Le pop art est un mélange unique de beaux-arts et de culture populaire et commerciale. Le mouvement pop art est né en Angleterre, dans les années 1950, avec les artistes Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton et Peter Blake. Bien qu’il ait des racines anglaises, le Pop art a toujours été basé sur la culture américaine. Le pop art s’est répandu à New York, où des artistes comme Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Yayoi Kusama ont pratiqué leur style pop art.
L’art contemporain est « l’art du présent » avec des artistes du monde entier. Le mouvement ne peut pas être défini mais peut être décrit comme tout ce qui a été créé au cours de notre vie. Elle s’étend de l’art du graffiti aux œuvres vidéo et numériques. Parmi les artistes contemporains les plus célèbres figurent Nam June Paik, Damien Hirst, Tracey Emin, Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons et Banksy.
Similitudes entre le pop art et l’art contemporain
- Qu’est-ce que l’art ? Le pop art et l’art contemporain ont provoqué un débat sur ce qui était et est considéré comme de l’art.
- Autopromotion : Les artistes pop et les artistes contemporains ont appris l’art de l’autopromotion par la controverse.
- La culture : Le pop art et l’art contemporain reflètent l’époque à laquelle ils ont été et sont créés.
Pop Art et art contemporain : Qu’est-ce que l’art ?
Qu’est-ce qui est considéré comme de l’art ? Le pop art et l’art contemporain ont tous deux remis en question la réponse à cette question. Le pop art a provoqué un changement radical dans le mouvement artistique et a suscité des débats sans fin. Pour la première fois, le pop art a fusionné les beaux-arts avec la culture populaire.
De même, l’art contemporain transcende les concepts artistiques traditionnels. Elle suscite également des remises en question par le biais d’une réflexion sur les personnes considérées comme des artistes, les matériaux et les outils utilisés, ainsi que le style et la présentation.
Les questions ont commencé pour l’artiste américain de pop art Andy Warhol (1928-1987) avec sa sérigraphie de 1962, Campbell’s Soup Cans. Comment un simple objet d’épicerie peut-il être le sujet d’une véritable œuvre d’art ? Le public a rejeté l’œuvre, mais les médias ont rapidement fait de cette affaire un débat national.
Le pop art a constitué un défi pour l’art traditionnel à d’autres égards. Les artistes du pop art ont produit leurs œuvres en masse, les rendant disponibles pour la consommation publique. Beaucoup pensaient que le « vrai art » était une pièce unique qui appartenait aux musées.
Dans le monde de l’art contemporain, des artistes tels que les Young British Artists (YBA), un collectif né à Londres dans les années 1980, ont créé des œuvres que beaucoup ne considéraient pas comme de l’art. L’artiste le plus célèbre du groupe est sans doute Damien Hirst (1965-).
L’œuvre de Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991), est une œuvre d’art contemporaine des artistes. Il a été créé en enfermant un requin tigre, capturé par un pêcheur à Hervey Bay, en Australie, dans une cuve en verre remplie de formaldéhyde.
Tant les artistes du Pop Art que les artistes contemporains ont amené les spectateurs à se demander : « Est-ce vraiment de l’art ? ».
Pop Art vs. art contemporain : Autopromotion
Les artistes pop et les artistes contemporains ont appris l’art de l’autopromotion par la controverse.
Warhol a mélangé la religion avec la culture populaire, ce qui était considéré comme scandaleux. Dans l’œuvre Gold Marilyn Monroe (1962) de Warhol, l’artiste pop art a élevé l’actrice au rang de dieu peu après sa mort, en août 1962. En montrant comment les gens la vénéraient, il a également démontré le prix de sa célébrité.
Le Diptyque Marilyn, également de 1962, apparaît sur deux panneaux et fait clairement référence aux peintures chrétiennes dans son titre. Le mot diptyque désigne un retable en bois à charnières. En présentant Marilyn Monroe de cette manière, Warhol invitait le spectateur à la vénérer, tout en soulignant ses propres luttes avec la foi catholique.
