Au fil des siècles, monstres et créatures malveillantes ont peuplé d’innombrables œuvres d’art. Cette fascination venait d’un besoin d’exprimer les peurs humaines mais était aussi une façon de dépeindre les vices des hommes. De plus, monstres et créatures offraient aux artistes la possibilité de laisser libre cours à leur imagination. Pendant des siècles, les artistes ont suivi des règles établies et représenté principalement des scènes religieuses ou mythologiques. Peindre ou sculpter des paysages remplis de monstres cauchemardesques leur a permis d’explorer pleinement leur créativité.
1. Scène de la Passion du Christ , par Giovanni Canavesio, XVe siècle
Cette scène effrayante, remplie de monstres et de créatures viles, fait partie des fresques peintes sur les murs de la chapelle Notre-Dame des Fontaines à La Brigue, dans le sud-ouest de la France, près de la frontière italienne. Entre 1490 et 1492, le prêtre et peintre italien Giovanni Canavesio a représenté les scènes religieuses grandioses se déployant sur les murs intérieurs de cette chapelle d’aspect plutôt simple.
Outre d’autres scènes de la Passion du Christ , Canavesio dépeint le Léviathan, un dragon avalant les damnés le Jour du Jugement. À une époque où les famines, les pandémies et les guerres tuaient de manière inattendue, les gens craignaient et, en même temps, étaient fascinés par la mort. Les artistes ont produit d’impressionnantes représentations d’enfers déchaînés ou des scènes de danse mêlant squelettes et humains, exprimant l’angoisse et la peur des hommes.
2. Gorgoneion étrusque , Ve siècle avant notre ère
Le Gorgoneion est le nom donné à la représentation d’une tête de Gorgone, que l’on retrouve souvent dans l’architecture grecque et romaine antique, les boucliers, les pièces de monnaie, la céramique ou d’autres types d’objets. Dans la mythologie grecque, les gorgones étaient trois sœurs, Euryale, Stheno et la plus redoutée de toutes, Méduse. Avec leurs ailes, leurs griffes, leurs dents acérées et une tête couverte de serpents, les gorgones pouvaient transformer en pierre leur ennemi d’un simple regard.
Persée, le héros mythologique, a pu couper la tête de Méduse en regardant à travers un miroir pour éviter le regard pétrifiant de la gorgone. Le cheval ailé Pégase est né du sang coulant le long de son cou et dégoulinant dans l’océan.
Inspirés par le mythe, les artistes ont souvent représenté la tête de Méduse sur des éléments architecturaux ou des objets. Ce faisant, ils croyaient qu’il avait acquis le pouvoir d’effrayer leur ennemi ou de le protéger contre les forces du mal. Ce fragment de Méduse a été retrouvé dans les ruines du temple étrusque du Belvédère à Orvieto, en Italie.
3. La Tête de Méduse , par Peter Paul Rubens, 1617-18
Le peintre baroque flamand Peter Paul Rubens a également réalisé un épouvantable portrait de Méduse. Le peintre excellait dans la représentation des carnations. Dans La Tête de Méduse , il a utilisé ses compétences pour rendre la peau verdâtre de la gorgone morte. L’effet de clair-obscur ajoute à la dramatisation de la scène. Frans Snyders, un artiste flamand spécialisé dans la peinture animalière, a peut-être peint les serpents et les insectes entourant Méduse.
La méduse de Rubens a impressionné ses contemporains, inspirant d’autres artistes à représenter la gorgone maléfique. La représentation de Méduse a perdu son pouvoir protecteur et a acquis une signification plus symbolique à la place. Les serpents représentent les mauvaises pensées de l’ennemi dans la peinture de Rubens, échappant à sa tête saignante.
4. Les Tentations de saint Antoine , par Hieronymus Bosch, ca. 1500
Antoine le Grand était un moine chrétien vivant en ermite dans le désert égyptien à la fin du IIIe siècle. Pendant ses années dans le désert, le diable lui-même et ses monstres maléfiques ont tenté Anthony et ont tenté de le séduire.
Les tentations de saint Antoine ont été un sujet de prédilection pour les artistes afin de mettre en valeur leur talent inventif. Depuis le Moyen Âge et jusqu’au XXe siècle, de nombreuses représentations du sujet ont été réalisées. Ce décor permettait aux artistes de représenter des scènes infernales peuplées de créatures horripilantes.
