Nel corso dei secoli, mostri e creature malvagie hanno popolato innumerevoli opere d’arte. Questo fascino nasceva dal bisogno di esprimere le paure umane, ma era anche un modo per rappresentare i vizi degli uomini. Inoltre, i mostri e le creature hanno offerto agli artisti l’opportunità di dare libero sfogo alla loro immaginazione. Per secoli, gli artisti hanno seguito regole stabilite e hanno rappresentato principalmente scene religiose o mitologiche. Dipingere o scolpire paesaggi pieni di mostri da incubo ha permesso loro di esplorare completamente la loro creatività.
1. Scena della Passione di Cristo , di Giovanni Canavesio, XV secolo
Questa scena spaventosa, piena di mostri e creature vili, fa parte degli affreschi dipinti sulle pareti della cappella di Nostra Signora delle Fontane a La Brigue, nel sud-ovest della Francia, vicino al confine italiano. Tra il 1490 e il 1492, il sacerdote e pittore italiano Giovanni Canavesio dipinse le grandiose scene religiose che si estendevano sulle pareti interne di questa cappella dall’aspetto piuttosto semplice.
Oltre ad altre scene della Passione di Cristo , Canavesio raffigura il Leviatano, un drago che ingoia i dannati nel giorno del giudizio. In un momento in cui carestie, pandemie e guerre uccisero inaspettatamente, le persone temevano e, allo stesso tempo, erano affascinate dalla morte. Gli artisti hanno prodotto rappresentazioni impressionanti di inferni furiosi o scene di danza che mescolano scheletri e umani, esprimendo l’angoscia e le paure degli uomini.
2. Gorgoneion etrusco , V secolo a.C
Il Gorgoneion è il nome dato alla rappresentazione di una testa di Gorgone, che si trova spesso nell’architettura antica greca e romana, scudi, monete, ceramiche o altri tipi di oggetti. Nella mitologia greca, le gorgoni erano tre sorelle, Euriale, Steno, e la più temuta di tutte, Medusa. Con le loro ali, artigli, denti aguzzi e una testa ricoperta di serpenti, le gorgoni potevano trasformare in pietra il loro nemico con un semplice sguardo.
Perseo, l’eroe mitologico, riuscì a tagliare la testa di Medusa guardando attraverso uno specchio per evitare lo sguardo pietrificante della gorgone. Il cavallo alato Pegaso è nato dal sangue che le scorre lungo il collo e gocciola nell’oceano.
Ispirandosi al mito, gli artisti hanno spesso raffigurato la testa di Medusa su elementi o oggetti architettonici. In tal modo, credevano che ottenesse il potere di spaventare i loro nemici o proteggerli dalle forze del male. Questo frammento di Medusa è stato trovato nelle rovine del Tempio etrusco del Belvedere ad Orvieto, in Italia.
3. La testa di Medusa , di Peter Paul Rubens, 1617-18
Anche il pittore barocco fiammingo Peter Paul Rubens realizzò un terribile ritratto di Medusa. Il pittore eccelleva nella rappresentazione delle carnagioni. In The Head of Medusa , ha usato le sue abilità per rendere la pelle verdastra della gorgone morta. L’effetto chiaroscurale si aggiunge alla drammatizzazione della scena. Frans Snyders, un artista fiammingo specializzato in pittura di animali, potrebbe aver dipinto i serpenti e gli insetti che circondano Medusa.
La Medusa di Rubens ha impressionato i suoi contemporanei, ispirando i colleghi artisti a rappresentare la gorgone malvagia. La raffigurazione di Medusa ha perso il suo potere protettivo e ha invece acquisito un significato più simbolico. I serpenti rappresentano i cattivi pensieri del nemico nel dipinto di Rubens, sfuggendo alla sua testa sanguinante.
4. Le tentazioni di sant’Antonio , di Hieronymus Bosch, ca. 1500
Antonio il Grande era un monaco cristiano vissuto come eremita nel deserto egiziano alla fine del III secolo. Durante i suoi anni nel deserto, il Diavolo stesso ei suoi mostri malvagi tentarono Anthony e cercarono di sedurlo.
Le tentazioni di Sant’Antonio sono state l’argomento preferito dagli artisti per mostrare il loro talento inventivo. Dal medioevo e fino al XX secolo sono state realizzate numerose rappresentazioni del soggetto. Questa impostazione ha permesso agli artisti di rappresentare scene infernali piene di creature da far rizzare i capelli.
