La pop art è una miscela unica di belle arti e di cultura popolare e commerciale. Il movimento della Pop art nasce in Inghilterra, negli anni Cinquanta, con gli artisti Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton e Peter Blake. Pur avendo radici inglesi, la Pop art si è sempre basata sulla cultura americana. La Pop Art si diffonde a New York, dove artisti come Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Yayoi Kusama praticano il loro stile Pop Art.
L’arte contemporanea è l'”arte del presente” con artisti che spaziano in tutto il mondo. Il movimento non può essere definito, ma può essere meglio descritto come qualsiasi cosa creata nel corso della nostra vita. Si estende dai graffiti alle opere video e digitali. Tra gli artisti contemporanei più famosi figurano Nam June Paik, Damien Hirst, Tracey Emin, Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons e Banksy.
Similitudini tra Pop Art e Arte Contemporanea
- Che cos’è l’arte: La pop art e l’arte contemporanea hanno dato vita a un dibattito su cosa fosse e sia considerato arte.
- Autopromozione: Gli artisti pop e contemporanei hanno imparato l’arte dell’autopromozione attraverso la polemica.
- Cultura: La pop art e l’arte contemporanea riflettono i tempi in cui sono state e sono create.
Pop Art e arte contemporanea: Che cos’è l’arte?
Cosa viene considerato arte? Sia la Pop art che l’arte contemporanea hanno messo in discussione la risposta a questa domanda. La pop art ha provocato un cambiamento radicale nel movimento artistico e ha suscitato un dibattito infinito. Per la prima volta, la Pop art fonde l’arte raffinata con la cultura popolare.
Allo stesso modo l’arte contemporanea trascende i concetti artistici tradizionali. Anch’esso provoca sfide attraverso la riflessione su chi è considerato un artista, sui materiali e gli strumenti utilizzati, sullo stile e sulla presentazione.
Le domande sono iniziate per l’artista americano della Pop Art Andy Warhol (1928-1987) con la sua serigrafia del 1962, Campbell’s Soup Cans. Come può un semplice oggetto da drogheria essere il soggetto di una vera opera d’arte? Il pubblico ha respinto l’opera, ma i media hanno subito trasformato la questione in un dibattito nazionale.
La pop art è stata una sfida all’arte tradizionale in altri modi. Gli artisti della Pop Art hanno prodotto in massa la loro arte, rendendola disponibile per il consumo pubblico. Molti ritenevano che la “vera arte” fosse un pezzo unico che apparteneva ai musei.
Nel mondo dell’arte contemporanea, artisti come gli Young British Artists (YBA), un collettivo nato a Londra negli anni Ottanta, hanno creato opere che molti non consideravano arte. L’artista più famoso del gruppo è probabilmente Damien Hirst (1965).
The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991) di Hirst è un’opera d’arte contemporanea degli artisti. È stato creato racchiudendo uno squalo tigre, catturato da un pescatore a Hervey Bay, in Australia, in una vasca di vetro con formaldeide.
Sia gli artisti della Pop Art che quelli contemporanei hanno spinto gli spettatori a chiedersi: “È davvero arte?”.
Pop Art e arte contemporanea: Autopromozione
Gli artisti pop e gli artisti contemporanei hanno imparato l’arte dell’autopromozione attraverso la polemica.
Warhol mescolava la religione con la cultura popolare, il che era considerato oltraggioso. In Gold Marilyn Monroe (1962) di Warhol, l’artista della Pop art elevò l’attrice a divinità subito dopo la sua morte, avvenuta nell’agosto 1962. Mostrando come la gente la venerasse, dimostrò anche quale fosse il prezzo della sua fama.
Il Dittico di Marilyn, anch’esso del 1962, appare su due pannelli e nel titolo fa chiaramente riferimento ai dipinti cristiani. Il termine dittico si riferisce a una pala d’altare in legno incernierata. Presentando Marilyn Monroe in questo modo, Warhol invitava lo spettatore a venerarla, evidenziando al contempo le proprie lotte con la fede cattolica.