Hieronymus Bosch, le peintre néerlandais qui maîtrisait la représentation de l’enfer, a peint une quinzaine de scènes illustrant les tentations de saint Antoine. Dans ce triptyque exposé au Musée national d’art ancien de Lisbonne, au Portugal, saint Antoine se dresse seul au milieu de monstres malveillants. Bosch a dépeint la lutte entre le bien et le mal, avec les sept péchés capitaux personnifiés.
5. Le fantôme de Kohada Koheiji , par Katsushika Hokusai, 1833 (période Edo)
Cette estampe du japonais Katsushika Hokusai fait partie de la série One Hundred Ghost Tales . Pendant la période Edo (1603-1867), les histoires de fantômes étaient très populaires. Habituellement, on leur disait la nuit en jouant à un jeu connu sous le nom de Hyakumonogatari Kaidankai . Dans une salle éclairée par une centaine de lampes à huile, chaque joueur raconte à l’assemblée l’histoire d’une rencontre surnaturelle qu’il a vécue. Après chaque histoire, le conteur devait souffler une lampe jusqu’à ce qu’elles soient toutes éteintes et que la pièce devienne noire. Ensuite, les esprits sortiraient soi-disant dans la chambre noire.
L’illustre peintre et graveur Hokusai avait peut-être l’intention de réaliser une centaine d’estampes sur ce thème. Pourtant, seuls cinq sont connus aujourd’hui. Chacun d’eux représente un Yōkai , une sorte d’esprit du folklore japonais.
Selon la légende, Kohada Koheiji, un acteur de la période Edo, aurait été tué par sa femme et son amant. Dans cette estampe, son fantôme revient hanter le couple meurtrier illégitime. Dans une fureur incontrôlée, le fantôme a tué sa femme et son amant avant de se suicider.
6. Elle , de Gustav-Adolf Mossa, 1905
À première vue, la femme avec son joli visage semble plutôt inoffensive. Cependant, en y regardant de plus près, nous remarquons qu’elle se tient au sommet d’un tas de corps ensanglantés. Avec sa tête couronnée de corbeaux et de crânes, elle a l’air tout à fait vicieuse.
Peintre et illustrateur français, Gustav-Adolf Mossa est aujourd’hui considéré comme le dernier peintre français du symbolisme. À la fin du XIXe siècle, le symbolisme s’est transformé en une esthétique décadente. Il est caractéristique de l’art de Mossa. La littérature classique a également inspiré son travail. Il a utilisé des personnages classiques pour représenter les problèmes de son temps, la Belle Époque. Les femmes sont omniprésentes dans le travail de Mossa. Il les dépeint comme des femmes fatales, angéliques et diaboliques à la fois.
Dans ce tableau, Mossa représente une courtisane. Elle représentait la femme vénale par excellence, ensorcelant et contrôlant les hommes qui venaient chercher ses services. Mossa a méticuleusement représenté chaque détail de cette femme cruelle et de son environnement. Elle ne porte que des bijoux et regarde directement le spectateur, debout sur les corps miniaturisés des hommes qu’elle a torturés et tués.
7. Le Cauchemar , par Henry Fuseli, 1781
Le Cauchemar du peintre suisse Henry Fuseli offre un spectacle troublant au spectateur. Il a décrit la paralysie du sommeil, un état qui peut arriver à n’importe qui. Lorsqu’une personne s’endort ou se réveille, un phénomène inquiétant de paralysie consciente peut se produire, cela provoque un sentiment d’impuissance et de terreur dans l’esprit de la victime, car elle ne peut ni bouger ni parler.
Dans l’imagination de Fuseli, la paralysie du sommeil apparaît comme des monstres prenant le contrôle d’une femme sans défense. Un démon se dresse sur sa poitrine tandis qu’une tête de cheval spectrale apparaît derrière un rideau. Cet élément vient d’une interprétation littérale du terme « cauchemar », la jument de la nuit. Certains voient dans ce tableau les prémisses des théories de Sigmund Freud. Dans les années 1920, Freud avait même une copie du tableau de Fuseli sur le mur de son appartement.