Dans The Marilyn Diptych, Warhol utilise la répétition. La même image de l’actrice, tirée de la photo publicitaire du film Niagara, est répétée 50 fois. Vingt-cinq d’entre elles sont peintes en couleur et représentent sa vie et sa vitalité, tandis que 25 sont peintes en noir et blanc et illustrent sa mort. L’œuvre a été réalisée en projetant l’image sur une sérigraphie. Cela a provoqué de nouvelles critiques. Non seulement l’artiste n’avait pas créé l’image, mais il tirait profit du suicide de la star de cinéma.
L’artiste japonaise de pop art Yayoi Kusama (1929-) est devenue mondialement connue après son installation et sa performance à la Biennale de Venise de 1966, intitulée Narcissus Garden. Elle n’avait même pas été invitée. Au lieu de cela, elle a placé 1500 boules en acier inoxydable et en miroir hautement réfléchissant sur la pelouse. Vêtue d’un kimono doré, elle a simplement vendu les balles pour 2 $ chacune. Une pancarte disait : « Votre narcissisme à vendre ! » On lui a finalement demandé de partir et elle a été escortée par la police.
Toujours douée pour l’autopromotion, Kusama est arrivée à New York en 1958, où elle a immédiatement commencé à contacter des galeries et des artistes pour qu’ils l’aident. Sa première installation de chambre à miroir a été présentée à New York, en 1965, sous le titre Mirror Room-Phalli’s Field à la Castellane Gallery, à New York. Il s’agissait d’une pièce avec des miroirs, remplie de phallus empaillés, peints avec des points rouges.
Les jeunes artistes britanniques ont organisé des expositions destinées à choquer et à susciter la controverse, telles que Freeze (1988) et Sensation (1997). Ensemble, ils ont rejeté ce qui était considéré comme un art traditionnel.
Hirst a toujours été un artiste qui cherche à attirer l’attention. Le public et les critiques sont à la fois consternés et fascinés par son travail. La mort et la mortalité sont deux thèmes clés de son art contemporain. Plus récemment, en 2007, Hirsts a créé For the Love of God, un crâne humain moulé en platine, incrusté de 8601 diamants. Alors que la réalisation de cette œuvre d’art contemporain a coûté 14 millions de livres sterling, l’œuvre a été vendue pour 50 millions de livres sterling.
Pendant ce temps, la « bad girl de l’art britannique », l’artiste Tracey Emin (1963-), crée des œuvres personnelles et provocantes sur le traumatisme, le viol, la promiscuité, le sexisme et l’humiliation. Son œuvre My Bed (1999) a créé la controverse et remis en question le stéréotype de la femme anglaise modeste.
Emin a traîné son lit dans la galerie et y a ajouté tous les objets qui l’ont entouré pendant ses quatre jours d’enfermement auto-imposé. C’était la retombée après une mauvaise rupture. Il y avait des Kleenex usagés, des préservatifs et des sous-vêtements sales, qui faisaient partie de son art contemporain.
Pop art et art contemporain : Culture
Le pop art et l’art contemporain ont reflété et reflètent l’époque à laquelle ils ont été et sont créés. Par exemple, l’artiste américain de pop art Andy Warhol a travaillé comme artiste commercial, avant de passer aux beaux-arts et au pop art. Après la Seconde Guerre mondiale, le consumérisme était omniprésent aux États-Unis, les familles aspirant à une vie meilleure. Warhol a su capter cette envie d’achat des Américains en utilisant des images de marque de tous les jours dans ses œuvres, comme les boîtes de soupe Campbell ( 1962), le Coca-Cola 3 (1962) et la boîte Brillo (1964). Warhol a également considéré les célébrités comme des marchandises, utilisant leurs images dans un style répétitif.
Alors que Warhol créait son art à partir de la prospective de la vie dans l’environnement, ses contemporains britanniques produisaient des images du consumérisme américain, à travers les yeux d’une nation qui avait été dévastée et qui se remettait encore de la guerre.