Nel dittico Marilyn, Warhol usa la ripetizione. La stessa immagine dell’attrice, tratta dalla foto pubblicitaria del film Niagara, viene ripetuta 50 volte. Venticinque sono dipinti a colori e rappresentano la sua vita e la sua vitalità, mentre 25 sono dipinti in bianco e nero e illustrano la sua morte. L’opera è stata realizzata proiettando l’immagine su serigrafia. Ciò ha provocato ulteriori critiche. Non solo l’artista non aveva creato l’immagine, ma stava anche traendo profitto dal suicidio della star del cinema.
L’artista giapponese della Pop Art Yayoi Kusama (1929-) è diventata nota a livello mondiale dopo l’installazione e la performance artistica della Biennale di Venezia del 1966, intitolata Giardino dei Narciso. Non era nemmeno stata invitata. Invece, ha posizionato sul prato 1500 palline di acciaio inossidabile e specchio altamente riflettente. Vestita con un kimono dorato, vendeva semplicemente le palline per 2 dollari l’una. Un cartello diceva: “Il tuo narcisismo in vendita!”. Alla fine le è stato chiesto di andarsene ed è stata scortata dalla polizia.
Da sempre abile promotrice di se stessa, Kusama arriva a New York nel 1958, dove inizia subito a contattare gallerie e artisti per farsi aiutare. La sua prima installazione in una stanza di specchi è stata esposta a New York nel 1965, con il titolo Mirror Room-Phalli’s Field alla Castellane Gallery di New York. Presentava una stanza a specchio piena di falli impagliati, dipinti con punti rossi.
I giovani artisti britannici hanno realizzato mostre destinate a scioccare e a suscitare polemiche, come Freeze (1988) e Sensation (1997). Insieme hanno rifiutato ciò che era considerato arte tradizionale.
Hirst è sempre stato un artista in cerca di attenzione. Il pubblico e la critica sono al tempo stesso sconvolti e affascinati dal suo lavoro. La morte e la mortalità sono due temi chiave della sua arte contemporanea. Più recentemente, nel 2007, Hirsts ha creato For the Love of God, un teschio umano fuso in platino, con 8601 diamanti incastonati. Mentre la realizzazione dell’opera d’arte contemporanea è costata 14 milioni di sterline britanniche, l’opera è stata venduta per 50 milioni di sterline britanniche.
Nel frattempo, la “cattiva ragazza dell’arte britannica” Tracey Emin (1963-) crea opere personali e provocatorie su traumi, stupri, promiscuità, sessismo e umiliazioni. La sua opera My Bed (1999) ha creato polemiche e ha sfidato lo stereotipo della modesta donna inglese.
Emin ha trascinato il suo letto nella galleria e ha aggiunto tutti gli oggetti che lo hanno circondato durante i quattro giorni di reclusione autoimposta. È stata la conseguenza di una brutta rottura. C’erano kleenex usati, preservativi e biancheria intima sporca, come parte della sua arte contemporanea.
Pop Art e arte contemporanea: Cultura
La pop art e l’arte contemporanea riflettevano e riflettono i tempi in cui sono state e sono create. Ad esempio, l’artista americano della Pop Art Andy Warhol ha lavorato come artista commerciale, prima di passare alle belle arti e alla Pop Art. Dopo la Seconda Guerra Mondiale il consumismo dilagava negli Stati Uniti, mentre le famiglie anelavano alla bella vita. Warhol ha catturato questa voglia americana di fare acquisti, utilizzando immagini di marca di tutti i giorni nelle sue opere, come le lattine di zuppa Campbell’s (1962), Coca-Cola 3 (1962) e Brillo Box (1964). Warhol considerava anche le celebrità come merci, utilizzando le loro immagini in modo ripetitivo.
