Che cos’è l’Op Art?
L’op art è una forma di arte visiva astratta che utilizza forme geometriche per creare illusioni ottiche. Il termine “Op Art” è l’abbreviazione di arte ottica. Con il movimento formale iniziato negli anni Sessanta, gli artisti op esplorano le teorie dell’ottica, della percezione e del colore creando motivi geometrici che creano illusioni ottiche e spesso danno allo spettatore l’impressione che l’opera d’arte sia in qualche modo in movimento.
Opere d’arte op notevoli
Storia della Op Art
Le illusioni ottiche risalgono all’antica Grecia e venivano utilizzate per esplorare le complessità della visione e della mente umana. Le immagini nascoste erano una forma popolare di illusione ottica, soprattutto nel XIX secolo, quando gli scienziati erano particolarmente interessati alla meccanica delle illusioni visive. Le illusioni ottiche divennero in seguito popolari nella società come forma di intrattenimento e furono utilizzate casualmente tra amici, in libri e riviste e persino in produzioni teatrali. Alla fine le illusioni ottiche sono entrate nel mondo dell’arte.
L’uso di illusioni ottiche nell’arte moderna e contemporanea è spesso chiamato arte ottica. L’arte ottica era una forma di arte astratta inizialmente popolare a New York e nella maggior parte dei Paesi europei, per poi espandersi in Sud America. Il termine Op Art è stato coniato ufficialmente nel 1964 in relazione ai principali sviluppi del movimento op art. La rivista Time ha definito l’Op Art come una forma di arte specificamente non oggettiva, o arte astratta, che utilizzava l’illusionismo pittorico per produrre illusioni ottiche. All’inizio, molti critici d’arte non apprezzavano l’op art per la sua estetica grafica, quasi commerciale.
Come qualsiasi altro movimento artistico, le tecniche e lo stile centrali dell’arte ottica si sono sviluppati nel tempo e con l’ispirazione di precedenti movimenti artistici moderni. Il neoimpressionismo, il cubismo, il futurismo, il costruttivismo e il dadaismo sono stati tutti precursori del movimento Op Art. Ogni movimento aveva un proprio trattamento unico del colore e della forma che alla fine si è combinato per influenzare l’arte ottica.
Artisti come Francis Picabia, Victor Vasarely e John McHale avevano realizzato dipinti ottici, quelli che in seguito sarebbero stati descritti come opere di op art, fin dagli anni Venti e Trenta. Opere come Optophone I di Francis Picabia del 1921-22 e il dipinto Zebras di Victor Vasarely del 1938 sono esempi dell’aspetto caratteristico dell’op art: bande di linee bianche e nere che sembrano spuntare dal dipinto e raggiungere lo spazio dello spettatore, mentre contemporaneamente fluttuano all’indietro nel piano dell’immagine. Creare questo senso ambiguo di profondità spaziale disorienterebbe la percezione dello spettatore su ciò che è in primo piano e ciò che è sullo sfondo.
Trompe-l’œil
, la tecnica di raffigurare gli oggetti come se esistessero nello spazio tridimensionale, ha avuto un’influenza particolarmente forte nonostante la rappresentazione storicamente iperrealista dei soggetti. Artisti dadaisti e surrealisti come Marcel Duchamp e Salvador Dalí hanno utilizzato il trompe-l’œil e le illusioni ottiche nelle loro fotografie, dipinti e persino sculture.
L’arte op è talvolta definita arte percettiva o arte retinica perché crea un’esperienza visiva basata sul funzionamento della visione umana. L’illusione del movimento e l’interazione dei colori erano aspetti chiave dell’op art perché potevano essere combinati per esplorare la capacità dell’arte di sfidare la nozione di percezione a livello fisiologico. Mentre altri movimenti sfidavano i limiti della percezione concettuale, o la comprensione di più concetti all’interno e al di là di un’opera d’arte, gli artisti op sfidavano ciò che gli spettatori vedevano effettivamente nell’arte.
Alla fine degli anni Sessanta, il successo dell’op art raggiunse l’apice nonostante la disapprovazione dei critici che vedevano il movimento come banale. Nel 1965, il Museum of Modern Art organizzò una mostra intitolata The Responsive Eye, la cui varietà di dipinti rappresentava l’op art come intersezione tra arte e scienza.