Dans l’œuvre d’Eduardo Paolozzi I was a Rich Man’s Plaything (1947), l’image principale du collage est une pin-up tirée d’un magazine américain. L’artiste l’a obtenu d’un soldat américain à Paris, ce qui lui a permis d’avoir un aperçu de la vie américaine à travers une lentille européenne. D’autres images « américaines » sont incorporées, notamment une tarte aux cerises et un logo de la société Cocoa-Cola. Un bombardier de la Seconde Guerre mondiale apparaît également, ainsi que le mot « Pop ! » comme un son émis par le pistolet dans la main d’un homme.
L’artiste de rue britannique anonyme, connu sous le pseudonyme de Banksy, est devenu une figure extraordinaire de l’art contemporain, en faisant descendre son art dans la rue. Le travail de Banksy, qui offre un commentaire social sur le monde, se concentre sur les problèmes mondiaux et la politique. L’artiste contemporain a choisi l’anonymat, de sorte que l’accent est mis sur le message contenu dans l’œuvre, et non sur l’artiste, ce qui élimine toute possibilité de célébrité.
Faisant partie de la scène underground de Bristol, Banksy a commencé par à main levée, mais il est ensuite passé au pochoir pour plus de rapidité. L’artiste a également créé des versions sur toile de son art de rue. Parmi les images d’art contemporain de Banksy figurent des rats, des singes, des policiers et la reine. Parmi ses œuvres célèbres, citons . Love is in the Air ( Flower Thrower) (2003), Kissing Coppers (2004), Napalm Girl (2004-2005), et Girl with Balloon (2006). Également créé en 2006, Well Hung Lover, également connu sous le nom de Naked Man Hanging from a Window ou simplement Naked Man.
Différences entre le pop art et l’art contemporain
- Cadre temporel : Le pop art est arrivé en premier. L’art contemporain est venu plus tard
- Style et caractéristiques : Le pop art a un style clairement défini. Ce n’est pas le cas de l’art contemporain.
- Médium : L’art contemporain a accès à des médiums plus récents et à de nouvelles façons de les utiliser.
Pop Art vs. art contemporain : Cadre temporel
Le mouvement pop art et l’art contemporain appartiennent à deux époques différentes. Le pop art est né dans les années 1950, à Londres, en Angleterre. Il s’est rapidement répandu dans tous les États-Unis. Le pop art américain a débuté à New York, puis à Los Angeles. Le Pop art n’a pas été réalisé uniquement par des artistes britanniques et américains, mais des artistes d’autres pays ont également commencé à produire du Pop art en vivant dans l’une des régions où le Pop art était réalisé.
L’art contemporain est l’art du présent. Depuis les années 1980, l’art contemporain est un phénomène mondial.
Pop Art et art contemporain : Style et caractéristiques
Qu’est-ce qui définit le pop art ? Il existe de nombreux styles et caractéristiques du pop art, qui varient d’un artiste à l’autre, mais la plupart d’entre eux partagent certaines des caractéristiques suivantes :
- Un mélange de grand art et de culture populaire
- Tous les sujets peuvent être utilisés dans le Pop art
- Riche en références de célébrités
- Des articles de consommation courante
- Couleurs primaires et secondaires vives
- Bords durs
- Images monumentales
- Points Ben-Day
- Signalisation et logos
- Utilisation de nouveaux médiums tels que la peinture automobile
- Le spectateur n’est qu’un observateur sans émotion.
À l’inverse, l’art contemporain défie toute définition. Il est fabriqué dans le monde entier, selon le style et le support choisis par l’artiste.
Pop Art vs. art contemporain : Médium
Nam June Paik (1932-2006) est un artiste contemporain coréen/américain connu comme le père de l’art vidéo. Il a commencé à exposer ses œuvres sur ce nouveau support en 1963. L’une de ses œuvres les plus populaires est Electronic Superhighway (1995), une installation vidéo au Smithsonian Art Museum.