Mentre Warhol creava la sua arte dalla prospettiva di vivere nell’ambiente, i suoi contemporanei nel Regno Unito producevano immagini del consumismo americano, attraverso gli occhi di una nazione che era stata devastata e si stava ancora riprendendo dalla guerra.
In I era un giocattolo da ricchi (1947) di Eduardo Paolozzi, l’immagine principale del collage è una ragazza pin-up tratta da una rivista americana. L’artista l’ha ottenuta da un soldato americano a Parigi e questo gli ha permesso di vedere la vita americana attraverso una lente europea. Sono state inserite altre immagini “americane”, tra cui una torta di ciliegie e il logo dell’azienda Cocoa-Cola. Compare anche un bombardiere della Seconda Guerra Mondiale e la parola “Pop!” come suono emesso dalla pistola in mano a un uomo.
L’anonimo street artist britannico che si fa chiamare Banksy è diventato una figura straordinaria dell’arte contemporanea, portando la sua arte in strada. Il lavoro di Banksy, che fornisce commenti sociali sul mondo, si concentra su questioni globali e politiche. L’artista contemporaneo ha scelto l’anonimato, per cui l’attenzione rimane sul messaggio all’interno dell’arte e non sull’artista, eliminando ogni possibilità di celebrità.
Appartenente alla scena underground di Bristol, Banksy ha iniziato a scrivere su a mano libera, ma in seguito è passato allo stencil per velocizzare il lavoro. L’artista ha anche creato versioni su tela della sua arte di strada. Alcune delle immagini di arte contemporanea di Banksy includono ratti, scimmie, poliziotti e la Regina. Tra le opere più famose ricordiamo. Love is in the Air ( Flower Thrower) (2003), Kissing Coppers (2004), Napalm Girl (2004-2005) e Girl with Balloon (2006). Nel 2006 è stato creato anche Well Hung Lover, noto anche come Naked Man Hanging from a Window o semplicemente Naked Man.
Differenze tra pop art e arte contemporanea
- Arco di tempo: La pop art è arrivata prima. L’arte contemporanea è arrivata dopo
- Stile e caratteristiche: La pop art ha uno stile chiaramente definito. L’arte contemporanea non lo fa.
- Mezzi: L’arte contemporanea ha accesso a nuovi mezzi e modi di usarli.
Pop Art vs. Arte contemporanea: Periodo di tempo
Il movimento della Pop art e l’arte contemporanea appartengono a due periodi diversi. La Pop Art nasce negli anni ’50 a Londra, in Inghilterra. Si diffuse rapidamente in tutti gli Stati Uniti. La pop art americana nasce a New York e poi a Los Angeles. La Pop art non è stata realizzata solo da artisti britannici e americani, ma anche artisti di altri Paesi hanno iniziato a produrre Pop art vivendo in una delle regioni in cui la Pop art veniva realizzata.
L’arte contemporanea è l’arte del presente. A partire dagli anni ’80, l’arte contemporanea è un fenomeno globale.
Pop Art e arte contemporanea: Stile e caratteristiche
Cosa definisce la Pop art? Gli stili e le caratteristiche della pop art sono molteplici e variano da artista ad artista, ma la maggior parte condivide alcune delle seguenti caratteristiche:
- Un mix di arte e cultura popolare
- Ogni soggetto può essere utilizzato nella Pop art
- Ricco di riferimenti alle celebrità
- Articoli di consumo quotidiano
- Colori primari e secondari in grassetto
- Bordi duri
- Immagini monumentali
- Puntini Ben-Day
- Segnaletica e loghi
- Uso di nuovi mezzi, come la vernice per automobili
- Lo spettatore è solo un osservatore senza emozioni.
Al contrario, l’arte contemporanea sfida le definizioni. Viene realizzata in tutto il mondo, utilizzando lo stile e il mezzo scelto dall’artista.
