Soyut sanat, gerçekliği gerçekçi görsel formlarda temsil etmeyen eserleri ifade eder. Bunun yerine, soyut kompozisyonlar fikirleri temsil etmek için çizgiler, şekiller, jestsel vuruşlar, renkler veya semboller kullanır. Soyut sanat, insanoğlu onu yaratmak için hayatta olduğu sürece var olmuştur. Aslında, geometrik soyut semboller antik sanatta bulunmuştur.
Soyut sanatta çizgiler, şekiller, dokular, formlar, renkler veya desenler hem estetik hem de sembolik anlamlar için farklı şekillerde kullanılır. Yüzyıl ortası Soyut sanatçıları gerçekliği olduğu gibi değil, olması gerektiği gibi tasvir ettiler. Bazı durumlarda anlamı basit çizgi ve biçimlere indirgemişlerdir. Soyutlamanın en erken biçimleri, tanımlanabilen ve sanatçının düşüncelerini, fikirlerini, duygularını veya hayal gücünü içeren referanslara sahipti. Soyutlama sadece resimle sınırlı değildir; heykel, baskı resim ve diğer medya biçimleri ile performansta da görülür.
Soyutlama terimi, figüratif olmayan, nesnel ve temsili olmayan sanatı kapsar. Bu, tipik olarak çizgiler, şekiller ve fırça darbeleri dışında tanımlanabilir figürler, nesneler veya temsiller içermediği anlamına gelir. Ayrıca, sanatsal bir akım olarak soyutlama, on dokuzuncu yüzyılın sonlarından günümüze kadar gelişen birçok farklı akım ve stili kapsayan geniş ve kapsamlıdır. Bu akımlar ve üsluplar, bunlara öncülük eden sanatçılar pratiklerini değiştirdikçe, geliştirdikçe ya da düzenledikçe genellikle başka akımlarla örtüşerek büyümüştür.
Modern Batı sanat tarihinde soyutlama, sanata ancak 19. yüzyılın sonlarına doğru girmeye başlamıştır. Yüzyılın başında teknolojik değişimler ve bilimsel gelişmeler dünyayı önemli ölçüde değiştirirken, sanat da evrim geçirmeye başladı. Soyut sanatçılar kendileri için çalışmaya başladılar.
Bu sanatçılar sanatta yapılabileceklerin sınırlarını zorlamaya başladılar. Romantizm ve Ekspresyonizm, saf soyutlamanın önünü açan Avant Garde’ın öncülük ettiği iki sanat akımıydı. Soyutlama unsurları Dışavurumculuğun içine sızdı. Örneğin Edvard Munch’un (1863-1944) Çığlık (1893) adlı resminde figür ve arka plan daha önce yapılandan daha soyutlanmıştır. Empresyonizm ve Neo ya da Post-Empresyonizm de dahil olmak üzere bu akımlar Anarşi ve siyasi bağlılıklardaki değişimle bağlantılıydı.
Avant Garde’ın bu sanatsal hareketlerinin başarısından cesaret alan modern sanatçılar, tekniklerini yapıbozuma uğratmaya başladılar ve Post-Empresyonist, Fovist ve Kübist akımlar gelişti. Yüzyılın başlarında bu akımlar, sembolik referansları ve hatta dış anlamları yok denecek kadar az olan yüksek modernizme dönüşmeye başladı. 20. yüzyıl yaklaşırken, soyutlama iki farklı yol izledi. Saf estetik formları temsil etmeyi amaçlayanlar ve duyguları ya da ifadeleri temsil etmek için soyut formları kullanmayı amaçlayanlar.
Soyut sanatın çeşitli türleri ve figüratif sanattan bu ilk uzaklaşmadan doğan farklı akımlar vardır. Soyut sanatın en yaygın biçimlerinden bazıları Pointillism, Fauvism, Expressionism, Cubism, Futurism, Constructivism, Suprematism, Geometric abstraction, Dada, De Stijl, Concrete art, Tachisme, Abstract expressionism, Art Informel, Lyrical abstraction, Hard-edge painting, Action painting, Color field ve Op art’tır.
Bu akımlara öncülük eden ünlü sanatçılar arasında Jackson Pollock (1912-1956), Robert Delaunay (1885-1941) Henri Matisse (1869-1954), Piet Modrian (1872-1984), Lee Krasner (1908-1984), Helen Frankenthaler (1928-2011), Hilma af Klimt (1862-1944), Marcel Duchamp (1887-1968) ve daha birçokları yer almaktadır.
Genellikle soyut sanat denince akla Jackson Pollock’un 1948 tarihli 5 Numara tablosu gelir. Pollock’un eserleri, anlam ya da görsel gerçekliğe dair hiçbir referans içermedikleri için nesnel olmayan sanatın ve soyut resmin en yüksek formunu temsil eder. Sonunda, modern soyut sanat, sanatçılar ve filozoflar duygusuz modernizmi eleştirdikçe, figürü ve sembolik referansları yeniden ortaya çıkaran post-modernizme yol verdi.
Çağdaş sanat soyut sanatı, figüratif sanatı ve postmodernist fikirleri kucaklamakla birlikte soyut terminolojiden uzaklaşarak kavramsal sanat kavramına yönelmiştir. Her sanatın arkasında bir kavram ya da fikir vardır. Yetenek ve deneyimi bir kenara bırakırsanız, aşırı değer verilen batı kültürünün bakış açısı geçersiz hale gelir ve sanatın ardındaki fikir, belki de sanatın fiili icrasından daha önemlidir.
1. Noktacılık
Belki de soyut sanatın ilk versiyonu Pointilizm‘di. Noktacılık, Empresyonizm’den doğmuştur ve genellikle Neo-empresyonizm’in bir parçası olarak ele alınır. Fransız ressam Georges Seurat (1859-1891) tarafından 1886 yılında kurulmuştur. Seurat, Ecole des Beaux-Arts’da gerçekçilik tarzında akademik eğitim aldı. Ancak 1880’lerin ortalarında geleneksel yoldan ayrılmaya başladı.