L’œuvre, qui mesure 15 pieds sur 49, comprend 336 téléviseurs, tous diffusant des clips vidéo représentant les 50 États des États-Unis. Les images changent rapidement et les clips montrent des pommes de terre pour l’État de l’Idaho, des cowgirls au Texas et l’Empire State Building à New York. Des clips vidéo sont également intégrés, comme les images du Magicien d’Oz pour représenter l’État du Kansas.
La technologie a donné aux artistes contemporains davantage de possibilités de travailler. Certains artistes contemporains utilisent les méthodes traditionnelles de : dessin, peinture et sculpture. D’autres ont utilisé des médias mixtes, dans des combinaisons infinies. De plus, l’art a été transporté dans les rues, où les murs et les trottoirs deviennent des toiles.
Le graffiti urbain est devenu une forme d’art reconnue à la fin des années 1970 et dans les années 1980, avec l’artiste contemporain new-yorkais Jean-Michel Basquiat (1960-1988) en tête. Créant ses œuvres initialement au marqueur et à la bombe de peinture, il utilisait les murs et les trottoirs, avec pour slogan SAMO (Same Old Shit).
Dans la célèbre œuvre de Basquiat intitulée Horn Players (1983), les artistes ont utilisé des bâtons de peinture acrylique et à l’huile pour ses trois panneaux de toile. Les bâtons de peinture mélangent l’huile et les pigments à la cire et permettent à l’artiste de dessiner, de peindre et d’esquisser. Ce médium a été popularisé par Basquiat et d’autres artistes de rue de l’époque.
Comment le Pop Art a-t-il influencé l’art contemporain ?
Les artistes contemporains perpétuent le pop art, qui était tombé en disgrâce à la fin des années 1970. Une figure centrale du mouvement appelé Neo-Pop est l’artiste américain Jeff Koons (1955-). L’artiste contemporain est célèbre pour avoir incorporé dans ses œuvres des images du quotidien, telles que des jouets, des personnages de dessins animés et des décorations d’anniversaire.
The Balloon Dogs (1994 à 2000) s’inspire des images des ballons fabriqués par les clowns lors des fêtes d’anniversaire des enfants pour créer de grandes œuvres sculpturales produites en série. Ce faisant, Koons montre à quel point les fêtes d’anniversaire des enfants sont célébrées de manière élaborée aux États-Unis. Les œuvres sont disponibles en bleu, magenta, orange, jaune et rouge, et se sont vendues pour des millions de dollars. D’autres animaux similaires ont suivi, notamment des singes, des cygnes et des lapins. Ces œuvres et d’autres œuvres de Koons sont très polies et réfléchissantes, semblable aux créations de miroir de Yayoi Kusama.
À l’instar de Warhol et de nombreux artistes du Pop Art, Koons continue également d’utiliser des icônes de la culture populaire dans ses œuvres contemporaines. Michael Jackson and Bubbles (1988), au Musée d’art moderne de San Francisco, est une sculpture géante en porcelaine. À propos de l’œuvre en or et blanc, Koons a déclaré : « Je voulais le créer à la manière d’une icône divine. » Cela établit un parallèle avec les œuvres d’Andy Warhol représentant Marilyn Monroe.
En outre, certains des artistes originaux du Pop Art sont toujours en vie aujourd’hui et font découvrir le style Pop Art à une nouvelle génération. Parmi ces artistes, citons Yayoi Kusama, Alex Katz et Peter Max.
Quels autres mouvements artistiques sont similaires au Pop Art ?
Le pop art trouve ses racines dans le néo-dada, un mouvement né à New York. L’artiste Robert Rauschenberg a exercé une influence majeure. Le néo-dada a été influencé par le dadaïsme et l’artiste Marcel Duchamps et ses readymades. Le néo-dada est le mouvement artistique qui relie le mouvement artistique de l’expressionnisme abstrait et le mouvement artistique du pop art.