8. Couple de personnes âgées avec un jeune esprit féminin , par William Hope, ca. 1920
Parallèlement à la popularité croissante du spiritisme et au développement de la photographie, la fin du XIXe siècle voit l’émergence d’une forme d’art étrange : la photographie spirituelle ou photographie fantôme. Des fantômes ont commencé à apparaître sur les photographies pendant que les gens posaient, perturbant leur apparence finale.
Des guerres violentes ont marqué le XIXe siècle dans le monde occidental. La mort faisait partie de la vie et, dans leur chagrin, les familles s’accrochaient à chaque souvenir de leurs proches disparus. Au cours des années 1850, les photographes ont découvert un moyen de capturer les fantômes. Les premières photographies d’esprit ont été créées par accident. Comme prendre des photos nécessitait une longue exposition, les personnes ou les objets se déplaçant devant l’objectif laissaient une forme transparente sur l’image. Plus tard, ils ont utilisé la double exposition pour insérer des « fantômes » dans les photographies.
L’activité de la photographie spirituelle a rapidement explosé. Le photographe anglais William Hope a suivi la tendance et est devenu célèbre pour ses photographies d’esprit à double exposition. Il a pris des photos avec «l’esprit» des proches décédés de ses clients. Ses photographies ont trompé plusieurs célébrités, dont Sir Arthur Conan Doyle, le père de Sherlock Holmes.
9. Lucifer , de Franz von Stuck, 1891
Associé à Vénus et à l’Étoile du Matin dans la mythologie romaine, Lucifer était connu sous le nom de Porteur de Lumière . Ce n’est que lorsqu’il a été assimilé à la tradition chrétienne qu’il est devenu un être maléfique. D’abord ange déchu se rebellant contre Dieu, Lucifer incarnera plus tard le diable.
La représentation cauchemardesque de Lucifer par le peintre allemand Franz von Stuck a certainement la capacité de déranger le public. Avec ses traits sombres et ses yeux clairs perçants, Lucifer regarde droit dans les yeux du spectateur. Il a une posture étrange, presque prêt à sauter. Un léger rayon de lumière est le seul rappel du statut passé de Lucifer en tant que porteur de lumière.
Franz von Stuck est un membre fondateur de la Sécession de Munich et est principalement connu pour peindre des sujets mythologiques et allégoriques. Il était particulièrement fasciné par les êtres maléfiques, utilisant une palette de couleurs sombres pour les représenter. La peinture de Von Stuck a rejoint la collection d’art royal de Ferdinand Ier de Bulgarie moins d’un an après sa création. Au moins un homme n’a pas eu trop peur d’acquérir le portrait du diable.
10. La Ballade de Lénore , ou Les Morts voyagent vite , par Horace Vernet, 1839
Dans ce tableau, le peintre français Horace Vernet s’est inspiré de la ballade gothique Lenore , écrite en 1773 par le poète allemand Gottfried August Bürger. La ballade de Bürger a contribué de manière significative à l’essor de la littérature vampirique.
Fervent partisan de Napoléon Bonaparte, Vernet était surtout connu pour ses peintures militaires ou orientalistes. Au lieu de cela, La ballade de Lenore montre un lien fort avec le romantisme. Vernet a dépeint l’histoire de Lenore, une jeune femme attendant désespérément le retour de son amant, William. Soldat dans l’armée du roi Frédéric II de Prusse, Guillaume n’est jamais revenu après la fin de la guerre de Sept Ans. Douloureuse, Lenore a blâmé Dieu pour ses malheurs et a exprimé ses pensées blasphématoires à sa mère.
Suite à ses méfaits, Lenore a été amenée à accompagner un inconnu qu’elle pensait être William. L’étranger l’a invitée à faire une promenade à cheval et Lenore l’a rejoint avec joie. L’accélération du cheval effraya Lenore. Alors qu’il se dirigeait vers le cimetière, l’inconnu s’est transformé en un squelette terrifiant. La mort elle-même a emmené Lenore dans sa tombe, où elle a rejoint le cadavre de son amant décédé, William. Cette histoire effrayante illustre le triomphe de la mort sur l’amour, une bien sombre perspective !