Seurat’nın tuval üzerine yağlıboya eseri La Grande Jatte Adası’nda Bir Pazar Öğ leden Sonrası (1884-1886) belki de Pointilist tarzın en bilinen örneğidir. Sanat eleştirmenleri başlangıçta Seurat’nın noktalı tuvalini olumsuz bir çağrışımla noktacı olarak adlandırdı. Ancak, bu terim zamanla önyargısını yitirmiştir.
Noktacılık, bölünmecilik ile eş zamanlı olarak gelişmiştir. Divisionism ya da Chromoluminarisim, renkleri noktalara ya da lekelere ayıran ve izleyici tuvalden uzaklaştığında optik olarak birleşen bir Neo-Empresyonist resim türüydü. Seurat, eleştirmen Charles Blanc’ın (1813-1882) renk teorisi ve görmeyi bilimsel terimlerle tartışan Grammaire des arts du dessin (1867) adlı kitabından etkilenmiştir.
Her iki akım da renk teorisinin bilimsel keşiflerini dikkate almıştır. Michel Euguene Chevreul (1786-1889) veya Ogden Rood (1831-1902) gibi bilim insanları renk teorisi üzerinde çalışmıştır. Chevreul, renklerin algılanmasının yanlarındaki renklere bağlı olarak değiştiğini belirten eşzamanlı kontrast fikrini renk teorisine katmıştır. Noktacılık, Bölümcülük’ten farklı olarak boyanın ayrıştırılmasına değil, boya noktalarının kullanımına odaklanmıştır.
Hem Pointillism hem de Divisionism tarzında çalışan bir diğer sanatçı da Fransız sanatçı Paul Signac’tır (1863-1935). Signac’ın L’Hirondelle Steamer on the Seine (1901) adlı tablosu daha Pointilisttir, Felix Fénéon’un Portresi (1890) ise eşzamanlı kontrast fikriyle meşgul olduğunu gösterir.
Pointillist tarzda bilinen diğer eserler arasında Fransız Neo-Empresyonist Henri Cross’un L’air du Soir (1893), Fransız ressam Maximilien Luce’nin Morning, Interior (1890) ve Camille Pissarro’nun La Récolte des pommes (1888) adlı tabloları sayılabilir. Vincent Van Gogh (1853-1890) Pointillism’in türevlerini kullanmıştır. Van Gogh’un Kendi Portresi (1887), yan yana boya noktaları içermekle birlikte, geleneksel çizgi çizme uygulamasının bir kısmını korur.
Seurat, Signac, Luce, van Rysselberghe, Cross, Pissarro ve Van Gogh’un eserleri temsili olsa da çarpıtılmıştır ve odak noktası renklerin ve fırça darbelerinin bilimsel bir şekilde bir araya getirilmesidir. Pointillist stilin kullanımı 1920’lerde trendler daha soyut hale geldikçe azaldı.
2. Fovizm
Fovizm, 20. yüzyılın başlarında Les Fauves adlı bir grup sanatçı tarafından kurulan bir akımdı. Hareket kısa ömürlü olmuş, sadece 1904-1910 yılları arasında varlığını sürdürmüştür. Les Fauves sadece üç sergi açtı. Fransız ressam Henri Matisse (1869-1954) 1905 yılında Paris’te düzenlenen Salon d’Automne’da Şapkalı Kadın adlı eserini sergiledi. Sanat eleştirmeni Louis Vauxcelles, Matisse gibi bu tarzda sergi açan sanatçıları tanımlamak için Les Fauves terimini ortaya attı. Vauxcelles onlara bu adı, tuvallerinde kullandıkları canlı renkler ve vahşi fırça darbeleri nedeniyle vermiştir. Fransızca’da Les Fauves terimi vahşi hayvanlar anlamına gelmektedir.
Les Fauves, sanatçıların çevrelerindeki dünyayı nasıl gördüklerine odaklanırken, gerçekçi temsilden ziyade güçlü bloklu renkler ve ressam nitelikleriyle ilgilenmişlerdir. Fovizm, basitleştirilmiş kompozisyonlar, soyutlanmış konular, kalın fırça darbeleri, yoğun renk patlamaları ve geometrik şekillerle karakterize edilir.
Matisse’in yanı sıra akımın diğer önemli üyeleri arasında Andre Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958) ve Robert Delaunay sayılabilir. Derain’in Charing Cross Köprüsü, Londra (1906) tablosu, canlı ve gerçekçi olmayan renkleriyle Fovist bir manzara örneği sergiler. Bu eser 1906 yılında Salon des independents’da sergilenmiştir. Delaunay’ın l’homme a la tulipe (Portrait de Jean Metzinger) (1906) adlı eseri Salon d’Automne’da (1906) sergilendikten sonra Les Fauves dağıldı.
Fovistlerin ilk esin kaynakları Post-empresyonizm ve Pointilizm olmuştur. Les Fauves sanatsal gelenekten özgürleşmişti. Matisse’in Le bonheur de vivre (1905-6) adlı eseri Paul Gauguin’in (1848-1903) Tahiti resimleriyle benzerlikler taşır. Örneğin, eserleri yaratmak için kullanılan doygun renkler ve perspektif benzerdir. Fovistler ayrıca 1890’da Ecole des Beaux Arts’ta öğretmen ve sembolist ressam olan Gustauv Moureu’dan (1826-1898) ilham aldılar.
Kübizm ve Ekspresyonizm aynı dönemde gelişen sanatsal akımlardır. Georges Braque (1882-1963) daha sonra kübizmi geliştirmek için Pablo Picasso (1881-1973) ile birlikte çalışacaktı. Benzer bir şekilde, Kübizm de sadece birkaç yıl sürecekti ancak sanatsal gelenekten kopuşun ardından sanatçılara tanınan özgürlükten doğdu. Fovizm, 20. yüzyıl soyutlamasının gelişiminde de etkili olmuştur.