Hieronymus Bosch, il pittore olandese che padroneggiò la rappresentazione dell’Inferno, dipinse circa 15 scene che illustravano le tentazioni di Sant’Antonio. In questo trittico esposto al Museo Nazionale d’Arte Antica di Lisbona, in Portogallo, Sant’Antonio si erge da solo in mezzo a mostri malvagi. Bosch ha raffigurato la lotta tra il Bene e il Male, con i sette peccati capitali personificati.
5. Il fantasma di Kohada Koheiji , di Katsushika Hokusai, 1833 (periodo Edo)
Questa stampa del giapponese Katsushika Hokusai fa parte della serie One Hundred Ghost Tales . Durante il periodo Edo (1603-1867), le storie di fantasmi erano molto popolari. Di solito, veniva detto loro di notte mentre giocavano a un gioco noto come Hyakumonogatari Kaidankai . In una stanza illuminata da cento lampade a olio, ogni giocatore ha raccontato all’assemblea una storia su un incontro soprannaturale che ha vissuto. Dopo ogni storia, il narratore ha dovuto spegnere una lampada fino a quando non si sono spenti tutti e la stanza è diventata nera come la pece. Quindi, presumibilmente, gli spiriti sarebbero usciti nella stanza buia.
L’illustre pittore e incisore Hokusai potrebbe aver inteso produrre un centinaio di stampe su questo tema. Eppure, solo cinque sono conosciuti oggi. Ognuno di loro raffigura uno Yōkai , una specie di spirito nel folklore giapponese.
Secondo la leggenda, Kohada Koheiji, attore del periodo Edo, fu ucciso dalla moglie e dal suo amante. In questa stampa, il suo fantasma torna a perseguitare la coppia illegittima omicida. In una furia incontrollata, il fantasma uccise sua moglie e il suo amante prima di uccidersi.
6. Lei , di Gustav-Adolf Mossa, 1905
A prima vista, la donna con il suo bel viso sembra piuttosto innocua. Tuttavia, a un esame più attento, notiamo che si trova in cima a un mucchio di corpi insanguinati. Con la testa coronata da corvi e teschi, ha un aspetto assolutamente malvagio.
Il pittore e illustratore francese Gustav-Adolf Mossa è oggi considerato l’ultimo pittore del simbolismo francese. Alla fine del 19° secolo, il simbolismo si è evoluto in un’estetica decadente. È caratteristico dell’arte di Mossa. Anche la letteratura classica ha ispirato il suo lavoro. Ha usato personaggi classici per rappresentare i problemi del suo tempo, la Belle Époque. Le donne sono onnipresenti nel lavoro di Mossa. Le ha ritratte come femmes fatales, angeliche e malvagie allo stesso tempo.
In questo dipinto, Mossa ritrae una cortigiana. Rappresentava l’ultima donna venale, ammaliando e controllando gli uomini che venivano in cerca dei suoi servizi. Mossa dipinse meticolosamente ogni dettaglio di questa donna crudele e di ciò che la circondava. Indossa solo gioielli e guarda dritto verso lo spettatore, in piedi sopra i corpi miniaturizzati degli uomini che ha torturato e ucciso.
7. L’incubo , di Henry Fuseli, 1781
L’incubo del pittore svizzero Henry Fuseli offre allo spettatore uno spettacolo inquietante. Ha rappresentato la paralisi del sonno, uno stato che può capitare a chiunque. Quando una persona si addormenta o si sveglia, può verificarsi un fenomeno inquietante di paralisi mentre è cosciente, provoca una sensazione di impotenza e terrore nella mente della vittima, poiché non può né muoversi né parlare.
Nell’immaginazione di Fuseli, la paralisi del sonno appare come mostri che prendono il controllo di una donna indifesa. Un demone sta sul suo petto mentre una testa di cavallo spettrale appare dietro una tenda. Questo elemento deriva da un’interpretazione letterale del termine “incubo”, la cavalla della notte. Alcune persone vedono in questo dipinto le premesse delle teorie di Sigmund Freud. Negli anni ’20, Freud aveva persino una copia del dipinto di Fuseli sul muro del suo appartamento.