Pop Art vs. Arte contemporanea: Il mezzo
Nam June Paik (1932-2006) è un artista contemporaneo coreano/americano noto come il padre della videoarte. Ha iniziato a esporre le opere con il nuovo mezzo nel 1963. Una delle sue opere più popolari è Electronic Superhighway (1995), un’installazione video allo Smithsonian Art Museum.
L’opera, che misura 15 metri per 49, è caratterizzata da 336 televisori, tutti raffiguranti videoclip che rappresentano i 50 Stati degli Stati Uniti. Le immagini cambiano rapidamente e i filmati mostrano le patate dello stato dell’Idaho, le cowgirl del Texas e l’Empire State Building di New York. Vengono anche inseriti spezzoni di film, come le immagini del Mago di Oz per rappresentare lo stato del Kansas.
La tecnologia ha dato agli artisti contemporanei più possibilità di lavorare. Alcuni artisti contemporanei utilizzano i metodi tradizionali di disegno, pittura e scultura. Altri hanno usato mezzi misti, in infinite combinazioni. Inoltre, l’arte è stata portata nelle strade, dove i muri e i marciapiedi diventano la tela.
I graffiti urbani sono diventati una forma d’arte riconosciuta tra la fine degli anni ’70 e gli anni ’80, con l’artista contemporaneo newyorkese Jean-Michel Basquiat (1960-1988) a fare da apripista. Creando le sue opere inizialmente con pennarello e vernice spray, utilizzava muri e marciapiedi, con lo slogan SAMO (Same Old Shit).
Nella famosa opera Horn Players (1983) di Basquiat, l’artista ha utilizzato acrilico e olio per i tre pannelli di tela. I bastoncini da pittore mescolano olio e pigmenti con la cera e permettono all’artista di disegnare, dipingere e fare schizzi. Questo mezzo è stato reso popolare da Basquiat e da altri street artist dell’epoca.
In che modo la Pop Art ha influenzato l’arte contemporanea?
Gli artisti contemporanei mantengono in vita la Pop art, caduta in disuso alla fine degli anni Settanta. Una figura centrale del movimento chiamato Neo-Pop è l’artista americano Jeff Koons (1955-). L’artista contemporaneo è famoso per incorporare nelle sue opere immagini quotidiane come giocattoli, personaggi dei cartoni animati e decorazioni di compleanno.
The Balloon Dogs (1994-2000) prende spunto dalle immagini dei palloncini realizzati dai clown alle feste di compleanno dei bambini per realizzare grandi opere scultoree in serie. In questo modo, Koons mostra quanto siano elaborate le feste di compleanno dei bambini negli Stati Uniti. Le opere sono disponibili in blu, magenta, arancione, giallo e rosso e sono state vendute per milioni di dollari. Seguirono altri animali simili, tra cui scimmie, cigni e conigli. Queste e altre opere di Koons sono altamente lucide e riflettenti, simili alle creazioni specchianti di Yayoi Kusama.
Come Warhol e molti altri artisti della Pop Art, anche Koons continua a utilizzare icone della cultura popolare nelle sue opere contemporanee. Michael Jackson and Bubbles (1988), al San Francisco Museum of Modern Art, è una gigantesca scultura in porcellana. Dell’opera in oro e bianco Koons ha detto: “Volevo creare un’icona simile a quella di un dio”. Questo fa pensare alle opere di Andy Warhol su Marilyn Monroe.
Inoltre, alcuni degli artisti originali della Pop art sono ancora vivi oggi e portano lo stile Pop art a una nuova generazione. Tra questi artisti figurano Yayoi Kusama, Alex Katz e Peter Max.
Quali altri movimenti artistici sono simili alla Pop Art?
La pop art affonda le sue radici nel Neo-Dada, un movimento nato a New York. L’artista Robert Rauschenberg è stato uno dei principali influenzatori. Il Neo-Dada è stato influenzato dal Dadaismo e dall’artista Marcel Duchamps e dai suoi readymade. Il Neo-Dada è il movimento artistico che unisce il Movimento dell’Espressionismo Astratto e il Movimento della Pop Art.