3. Dışavurumculuk
Post-Empresyonist akımın bir dalı olan soyut sanat türlerinden bir diğeri de Ekspresyonizm‘dir. Ekspresyonizm, sanat, müzik, dans, edebiyat, tiyatro ve şiiri etkileyen bir Kuzey Avrupa hareketi olarak ortaya çıkmıştır. Dışavurumculuk özellikle Weimar Cumhuriyeti (1919-1933) döneminde Almanya’da popüler olmuştur. Sanatsal bir akım olarak Ekspresyonizm, 20. yüzyılın ilk yıllarında ve Birinci Dünya Savaşı’na kadar sürdü. Eleştirmenler, Dışavurumculuğun özellikle İzlenimciler tarafından somutlaştırılan pozitivist yaklaşıma karşı bir tepki olduğunu belirtmişlerdir. Başka bir deyişle, Empresyonistler çevrelerindeki dünyanın ilginç sahnelerini resmederken, Ekspresyonistler genellikle teknolojinin gelişiyle değişen dünyanın karanlık tarafını temsil ettiler.
Tipik olarak Ekspresyonizmin başlatıcısı olarak kabul edilen Edvard Munch, 1893 yılında Çığlık ‘ı resmetmiştir. Fotoğrafın icadı, sanatçıların, gerçekliği temsil etmesi gerekmeyen sanatın ne olabileceğini sorgulamalarına yol açmıştı. Ekspresyonistler, bireysel sanatçının öznel bakış açısıyla ilgilenmiş ve tuvalin psikolojik ve dramatik potansiyelini görmüşlerdir. Munch, ruh haline uyması ve fiziksel gerçeklikten ziyade duygusal bir deneyimi yansıtması için resmi çarpıtmıştır. Munch, köprüyü gerçekçi bir şekilde tasvir etmek yerine, kendi gerçekliğine yakın ama görünür gerçeklikten uzak, duygusal, neredeyse kabus gibi bir olayı betimlemiştir.
Dışavurumculuğun Almanya’da gelişen özel bir dalı Alman Dışavurumculuğu olarak biliniyordu. Bu tür Ekspresyonizm, kaba bir yüzey ile cesur renk kontrastlarında canlı, köşeli fırça darbelerini popüler hale getirdi. Ekspresyonizmin etkilendiği alanlar arasında Kübizm, Fovizm, Afrika ve Okyanusya sanatı, Slav halk sanatı ve Ortaçağ Alman sanatı yer almaktadır.
Alman Dışavurumcularının iki ana grubu vardı. Bunlar Köprü (Die Brucke) ve Mavi Binici grubu (Der Blaue Reiter) idi. Die Brucke ilk kez 1905 yılında bir grup olarak sergilenmiş ve Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) liderliğinde Emil Nolde (1867-1956) gibi mimarlık okulundan arkadaşlarından oluşmuştur. Enerji dolu kentsel çevre Kirchner için popüler bir konuydu. Örneğin, Kirchner’in Sokak, Berlin (1913) adlı tablosunda Berlin’de bir sokakta yürüyen bir çift yer alır. Die Brucke’nin diğer üyeleri arasında Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Otto Mueller (1874-1930) ve Max Pechstein (1881-1955) vardı.
Rusya doğumlu Münihli ressam Wassily Kandinsky (1866-1944), Kandinsky’nin 1903 tarihli Der Blaue Reiter adlı resminden sonra bu adla anılan Blue Rider grubuna öncülük etmiştir. Kandinsky her fırça darbesinin “içsel bir duygunun tam bir kopyası” olması gerektiğine inanıyordu. Mavi Dağ (1908-1909) gibi erken dönem çalışmaları canlı ve gerçekçi olmayan renklerle temsili biçimler içerse de, Kompozisyon VIII (1913) gibi daha sonraki soyut resimleri çok az temsili biçim içeriyordu.
Kandinsky, resimleri aracılığıyla, müzikal kompozisyondan yararlandığı görsel bir dil yarattı. Dışavurumcu tuvalleri nihayetinde temsili biçimlerden yoksundu ve yalnızca dünyanın belli belirsiz temsil edilen şeylerinin duygularına atıfta bulunan renkler ve şekiller içeriyordu. Guggenheim Müzesi’nde bulunan 1923 tarihli Composition 8 adlı tuvali, ruhani bir duyguya dayanan çalışmalara iyi bir örnektir. Blue Rider grubunun bir diğer üyesi Franz Marc (1880-1916) idi.
4. Kübizm
Yirminci yüzyılın başlarında oldukça etkili olan bir diğer akım da Kübizm‘dir. 1908-1914 yılları arasında İspanyol Pablo Picasso ve Fransız sanatçı Georges Braque tarafından geliştirilen Kübizm, Paul Gauguin ve Paul Cezanne’ın çalışmalarından esinlenmiştir. Empresyonistler farklı bakış açılarının kullanımını geliştirmiş, post-Empresyonistler ise düzleştirilmiş resim düzlemlerini kullanmışlardır. Cezanne tuvalini “çok yönlü boya alanlarına” ayırmaya başladı.
Picasso Paris’te yaşadığı bir dönemde, bu eserlerden esinlenerek Les Demoiselles D’Avignon (1907) adlı tablosunu yaptı. Bu tuval, köşeli vücut parçaları ve Afrika maskelerinden ilham alan yüzlerden oluşan beş kadını temsil ediyordu. Figürler zeminle birleştirildi ve çok sayıda perspektif bakış açısından tasvir edildi.
Çoğu akademisyen Les Demoiselles D’Avignon ‘u ilk Kübist resim olarak listeler, ancak Kübist tarzın tam gelişimini göstermediğine dikkat çeker. Kübizmin genellikle Picasso tarafından icat edildiği düşünülse de, tarzı geliştiren Braque olmuştur.
Cezanne’ın görüşlerine de yanıt veren Braque, L’Estaque’daki Evler ‘i (1908) resmetti. Matisse, L’Estaque’daki Evler ‘i incelerken bu evlerden bir grup küçük küp olarak bahsetti ve böylece akımın adı olan Kübizm’i geliştirdi. Braque tuvalini küplere ayırmaya başladı. Kübist üslup sonunda çok sayıda bakış açısı veya perspektif sergileyen parçalı köşeli figürlere ve üçgen şekillere dönüştü. Portekizliler (1911) Kübizm’in zirvesini temsil eder. Tuval üzerine yağlıboya eserde, kafede oturmuş gitar tıngırdatan adam sığ bir alanda var oluyor.
