistes photoréalistes ont développé des techniques qui ont non seulement bouleversé la définition de l’art, mais qui restent vitales pour l’art contemporain. Les capacités apparemment illimitées de la technologie numérique permettent aux artistes d’utiliser la photographie et d’autres outils d’imagerie numérique pour explorer la frontière entre réalité et artificialité d’une manière totalement nouvelle.
L’art photoréaliste d’aujourd’hui fait écho aux fascinations et aux défauts de la société en constante évolution, tels que l’internet, les médias sociaux et les effets néfastes du capitalisme. Il célèbre également les voix marginalisées et se mêle même au surréalisme.
Les peintures de l’artiste américain Kehinde Wiley présentent des sujets contemporains et des icônes comme Barak Obama. Le célèbre portrait montre Obama assis sur un fond surréaliste de verdure luxuriante. L’utilisation par Wiley du photoréalisme, du symbolisme et du 44e président des États-Unis engage le spectateur dans une conversation vieille de plusieurs siècles sur la politique, la race et l’art. Le travail de Wiley est l’un des nombreux exemples de la manière dont le photoréalisme trouve sa place dans l’art contemporain.
Références
[1] Meisel, Louis K. Photoréalisme. Éditions Harry N. Abrams, Inc., New York. 1980. p. 13.
Artistes photoréalistes notables
- Chuck Close, 1940-2021, Américain
- Carolyn Brad, 1937-2005, américaine
- Audrey Flack, née. 1931, américain
- Richard Estes, b. 1932, américain
- Hilo Chen, b. 1942, Taïwanais-Américain
- Ralph Goings, 1928-2016, américain
- Duane Hanson, 1925-1996, Américain
- Don Eddy, b. 1944, américain
- Idelle Weber, 1932-2020, américaine
- Linda Bacon, b. 1942, Américain
- Robert Bechtle, b. 1932, américain
- Robert Cottingham, né. 1935, Américain
- Roberto Bernardi, b. 1974, Italien
- Franz Gertsch, b. 1930, Suisse
- Raphaella Spence, née. 1978, anglais
- Bertrand Meniel, b. 1961, France
- Arinze Stanley Egbengwu, b. 1993, Nigérian
- Calida Rawles, b. 1976, américain
- Kehinde Wiley, b. 1977, américain
Termes liés à l’art
- Trompe l’oeil
- Réalisme
- Photographie
- Pop art
- Minimalisme
- Art conceptuel
- Nature morte
- Kitsch
- Art contemporain