8. Coppia di anziani con un giovane spirito femminile , di William Hope, ca. 1920
Insieme alla crescente popolarità dello spiritualismo e allo sviluppo della fotografia, la fine del XIX secolo vide l’emergere di una strana forma d’arte: la fotografia degli spiriti o la fotografia dei fantasmi. I fantasmi hanno iniziato ad apparire nelle fotografie mentre le persone erano in posa, disturbando il loro aspetto finale.
Violente guerre hanno segnato il 19° secolo nel mondo occidentale. La morte faceva parte della vita e, nel loro dolore, le famiglie si aggrappavano a ogni ricordo dei loro cari perduti. Durante il 1850, i fotografi scoprirono un modo per catturare i fantasmi. Le prime fotografie spirituali sono state create per caso. Poiché scattare foto richiedeva una lunga esposizione, le persone o gli oggetti che si muovevano davanti all’obiettivo lasciavano sull’immagine una forma trasparente. Successivamente, hanno utilizzato la doppia esposizione per inserire “fantasmi” nelle fotografie.
Il business della fotografia spirituale è esploso rapidamente. Il fotografo inglese William Hope ha seguito la tendenza ed è diventato famoso per le sue fotografie di spirito a doppia esposizione. Scattava foto con lo “spirito” dei cari defunti dei suoi clienti. Le sue fotografie hanno ingannato diverse celebrità, tra cui Sir Arthur Conan Doyle, il padre di Sherlock Holmes.
9. Lucifero , di Franz von Stuck, 1891
Associato a Venere e alla Stella del Mattino nella mitologia romana, Lucifero era conosciuto come il Portatore di Luce . Solo quando fu assimilato alla tradizione cristiana, divenne un essere malvagio. In primo luogo, un angelo caduto che si ribellava a Dio, Lucifero in seguito incarnò il diavolo.
La rappresentazione da incubo di Lucifero del pittore tedesco Franz von Stuck ha certamente la capacità di disturbare il pubblico. Con i suoi lineamenti scuri e gli occhi chiari e penetranti, Lucifero guarda dritto negli occhi dello spettatore. Ha una strana postura, quasi pronto a saltare. Un leggero raggio di luce è l’unico promemoria dello stato passato di Lucifero come portatore di luce.
Franz von Stuck è un membro fondatore della Secessione di Monaco ed è noto principalmente per la pittura di soggetti mitologici e allegorici. Era particolarmente affascinato dagli esseri malvagi, usando una tavolozza di colori scuri per rappresentarli. Il dipinto di Von Stuck è entrato a far parte della collezione d’arte reale di Ferdinando I di Bulgaria meno di un anno dopo la sua creazione. Almeno un uomo non aveva troppa paura di acquisire il ritratto del diavolo.
10. The Ballad of Lenore , o The Dead Travel Fast , di Horace Vernet, 1839
In questo dipinto, il pittore francese Horace Vernet si ispirò alla ballata gotica Lenore , scritta nel 1773 dal poeta tedesco Gottfried August Bürger. La ballata di Bürger ha contribuito in modo significativo al boom della letteratura sui vampiri.
Fervente sostenitore di Napoleone Bonaparte, Vernet era noto soprattutto per i suoi dipinti militari o orientalisti. Invece, The Ballad of Lenore mostra un forte legame con il Romanticismo. Vernet descrisse la storia di Lenore, una giovane donna che aspetta disperatamente il ritorno del suo amante, William. Soldato dell’esercito del re Federico II di Prussia, Guglielmo non tornò mai più dopo la fine della Guerra dei Sette Anni. Addolorata, Lenore incolpò Dio per le sue disgrazie e espresse i suoi pensieri blasfemi a sua madre.
In seguito alla sua trasgressione, Lenore è stata indotta con l’inganno ad accompagnare uno sconosciuto che pensava fosse William. Lo sconosciuto la invitò a fare un giro sul suo cavallo e Lenore lo raggiunse felicemente. L’accelerazione del cavallo ha spaventato Lenore. Mentre si dirigeva al cimitero, lo sconosciuto si trasformò in uno scheletro terrificante. La morte stessa portò Lenore nella sua tomba, dove si unì al cadavere del suo amante morto, William. Questa storia spaventosa illustra il trionfo della morte sull’amore, una prospettiva piuttosto cupa!