Kübist tarzda çalışan diğer isimler arasında Picasso’yu takip ederek önce analitik Kübizm’de resim yapan, ardından Kristal Kübizm’de karar kılmadan önce Sentetik Kübizm’e geçen İspanyol Juan Gris (1887-1927) yer almaktadır. Bunlardan ilki olan Analitik Kübizm, bir sahnenin parçalara ayrılması ve parçalar halinde yeniden birleştirilmesi şeklindeki geleneksel formattı. Sentetik Kübizm, sahnelerin kağıt gibi boya dışındaki malzemelerle kolaj benzeri bir formatta oluşturulmasını gördü. Kübizmin Kristal döneminde sanatçılar geometrik olarak soyutlanmış arka planları, üst üste binen geometrik düzlemleri ve düz bir kompozisyon düzlemini tercih ettiler. Gitar ve Pipo, (1913) Gris’in çalışmalarına bir örnektir.
Kübist sanatçılar, Fauves ve Ekspresyonistlerden kendilerini farklı bir sanat biçimiyle ifade etme arzusunu aldılar, ancak benzerlerinden daha metodiktiler. Kübist sanatçılar, gördüklerinin geometrik soyutlamasına dayanarak sahnelerini yeniden inşa ettiler ve renkleri ele alışlarında Dışavurumculuktan ayrıldılar. Kübizm’de renk, yapı ve mekânsal tasarıma göre ikinci plandaydı ve bu da Kübistlerin bej gibi donuk renkler kullanmasına yol açtı.
Kübizm, soyut akımların pek çoğu gibi, diğer sanatsal ortamlarda gelişmiştir. Picasso 1912-1913 Gitar ‘ında kübist ilkeleri alıp heykelin 3 boyutlu ortamına uyguladı. Bunu yaparken Picasso, heykelin evrimine, yani oyma ya da kalıplama yerine inşa edilmiş heykelin gelişimine ilham verdi.
Kübizm, Orfizm, Pürizm, Fütürizm, Süprematizm, Dada, Konstrüktivizm, Vortisizm ve De Stjil’in gelişimine ilham vererek 20. yüzyıl soyutlamasının gelişimi için zorunlu olmuştur.
5. Fütürizm
Kübizmden etkilenen Fütürizm, çoğunlukla İtalya’da teknolojiye bir tepki olarak gelişti. Fütüristler, teknolojik gelişmeler nedeniyle daha önce görülmemiş bir hızla gelişen hız ve hareketi yakalamaya çalıştılar. Fütürizm, hareketi kutlayan ve onu soyutlanmış formlarda yakalamaya çalışan bir akımdı. Fütürizm, Birinci Dünya Savaşı’ndan kısa bir süre önce başlamış ve farklı disiplinlerdeki yaratıcılara ilham vermenin yanı sıra Konstrüktivizm, Sürrealizm, Precisionizm, Rayonizm, Vortisizm ve tabii ki Dada hareketinin gelişimine de ilham kaynağı olmuştur.
İtalyan şair Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) “Fütürizmin İlk Manifestosu” adlı eserinde Fütürizm terimini ortaya atmıştır. Manifesto ilk kez 1909 yılında Milano ‘da La Gazzetta dell’Emilia’ da yayımlandı ve daha sonra popüler Fransız gazetesi Le Figaro ‘ da yeniden basıldı. Marinetti, genç sanatçıların, şairlerin ve bestecilerin geçmişin ve sanat geleneğinin bir parçası olmak istemedikleri fikrini ortaya attı. Gençlik, hız, teknoloji ve insanlığın doğa karşısındaki zaferiyle ilgileniyorlardı.
Resim ve heykelde sanatçılar modern yaşamın hızını temsil etmeye çalıştılar. Tuvalleri ve heykelleri dinamik bir enerjiyle doluydu ve hareketi temsil ediyordu. İtalyan ressam ve heykeltıraş Umberto Boccioni (1882-1916) tipik olarak hareketin başlıca figürlerinden biri olarak gösterilir. Boccioni’nin Unique Forms of Continuity in Space (1913) adlı eseri, gerçek zamanda yürüyen bir figürü temsil etmeye çalışan eşsiz bir heykeldir.
Bir başka İtalyan ressam Giacomo Balla (1871-1958) ise tuval üzerinde hareketi 2 boyutlu olarak yakalamaya çalışmıştır.
Soyut Hız – Araba Geçti
(1913). Bu resim, o zamanlar insanlar için son derece hızlı olan saatte 35 mil hızla giden bir araba geçerken esen rüzgârı soyut bir şekilde yakalamaya çalışıyordu.
Diğer büyük sanatçılar arasında Carlo Carra (1881-1966), Fortunato Depero (1892-1960), Sonia Delaunay (1885-1979), Marcel Duchamp (1887-1968), Gino Severini (1883-1966) ve Luigi Russolo (1885-1947) yer almaktadır.
Sonia Delaunay 1913 yılında Bal Bullier ‘i resmetti. Rengarenk soyutlanmış tuvali, Paris’teki bir gece kulübünün dans pistinde hareket eden çiftleri temsil ediyordu. Delaunay ve kocası Robert, Kübizm ile Fovizm’in parlak renklerini birleştiren eşzamanlı Orfizm akımının kurucularıydı.
Marcel Duchamp, Merdivenden İnen Çıplak, No.2 (1912) adlı eserinde renk yerine biçimi öne çıkarmayı seçmiş ve kübist üslup tercihlerinde bulunmuştur. Bu ufuk açıcı çalışma, ilk olarak Barselona’daki 1912 Kübizm Sergisi’nde ve daha sonra 1913 New York Armory Show’da gösterildiğinde olumsuz eleştirilerle karşılandı. Başlangıçta “bir kiremit fabrikasındaki patlama” olarak tanımlanan bu tuval, hareketi yakalama kaygısını ortaya koymaktadır. Duchamp, Birinci Dünya Savaşı’na karşı bir tepki olarak Fransız liderliğindeki Dada hareketini savunmaya devam edecekti.
