Che cos’è il fotorealismo?
Il fotorealismo si riferisce all’arte visiva basata su una fotografia, in cui il soggetto della fotografia è riprodotto in modo minuzioso attraverso la pittura, la scultura o altri mezzi. Il fotorealismo si riferisce spesso a un movimento artistico americano nato alla fine degli anni ’60, ma anche in Europa gli artisti creavano arte fotorealista nello stesso periodo. A partire dagli anni Settanta, il termine Fotorealismo è stato utilizzato anche in senso più ampio nell’ambito delle arti visive per descrivere un genere di opere d’arte altamente realistiche.
Opere d’arte fotorealiste degne di nota
Storia del fotorealismo
Alla fine degli anni Sessanta, il fotorealismo è emerso negli Stati Uniti come reazione all’espressionismo astratto. Gli artisti fotorealisti apprezzavano il realismo e rifiutavano le nozioni di astrazione e idealismo popolari nelle arti visive.
Come gli artisti pop, i fotorealisti apprezzavano la pianificazione deliberata come parte del loro processo piuttosto che la spontaneità, l’improvvisazione e l’automatismo.
Il fotorealismo è conosciuto anche come iperrealismo, nuovo realismo, realismo a fuoco e pittura superrealista, nomi concepiti per descrivere il lavoro di molti artisti che hanno usato fotografie come riferimento per le loro opere d’arte altamente realistiche. Sebbene il fotorealismo fosse visto come un’avanguardia, i suoi processi esigenti strizzavano l’occhio alle tecniche tradizionali dell’arte accademica apprezzate quasi un secolo prima.
All’autore e mercante d’arte americano Louis K. Meisel si attribuisce il merito di aver coniato il termine Fotorealismo nel 1969. Nel 1970, Meisel ha usato questo termine per etichettare le opere d’arte in una mostra al Whitney Museum di New York. Nel 1972-73, Meisel sviluppò una definizione di Fotorealismo che includeva cinque criteri centrali:
- Il fotorealista usa la macchina fotografica e la fotografia per raccogliere informazioni.
- Il fotorealista utilizza un mezzo meccanico o semi-meccanico per trasferire le informazioni sulla tela.
- Il Foto-Realista deve avere la capacità tecnica di far apparire il lavoro finito come fotografico.
- L’artista deve aver esposto opere come fotorealista entro il 1972 per essere considerato uno dei fotorealisti centrali.
- L’artista deve aver dedicato almeno 5 anni allo sviluppo e all’esposizione di opere fotorealiste. [1]
Questi criteri hanno definito la prima e la seconda generazione di artisti fotorealisti. L’artista americano Chuck Close, ad esempio, è stato un artista fotorealista di prima generazione.
Temi dell’arte fotorealista
Molti famosi artisti fotorealisti hanno realizzato dipinti fotorealistici che dimostrano un interesse per gli oggetti dell’industria e i macchinari, come automobili, motociclette e camion. In Sherwin Williams Chevy, del 1975, Ralph Goings ha dipinto un camion Chevrolet blu intenso parcheggiato davanti a un negozio Sherwin Williams con una tale precisione che lo spettatore potrebbe facilmente scambiarlo per una fotografia; un evento comune nella pittura fotorealistica.
Anche gli oggetti meccanici che riflettono il tempo libero e la cultura popolare sono stati considerati come soggetti dell’arte fotorealista, come il dipinto fotorealista dell’artista Charles Bell, Gum Ball No. 10: “Sugar Daddy”, del 1975. Come la Pop art, il movimento fotorealista ha esplorato le ossessioni e i tempi morti della cultura americana.
Tuttavia, il Fotorealismo non comprendeva la stessa critica intenzionale alla cultura americana del movimento della Pop art. Sebbene molte opere del Fotorealismo siano piene di icone della cultura di massa e di consumo americana, come i fast food e gli oggetti meccanici, non erano tipicamente critiche nei confronti di queste icone in un contesto socio-politico.
Negli anni Sessanta e Settanta, e fino a tempi recenti, gli artisti fotorealisti di sesso maschile hanno ottenuto i maggiori riconoscimenti. Audrey Flack è una delle poche artiste riconosciute, accanto ai suoi contemporanei uomini, come artista fotorealista di prima generazione. L’opera di Flack segue temi simili ed esplora il mondo degli oggetti attraverso la pittura di nature morte e successivamente la scultura. Il suo lavoro va oltre la pura osservazione e crea connessioni tra gli oggetti del passato e quelli del presente, sfidando le rappresentazioni stereotipate e archetipiche delle donne.
L’uso della fotografia nell’arte fotorealista
Gli artisti hanno utilizzato la macchina fotografica come strumento per l’arte visiva fin dall’avvento della fotografia all’inizio del 1800. In effetti, la tecnica di creazione delle prime immagini offerta dalla camera oscura e dalla camera lucida era comune nel 1600 tra i pittori dell’Antico Maestro, come Rembrandt e Vermeer.
