Il cubismo è un movimento artistico moderno emerso intorno al 1907 a Parigi, in Francia. Quattro caratteristiche importanti del Cubismo sono l’applicazione di prospettive multiple, l’uso di forme geometriche, una tavolozza di colori monocromatici e un piano dell’immagine appiattito.
L’innovativa gestione della forma, del colore e della prospettiva da parte del Cubismo segna un cambiamento rispetto alle convenzioni esistenti della pittura modernista europea. Il cubismo ha reimmaginato il trattamento della forma rifiutando le tradizioni di prospettiva, modellazione e scorcio. Il risultato di questo metodo era una composizione fortemente astratta che rappresentava il soggetto da tutte le angolazioni o con piani d’immagine sovrapposti.
Prospettive multiple
I cubisti intendevano rappresentare l’intera struttura degli oggetti e delle persone nei loro dipinti senza utilizzare tecniche come la prospettiva o l’ombreggiatura graduata per farli sembrare realistici. Volevano mostrare i loro soggetti come erano realmente piuttosto che creare un’illusione di un oggetto o di una persona.
L’uso della prospettiva lineare e l’illusione della profondità favorita dal movimento rinascimentale erano in netto contrasto con la bidimensionalità che i cubisti lavoravano per definire. Gli artisti cubisti raffiguravano i loro soggetti da più prospettive simultaneamente, lavorando per rappresentare ogni angolo del soggetto sulla superficie piatta di una tela e all’interno di un unico piano dell’immagine.
L’immagine qui sotto raffigura le Case a Parigi (Maisons à Paris) di Juan Gris (1911), dove la struttura sembra essere visibile da più angolazioni contemporaneamente. Il risultato è una casa che appare distorta ma ancora riconoscibile come tale.
Forme geometriche
Immagini cubiche e altre forme geometriche come coni, sfere e cilindri compaiono spesso nei primi dipinti cubisti e, più tardi, nelle sculture cubiste. I cubisti ritenevano di poter ritrarre più accuratamente la forma di un soggetto utilizzando forme geometriche per rappresentarne i vari lati e angoli. L’uso di forme geometriche ha sostituito tecniche come la prospettiva e l’ombreggiatura, che enfatizzavano la piattezza bidimensionale della tela.
L’immagine sottostante raffigura il dipinto di Pablo Picasso intitolato Ragazza con mandolino (1910), in cui varie forme geometriche si uniscono per suggerire la forma di una ragazza che suona un mandolino.
Palette di colori monocromatici
I colori vivaci non furono tipicamente utilizzati nei dipinti cubisti fino a molto più tardi nel movimento. I primi pittori cubisti prediligevano i toni tenui del grigio, del nero e dell’ocra rispetto ai colori più audaci come il verde o il rosa. Uno schema di colori semplificato ha creato una maggiore enfasi sulla struttura e sulla forma del soggetto.
L’immagine sottostante raffigura il dipinto di Georges Braque intitolato Natura morta (violino e candeliere) (1910), in cui sono evidenti le sfumature di marrone e grigio. I cubisti semplificarono la loro tavolozza di colori per porre maggiore enfasi sulla struttura del soggetto stesso.
Piano immagine appiattito
Il piano dell’immagine è comunemente noto come la superficie della tela. Tuttavia, prima del Cubismo, la pittura illusionistica trattava il piano del quadro come una finestra su una scena, dove i soggetti erano rappresentati in modo rappresentativo e i pittori creavano l’illusione della realtà all’interno dell’opera. I cubisti rifiutano l’illusione e credono che tutti gli elementi di un soggetto debbano essere visibili sul piano del quadro. I cubisti pensavano anche che questa fosse una rappresentazione più onesta della realtà rispetto ai loro predecessori più tradizionali o “accademici”.
L’immagine sottostante raffigura il dipinto di Pablo Picasso intitolato Ciotola di frutta, violino e bottiglia (1914) che, a prima vista, mostra più pezzi di oggetti diversi che sembrano quasi irriconoscibili. A un’osservazione più attenta, la ciotola di frutta, il violino e la bottiglia sembrano essere stati smontati e poi riassemblati pezzo per pezzo, con ogni angolo rappresentato in un piano bidimensionale.
Caratteristiche del cubismo analitico
Il Cubismo analitico, la prima fase del Cubismo che durò dal 1907 al 1912, è caratterizzato soprattutto da dipinti che rappresentano un soggetto da più punti di vista sovrapposti all’interno di un unico piano dell’immagine. Le opere risultanti hanno un aspetto frammentato, geometrico e astratto. Anche i dipinti cubisti analitici erano in gran parte monocromatici e utilizzavano toni terrosi.
Il Cubismo analitico si differenzia dai movimenti artistici precedenti, come l’Impressionismo, dove la composizione è frammentata fino all’astrazione. Tuttavia, gli artisti impressionisti utilizzavano colori vivaci che enfatizzavano gli effetti della luce sulla natura. Il cubismo, invece, sovrapponeva più angolazioni e piani d’immagine che facevano apparire il soggetto altamente irrealistico o non rappresentativo.
Caratteristiche del cubismo sintetico
Intorno al 1912 emerge la seconda grande fase del Cubismo: Il Cubismo sintetico. Mentre il Cubismo analitico privilegiava l’analisi di forme decostruite e composizioni che rappresentavano prospettive multiple sullo stesso piano dell’immagine, molti artisti che lavoravano nello stile cubista sintetico preferivano appiattire completamente il soggetto, creando rappresentazioni bidimensionali di oggetti e persone.
Questo nuovo modo di concepire la forma avrebbe finito per influenzare il lavoro di Pablo Picasso e Georges Braque al di là delle convenzioni del cubismo. Molti dei movimenti artistici che seguirono abbracciarono le numerose nuove tecniche che si manifestavano nelle opere del Cubismo sintetico.
La tavolozza di colori neutri e terrosi del Cubismo analitico si evolve anche per includere colori più audaci e forme semplici, pur mantenendo i piani sovrapposti già centrali nelle opere cubiste. Il passaggio a colori audaci e non mescolati visto nel Cubismo sintetico è spesso considerato un precursore delle opere d’arte semplici ma vibranti del movimento della Pop Art.
Gli artisti cubisti sintetici formalizzarono anche la tecnica del papier collé, che consiste nell’incollare pezzi di carta su una superficie piana come una tela, oggi nota più comunemente come collage. La tecnica del papier collé rende le composizioni ancora più piatte rispetto alla fase del Cubismo analitico.
Il commento politico che fu importante per la fase successiva del Cubismo influenzò anche i movimenti artistici che emersero durante entrambe le guerre mondiali e il periodo postbellico. Le forme sfaccettate e multidimensionali del Cubismo hanno influenzato direttamente molti artisti del XX secolo e movimenti artistici moderni come il Dadaismo, il Surrealismo, il Futurismo, il Suprematismo, il Costruttivismo e De Stijl.