6. Dada
Dada, İsviçre’nin Zürih kentinde başlayan ve 1915’ten 1920’lerin ortalarına kadar süren sanatsal bir hareketti. Dadaistler, Birinci Dünya Savaşı’nın dehşetine, hiciv sınırlarında gezinen spontane ve oyunbaz eserler yaratarak yanıt veriyorlardı. Bu sanatçılar, kolektif zihniyeti değiştirebileceklerini ve başkalarını savaşın yıkımının saçmalığının farkına vardırabileceklerini hissettiler. Hatta bazıları, kendini yok eden bir dünyanın ortasında güzel şeyler yaratmanın faydasız olduğunu düşündükleri için “sanatın öldüğünü” belirtmiştir.
Akımın terimi olan Dada, görünüşte rastgele seçilmiştir, ancak Dadaistlerin savunduğu şok, dehşet ve mantıksızlığı ifade eder. Dada sanatçıları, daha önce oluşturulmuş sanatsal geleneklere dayanmak yerine, spontane eserleriyle Avrupalıları şok etmeye çalıştılar.
Grubun en tanınmış isimlerinden biri olan Marcel Duchamp, tüm zamanların en saygın tablolarından biri olan Leonardo Da Vinci’nin (1452-1519) Mona Lisa tablosunu alıp bir reprodüksiyonuna bıyık çizerek Avrupalı izleyicileri şok etti. Duchamp’ın L.H.O.O.Q. 1919’da bu şekilde adlandırılmıştır çünkü harfler Fransızca telaffuz edildiğinde kulağa Mona Lisa’yı daha da küçük düşüren kaba bir deyiş gibi gelmektedir. Ucuz bir kartpostalı buluntu nesne olarak kullanıp eserin omurgasını oluşturmaya başladığı için buna “destekli hazır yapım” adını verdi. Aslında Duchamp ve diğer Dadaistler, buluntu nesne olarak adlandırdıkları şeyle benzersiz bir şekilde ilgiliydiler. Buluntu nesneden yapılan en ünlü hazır parçalardan biri Duchamp’ın pisuardan yaptığı 1917 Çeşmesi ‘dir.
Amerikalı May Ray (1890-1976) Duchamp ile arkadaştı ve resimlerden, fotoğraflardan ve buluntu nesnelerden eserler üretti. Ray, The Gift (Hediye) adlı heykeli için bu rastgele eşyaları Paris’teki bir ev eşyası dükkanından satın almış ve bir araya getirmiştir. Benzer bir şekilde, Avusturyalı Raoul Hausmann (1886-1971) Zamanımızın Ruhu (1919) adlı heykelini yaratmak için buluntu nesneler kullanmıştır.
Dada’nın bir başka yolu da fotomontajdı. Hannah Hoch (1889-1978) Çok-Milyoner imgesini 1923 yılında yaratmıştır. Fotomontajla yapılan kübist kolaj tarzının eşsiz karışımı, insan ve ürettiği nesneler arasındaki ilişkiyi yorumlayan benzersiz bir görsel imge yarattı.
Dada sanatının anti-estetik olması gerekiyordu. Ancak ironik bir şekilde Dadaistler, yüzyılın geri kalanı boyunca varlığını sürdürecek yeni bir estetik yarattılar.
7. Süprematizm
Rusya’da Kübizmin yeni biçimi, Polonya-Ukraynalı sanatçı Kazimir Malevich (1879-1935) tarafından Süprematizm olarak adlandırıldı. Petersburg’daki son Fütürist Sergi’de Malevich hareketi başlattı. 1915 sergisinde Malevich ve diğerleri, tipik olarak saf bir arka plan üzerinde düzensiz dikdörtgenler içeren Kübizm’in basitleştirilmiş bir versiyonu olan Süprematist tarzda eserler sergilediler.
Süprematizm, sanatın bir konuya ihtiyacı olmadığı fikriyle hareket ediyordu. Bunun yerine önemli olan, saf sanatsal duygularla geliştirilen bir şekil ve renk üstünlüğüydü. Malevich’in kendisi de kübist bir çerçevede eserler yaratmaya başladı. Erken dönem eserleri Kübizm, Fütürizm ve Blue Rider grubunun etkilerini bir araya getirmiştir. Malevich, Süprematist dilin bir “gramerini” yarattı; bu gramer, esasen beyaz bir zemin üzerinde tipik olarak siyah daireler ve karelerden oluşan şekillerden oluşuyordu. Bununla birlikte, beyaz üzerine beyaz da kullanmıştır.
Malevich’in Süprematist Kompozisyonu (1916), bir uçağı soyut bir şekilde temsil ettiği ve uçma hissini yakalamaya çalıştığı için Fütürizm’den etkilenmiştir. Bununla birlikte, şekiller, basitleştirilmiş renk ve soyutlama nedeniyle benzersiz bir şekilde Süprematistti.
Bir diğer Rus sanatçı El Lissitzky (1890-1941) 1919-1923 yılları arasında Süprematist tarzda çalışmıştır. Süprematizm ile çalışan diğer vizyonerler arasında Ilya Chashnik (1902-1929), Alexandra Exter (1882-1949), Lyubov Popova (1889-1924), Sergei Senkin (1894-1963) ve sanatçı ve mimar Lazar Khidekel (1904-1986) vardı.
Bu grup Süprematist soyut eserler yarattı, ancak birçoğu 1917-1923 Rus Devrimi sırasında Konstrüktivizme kaydı. Aslında Malevich, Süprematist fikirleri yaymak için Supremus adlı bir dergi çıkardı. Ancak, Rus Devrimi nedeniyle hiçbir zaman yayınlanmadı.
Konstrüktivizm ile yakın bir şekilde geliştirilmiş olmasına rağmen, Süprematizm kuzenine taban tabana zıttı. Süprematist düşünce sanat ve nesneyi birbirinden ayırıyordu, yani sanat devlete ya da dine hizmet edemezdi. Süprematistler faydacılık karşıtıydılar ve eserlerinde nesnellik olmaması için mücadele ettiler. Konstrüktivizm ise nesneye ve onun faydacı bir amaca nasıl hizmet edebileceğine odaklanmıştır.