Sviluppi successivi della Op Art
Mentre l’op art è nata come movimento di pittura ottica, artisti come il fotografo ungherese László Molohy-Nagy hanno prodotto fotografie nello stesso stile. Moholy-Nagy insegnò anche l’op art fotografica al Bauhaus, la scuola tedesca fondata da Walter Gropius, e influenzò molti fotografi a proseguire in questo stile. Il Bauhaus ha svolto un ruolo importante nello stabilire il rapporto tra op art, ricerca psicologica e opere d’arte e design unificati e funzionali.
L’arte cinetica è un movimento artistico strettamente legato all’op art. La differenza principale tra i due movimenti è che l’arte cinetica utilizza generalmente forme tridimensionali per creare illusioni, mentre l’op art crea l’illusione della tridimensionalità su una superficie bidimensionale. Gli artisti cinetici presentano anche opere unificate come espressioni cinetiche basate su illusioni ottiche.
Gli effetti grafici e cromatici dell’op art la resero infine popolare in contesti commerciali, come la pubblicità, il che portò a un calo di popolarità nel mondo dell’arte entro il 1968. Tuttavia, artisti e architetti hanno continuato a esplorare gli effetti ottici e la mente umana. Per la sua disposizione quasi matematica di linee e forme, l’op art piace anche agli artisti e agli spettatori contemporanei. L’uso dei media digitali nella produzione artistica ha ampliato le possibilità dell’op art per creare illusioni ottiche che continuano a ipnotizzare gli spettatori di tutto il mondo.
Tecniche di Op Art
L’Op art spesso combina elementi distinti per creare un netto contrasto tra il primo piano e lo sfondo di un’opera d’arte. L’uso di linee in bianco e nero e di motivi astratti per creare un’astrazione geometrica è uno dei modi più popolari con cui gli artisti hanno creato l’op art. Di solito, le linee bianche e nere erano disposte in stretta prossimità l’una dell’altra, creando spesso un’immagine posticcia di alcuni colori che sembravano vibrare o lampeggiare. Nell’op art, gli spazi positivi e negativi si completano a vicenda e sono ugualmente importanti per la creazione del fenomeno ottico e luminoso.
Nella Teoria dei colori, lo scienziato tedesco Johann Wolfgang von Goethe sostiene che l’illusione del colore appare nel punto in cui la luce e il buio si incontrano, perché la luminosità e l’oscurità sono due proprietà fondamentali per la creazione del colore [1]. È per questo che la nostra retina percepisce il colore all’intersezione di linee ripetute in bianco e nero e di forme geometriche come le griglie in bianco e nero.
Mentre l’op art in bianco e nero era più popolare all’inizio del movimento, artisti come Bridget Riley, Julian Stanczak e Richard Anuskiewicz hanno iniziato a creare op art colorate. Gli artisti hanno spesso utilizzato i colori complementari nell’op art a base di colore perché i colori complementari (colori opposti l’uno all’altro sulla ruota dei colori) creano un contrasto vivido e simultaneo. Questo contrasto è stato utilizzato per creare profondità in una composizione e produrre una gamma più ampia di effetti sull’occhio rispetto alle opere in bianco e nero. Opere come Kezdi-Ga del 1970 dell’artista op franco-ungherese Victor Vasarely utilizzano il colore per creare un’illusione più intensa di forme e spazio tridimensionali. La forma architettonica dell’intera composizione sembra sporgere dalla superficie della carta verso lo spettatore.
Riferimenti
[1] von Goethe, Johann Wolfgang. (1810, 1970). La teoria del colore di Goethe. Londra: New Knowledge.
Artisti Op di rilievo
- Bridget Riley, nata a. 1931, inglese
- Richard Anuskiewicz, 1930-2020, americano
- Josef Albers, 1888-1976, tedesco
- Richard Allen, 1933-1999, inglese
- John McHale, 1922-1978, inglese
- Vera Molnár, b. 1924, ungherese
- Victor Vasarely, 1906-1997, ungherese-francese
- Frank Stella, nato a. 1936, americano
- Jean-Pierre Yvaral, 1934-2002, francese
- Jesús Rafael Soto, 1923-2005, venezuelano
- Carlos Cruz-Diez, 1923-2019, venezuelano
- Larry Poons, nato a. 1937, americano
- Jeffrey Steele, 1931-2021, inglese
Termini artistici correlati
- Arte astratta
- Minimalismo
- Trompe-l’œil
- Illusione ottica
- Arte cinetica
- Divisionismo