Precursori delle moderne macchine fotografiche, la camera oscura e la camera lucida proiettavano un’immagine su un pannello interno. L’immagine veniva poi ricalcata e dipinta, diventando molti dei capolavori che conosciamo oggi.
L’evoluzione della creazione di immagini ha aiutato gli artisti a studiare i loro soggetti in un modo che l’osservazione diretta non poteva fare. Attraverso la proiezione e la fotografia, i soggetti dei ritratti, tra le altre istanze fugaci, potevano essere congelati nel tempo e rivisitati a piacimento dell’artista.
Tuttavia, la dipendenza dalla fotografia è stata ampiamente disapprovata fino a quando i fotorealisti non l’hanno rivendicata come parte vitale dei loro processi artistici. Mentre gli artisti precedenti esitavano a rivelare l’uso di riferimenti fotografici, gli artisti fotorealisti miravano a replicare gli effetti della fotografia attraverso un altro mezzo. Questa tecnica ha messo in discussione i processi artistici tradizionali e le differenze tra ciò che è “vita reale” e ciò che è artificiale.
Molti artisti che lavoravano nel genere del Fotorealismo, a partire dagli anni Sessanta, usavano diapositive per proiettare le immagini sulle loro tele. L’uso delle proiezioni come guida per i loro processi pittorici significava che gli artisti fotorealisti stavano anche considerando il rapporto tra luce e colore, dove le proiezioni cinematografiche univano entrambi come un unico elemento.
Scultura fotorealistica
Il fotorealismo è tipicamente associato alla pittura, ma scultori come Duane Hanson dimostrano un ramo dell’arte fotorealista chiamato Verismo. Le sculture di Hanson sono spesso riproduzioni realistiche di persone comuni. Janitor, del 1973, è una scultura dipinta di un inserviente con capelli e vestiti veri.
A differenza di altri fotorealisti, le opere di Hansen riflettono solitamente questioni sociali e politiche. La sua scultura Janitor evidenzia la natura eroica, spesso trascurata, delle persone comuni nella società americana. Proprio come il precedente movimento realista, Hansen eleva le persone della classe operaia portando le loro sembianze nel mondo dell’arte. Hansen raffigura questo particolare soggetto senza idealizzazione, facendo addirittura in modo che la scultura debba appoggiarsi a una parete per rimanere in piedi.
Il fotorealismo oggi
Gli artisti fotorealisti originali hanno sviluppato tecniche che non solo hanno sconvolto la definizione di arte, ma rimangono vitali per l’arte contemporanea. Le capacità apparentemente illimitate della tecnologia digitale consentono agli artisti di utilizzare la fotografia e altri strumenti di imaging digitale per esplorare il confine tra realtà e artificialità in un modo completamente nuovo.
L’arte fotorealistica di oggi fa eco alle fascinazioni e ai difetti in continua evoluzione della società, come Internet, i social media e gli effetti negativi del capitalismo. Inoltre, celebra le voci emarginate e si fonde persino con il surreale.
I dipinti dell’artista americano Kehinde Wiley presentano soggetti contemporanei e icone come Barak Obama. Il famoso ritratto mostra Obama seduto su uno sfondo surreale di verde lussureggiante. L’uso che Wiley fa del fotorealismo, del simbolismo e del 44° presidente degli Stati Uniti coinvolge lo spettatore in una conversazione secolare su politica, razza e arte. L’opera di Wiley è uno dei tanti esempi di come il fotorealismo trovi spazio nell’arte contemporanea.
Riferimenti
[1] Meisel, Louis K. Fotorealismo. Harry N. Abrams, Inc., Editore, New York. 1980. p. 13.
Artisti fotorealisti di rilievo
- Chuck Close, 1940-2021, americano
- Carolyn Brad, 1937-2005, americana
- Audrey Flack, nata a. 1931, americano
- Richard Estes, nato a. 1932, americano
- Hilo Chen, b. 1942, taiwanese-americano
- Ralph Goings, 1928-2016, americano
- Duane Hanson, 1925-1996, americano
- Don Eddy, b. 1944, americano
- Idelle Weber, 1932-2020, americana
- Linda Bacon, nata a. 1942, americano
- Robert Bechtle, b. 1932, americano
- Robert Cottingham, b. 1935, americano
- Roberto Bernardi, b. 1974, italiano
- Franz Gertsch, b. 1930, Svizzera
- Raphaella Spence, nata a. 1978, inglese
- Bertrand Meniel, b. 1961, Francia
- Arinze Stanley Egbengwu, b. 1993, nigeriano
- Calida Rawles, b. 1976, americano
- Kehinde Wiley, b. 1977, americano
Termini artistici correlati
- Trompe l’oeil
- Realismo
- Fotografia
- Pop art
- Minimalismo
- Arte concettuale
- Natura morta
- Kitsch
- Arte contemporanea