8. Konstrüktivizm
Konstrüktivizm adlı sanatsal hareket, 1915 yılında Rusya’da, sanatsal bir nesnenin işlevsel olarak nasıl kullanılabileceğiyle ilgilenen iki Rus sanatçı-mühendisle başladı. Bu iki sanatçı Vladimir Tatlin (1885-1953) ve Alexander Rodchenko (1891-1956) idi. Rodchenko, Konstrüktivist tarzda kısa video sekansları, 3D sanat ve fotomontajlar yarattı.
Konstrüktivizm başlangıçta Malevich’in Süprematizm’indeki temsili olmayan nesnelerden esinlenmiştir. Konstrüktivizm terimi, dinamik bir nitelik öneren ve hareketli parçalar içeren düzlemsel ve doğrusal formlar inşa etme tercihlerinden gelmektedir.
Bu, geleneksel olandan farklı bir heykel türüne işaret ediyordu. Konstrüktivist heykeller kalıplanmak ya da oyulmak yerine, plastik ve elektrolizle kaplanmış metal gibi benzersiz malzemelerden bir araya getiriliyor ya da “inşa” ediliyordu.
Konstrüktivist heykel sanatının bir örneği Tatlin’in Üçüncü Enternasyonal Anıtı Modeli (1919) adlı eseridir. Genellikle Tatlin’in Kulesi olarak adlandırılan bu heykel, çelik ve camdan yapılmıştır. Her gün çeşitli hızlarda dönüyor ve Tatlin’in Komünist devlet olduğuna inandığı en yüksek devlete doğru insanlığın evrimini yorumluyordu. Ayrıca Tatlin, sanatsal gelenekte olduğu gibi, kulenin ana odağı olarak kütle yerine mekânla ilgilenmiştir.
Süprematist biçimler siyasi işlevleri yerine getirmek için kullanıldı. Erken dönem çalışmaları Süprematist kategorisine giren El Lissitzky, daha sonra Beyazları Kırmızı Kamayla Dövün (1919) gibi eserler yarattı. Bunun için Lissitzky, Süprematist görsel dilini siyasi eğilimleriyle birleştirerek bu Bolşevik propaganda eserini yarattı.
Hem Süprematizm hem de Konstrüktivizm hayatın her alanını etkilemiştir. Bu akımlar De Stijl’i ve modern dünyada soyut sanatın gelişimini etkilemiştir.
Konstrüktivizm, 1919-1933 yılları arasında faaliyet gösteren ve Avrupa Soyut Sanatının en önemli isimlerinden bazılarını yetiştiren bir Alman sanat okulu olan Bauhaus‘ta popülerlik kazandı. Bauhaus 1933’te kapandığında sanatçıların çoğu Amerika Birleşik Devletleri’ne geldi. İlk olarak Bauhaus’ta ders veren ve Ashville, Kuzey Carolina’daki Black Mountain College’da etkili olan sanatçılar Josef Albers (1888-1976) ve eşi Anni Albers (1889-1994) buna bir örnektir.
9. Geometrik soyutlama
Geometrik soyutlama, iki bölgesel soyut sanat tarzından ilkiydi ve hem temsili nesneleri hem de temsili olmayan şekiller, geometrik formlar ve renklerin bir karışımını içeriyordu. Dış ifadeden ziyade sanatın kendisine odaklanır. Bu nedenle soyut dışavurumculuğun karşıtıdır. Bu terim bir anlamda 20. yüzyılda popüler hale gelen çeşitli sanatsal akımları kapsamaktadır. Geometrik soyutlamanın savunucularından bazıları Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich (1879-1935) ve Piet Mondrian (1872-1944) idi. Geometrik soyut sanatın popüler olan iki biçimi De Stijl ve Beton sanatıdır.
10. De Stijl
De Stijl olarak adlandırılan Hollanda Sanat Hareketi 1917 yılında kuruldu ve eş zamanlı olarak De Stijl veya Neoplastisizm olarak biliniyordu. Hollanda’da kurulan bu akım, temel formların, özellikle de dikdörtgenlerin, yatayların ve dikeylerin kullanılmasını savunuyordu. De Stijl hareketinin sanatçıları da sadece siyah, beyaz veya ana renklerle çalışmışlardır. Görsel sözcük dağarcıklarını basitleştirerek, akıcı bir sanat “dili” yarattılar.
En tanınmış De Stijl sanatçılarından biri Piet Mondrian’dı. Mondrian resminde kişisel ifadeyi ve nesnelliği terk etti. Resim dilini düz çizgiler, ana renkler ve dikdörtgen şekillerle basitleştirdi. Dört öğenin; çizgi, renk, şekil ve mekânın, resimde evrensel uyumu teşvik edecek evrensel bir dilin parçası olduğunu düşünüyordu. Rasyonel bir şekilde tasarlanmış kompozisyonlarında ya da tablolarında sadece beyaz, siyah ve üç ana renk olan Kırmızı, Sarı ve Maviyi kullanmıştır. Örneğin, Mondrian’ın Kırmızı, Mavi ve Sarı Kompozisyon II (1930) adlı soyut resminde dikdörtgenler ve kareler oluşturmak için sadece bu renkler ve sadece yatay ve dikey çizgiler kullanılmıştır. Hollandalı ressam ve eleştirmen Theo van Doesburg (1883-1931) da De Stijl tarzında resimler yapmıştır.
De Stijl terimi tipik olarak 1917-1931 yılları arasında Hollanda’da bu şekilde yaratılan sanata atıfta bulunur. Bu De Stijl tarzı Hollanda’da resim, mimari, mobilya ve grafik tasarımına da yansıdı. Mimaride Gerrit Rietveld (1888-1964), Mondrian tarafından popüler hale getirilen bu basitleştirilmiş şekilleri ve saf görsel dili Utrecht’teki Schroder Evi ‘ni (1924) yaratmak için kullandı. Rietveld, Kırmızı ve Mavi Sandalye (1923) gibi yarattığı mobilyalarda da ana renkleri ve basitleştirilmiş çizgileri kullanmıştır.
Bu tarz uluslararası sanatçıları etkilediğinde uluslararası tarz olarak anılmaya başlandı. Örneğin Amerikalı mimar Frank Lloyd Wright (1867-1959), Rietveld ile benzer bir tarzla ilgilenmiş ve inşa ettiği binalar ile doğal dünya arasında belirgin bir karşıtlık yaratmaya çalışmıştır. Bu tarzda çalışan bir diğer mimar da, en çok Alman Pavyonu (1929) ile tanınan Ludwig Mies van der Rohe’dir (1886-1969).
10. Beton sanatı
1930’larda Fransa’da soyut sanatçılar tipik olarak iki kategoriye ayrılıyordu. Dışavurumcu bir yaklaşım benimseyenler ve sanatın kendisi dışında hiçbir şey olmaması gerektiğini düşünenler. Eleştirmenler bu ikinci soyutlama türünü soğuk soyutlama, dışavurumculuğu ise sıcak soyutlama olarak adlandırmaya başladılar. De Stijl hareketinin sanatçılarına benzer bir şekilde, Somut Sanat döneminin sanatçıları da sade ve süssüz, tek bir amaca yönelik sanatı tercih etmişlerdir.
Concreate art, 1930’larda Theo van Doesburg tarafından ortaya atılan bir terimdi. Van Doesburg, soyut sanatın basit, süssüz yapılar içermesi ve öznellikten vazgeçmesi gerektiğine inanıyordu. Van Doesburg’un ideal sanatı, imgenin dışında bilgiye ihtiyaç duyacak resimsel referanslardan ziyade çizgi ve renk gibi kişisel olmayan unsurlardan oluşuyordu.
Van Doesburg, bu bayrak altında birleşen Art Concret adlı bir grup kurdu. Art Concret, Van Doesburg’un ölümünden önce, 1930’da sadece birkaç kez birlikte sergi açtı. Art Concret tamamen soyut olan geometrik sanatı savunmuştur. Art Concret’in bazı üyeleri Otto G. Carlsund (1897-1948), Leon Tutundijan (1905-1968) ve Jean Helion (1904-1987) idi.
1930 yılında Art Concret, Revue Art Concret adlı bir dergide bir manifesto yayınladı. Bu manifesto, somut resmin temel kuralları olduğunu öne sürdükleri şeyleri içeriyordu. Grubun sanatçıları sanatın evrensel olması gerektiğine inanıyordu. Başka bir deyişle, sanat eserini anlamak için dışarıdan herhangi bir bilgi gerekmemelidir. Sembolizm ve dramadan kaçındılar ve eserlerinin, eserin kendisi dışında herhangi bir anlam içermesini istemediler. Bu şekilde izlenimci eğilimlere karşıydılar ve resmin mekanik olması gerektiğini düşünüyorlardı.
Ancak Van Doesburg, çalışmaları tamamen soyut olmayan sanatçıları kapsam dışında bırakmıştır. Dışlanan bu sanatçılar, defacto lider Joaquin Torres-Garcia (1874-1949) ile birlikte Cercle et Carre grubunu kurdular. Belçikalı eleştirmen Michel Seuphor (1901-1999) Cercle et Carre’ın bir parçasıydı. Bu grup Art Concret ile benzerlikler taşımakla birlikte, sanat eserlerinde dışavurumcu veya temsili eğilimlerin bulunmasına izin vermiştir.
Art Concret hareketinin arkasındaki akademik güç Van Doesburg olsa da, terimin kendisi İsviçreli mimar ve sanatçı Max Bill’in (1908-1944) çalışmalarıyla popülerleşmiştir. Bill’in kamuya açık heykellerine örnek olarak Ludwigshafen’deki Endlose Treppe (Sonsuz Merdivenler) verilebilir. Heykel yalnızca üst üste ve üst üste bindirilmiş bloklardan oluşuyor. Drama, dış anlam veya didaktik mesaj içermeyen yalın bir anlatım. Bu nedenle Somut Sanat Akımını örneklemektedir.
11. Soyut dışavurumculuk
Başlıca soyut sanat stillerinden bir diğeri ise Soyut Dışavurumculuk ya da Post-Resimsel Soyutlama ‘dır. Bu sanat akımında sanatçılar duygularını ifade etmek için soyut sanatı kullanmaya çalışmışlardır. Özellikle İkinci Dünya Savaşı’nı takip eden yıllarda sanatçılar gördükleri dehşetle başa çıkmaya çalışırken bu durum söz konusuydu. Bu terim, dışavurumculuğu soyut sanatla birleştiren sanatçılar için belirsiz bir şemsiye terim olarak hizmet etti. Bu sanatçılar Van Gogh ve Gauguin gibi sanatçıların dışavurumcu eğilimlerini alıp soyutlama ilkeleriyle birleştirdiler. Alman Dışavurumculuk akımını temel aldılar. Ab Ex hareketi 1940’larda New York’ta başladı ve genellikle sanat dünyasının merkezinin Paris’ten New York’a taşınmasının nedeni olarak gösterilir.
Soyut dışavurumcu, figürü tuvalden çıkarırken duygusal yoğunluğun olduğu bir yerden resim yapıyordu. Her bir sanatçı, Ab ex eserlerini yaratmak için kendi duygusal deneyimlerinden yararlandı. Bu sanatçılara örnek olarak Clyfford Still, Willem de Kooning (1904-1997), Arshile Gorky (1904-1948), Mark Rothko, Lee Krasner, Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-1962), Adolph Gottlieb (1903-1974), David Smith (1906-1965), Hans Hoffmann (1880-1966) ve Joan Mitchell (1925-1992) verilebilir.
Damla resmin öncüsü ve bu soyutlama tarzının arkasındaki lider güç Amerikalı sanatçı Jackson Pollock’tur. Pollock, anıtsal tuvallerini yaratmak için onları düz bir zemine yatırır ve tuvale boya damlatır, fırlatır ve fırlatırdı. Sonbahar Ritmini Yaratırken (Sayı 30 ) (1950) Pollock, boyayı tuval ile birleştirmek için süpürme hareketleri, dans hareketleri ve şiddetli sallanmalar kullanmıştır. Pollock bunu yaparken hem fiziksel hem de psikolojik olarak resmin bir parçası haline geldiğine inanıyordu. Pollock, Carl Jung’un bilinçdışı kavramını incelemiş ve sanatta bilinçdışı ifadenin teorik argümanlarına inanmıştı. Pollock’un eşi Lee Krasner, yakın zamanda de Kooning’in çalışmalarını incelediği ve soyut dışavurumcu tarzda kendine özgü kadınsı eserler geliştirdiği kendi sanatsal pratiğiyle ün kazandı.
Bazı daha spesifik sanatsal hareketler bu akımdan esinlenmiş ve tipik olarak bu akımın şemsiyesi altında var olmuş olarak tanımlanmıştır. Bunlardan bazıları Action painting, color field, Lyrical, Art informal ve Tachisme’dir.
12. Lirik Soyutlama
Lirik soyutlama, sanatta İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemde ortaya çıkan belirli bir eğilime atıfta bulunan bir terimdir. Lirik tarz, kübizm, sürrealizm minimalizm ve tüm geometrik soyutlamaya karşıydı. Bu terim, ressamca olduğu için lirik olarak adlandırılan bir resim tarzına atıfta bulunuyordu. Bu tarz tipik olarak daha gevşek boyalı, illüzyonist mekanlara sahip eserler olarak nitelendirilir. Lirik soyut eserler yaratmak için kullanılan sanat stilleri ve tekniklerinden bazıları daha gevşek boya, akrilik boyama ve damla boyamayı içeriyordu. Örneğin Rothko boyama, Pollock ise damla boyama yöntemini kullanmıştır. Bu sanat biçiminde resimler, başka biçimlerin temsilleri olarak değil, bizzat gerçek şeyler olarak okunabilir. Bu tarzdaki sanatçılar lirik ya da ressamca bir üslupla duyumsal, romantik ve gevşek jestlere dayalı eserler yaratmaya çalıştılar.
Arshile Gorky (1904-1948) 1940’lardan beri soyut çalışmalarını tanımlamak için Lirik terimini kullanmıştır. Bu terim sanat dünyasında ilk kez 1951 yılının Mart ayında Michel Tapie’nin (1909-1987) Nina Dausset Galerisi’nde Vehemences Confrontees adlı bir sergi düzenlemesiyle kullanılmaya başlandı. Sergide hem Fransız hem de Amerikalı sanatçılar yer aldı. Tapie, sergiyi tartışırken “Lirik soyutlama [was] doğdu” diye belirtmiştir. Bununla birlikte, modern kullanımda bu terim, çok farklı resim tarzlarını tek bir yönerge altında basitleştirme eğilimi nedeniyle tartışmalı kabul edilmiştir.
1960-70’lerde New York, Los Angeles ve Washington DC’de lirik tarzda çalışan sanatçılara atıfta bulunmak için popüler hale gelen bu terim ve tarz, bazı sanatçıların soyutlamaya ressamca bir yaklaşımı savunarak minimalist sanata karşı çıkmasıyla kısa bir süre için yeniden popülerlik kazandı. Aynı şey 1970 yılında Avrupa’da Paul Kallos (1928-2001), Georges Romathier (1927-2017) ve Thibaut de Reimpre (d.1949) gibi sanatçıların bu sanat akımının yeniden canlanmasına öncülük etmesiyle gerçekleşti.
Avrupa’daki sanatçılar için Soyutlama Liriği olarak biliniyordu. Abstraction Lyrique sanatçıları arasında Tachisme tarzında çalışan Jean Jose Marchard (1920-2011), Hans Hartung ve Georges Mathieu (1921-2012) yer almaktadır. Çalışmaları lirik sınırlarda gezinen diğer Avrupalı sanatçılar Wassily Kandinksy, Serge Poliakoff, Pierre Soulages ve Jean Messagier’dir. Aslında 1940’larda Sam Francis, Jules Olitski, Joan Mitchell gibi birçok Amerikalı sanatçı Avrupa’da yaşamış ve çalışmıştı. Bu noktada sanat eleştirmenleri, Avrupa Soyutlama Dili teriminin ve kullanımının, New York’ta geçirdiği kısa sürenin ardından sanat dünyasının merkezini Paris’e geri getirme çabası olduğunu öne sürdü.
Amerikalı sanatçılar, New York ve Washington D.C.’de Lirik Soyutlama’yı hayata geçirmek için çok çalışarak geri adım attılar. Bu sanatçılar Walter Darby Bannard (1934-2016), Ronald Davis (d1937), Helen Frankenthaler, Cleve Gray (1918-2004), Ronnie Landfield (d.1947), Robert Natkin (1930-2010) ve Dorothy Gillespie (1920-2012) idi. Ancak, Yves Klein (1928-1962) gibi sanatçıların yeni gerçekçiliği baskın tarz haline gelecek ve dünya çapında sanatçılara ilham verecekti.
13. Eylem boyama
Aksiyon resmi, 1940’lardan 1960’lara kadar Soyut Dışavurumculuk şemsiyesi altında var olan soyut sanat içinde bir akımdı. New York dışavurumculuk okulundan ve Fransız Tachisme’den esinlenmiş ve bunlarla yakından ilişkilidir. Ab ex hareketi içinde, bitmiş üründen ziyade resmin fiziksel eylemini vurgulayan bir sanat yaratma eğilimi vardı. Bu hareket İkinci Dünya Savaşı’nın dehşetine bir tepkiydi. Sanatçılar bunu tanınabilir nesneleri tasvir etmekten ziyade içsel duygularını ifade etmenin bir yolu olarak gördüler.
Harekete dayalı resmin öncülüğünü, çok sayıda jestsel fırça çalışması kullanan ve boyayı tuvaline kendiliğinden uygulayan Jackson Pollock yapmıştır. Pollock’un eserleri anlatısal anlamdan, bilinen sembollerden ya da işaretlerden yoksundu. Anıtsal tuvalleri onun içsel duygularını keşfetti. Onun 1948 tarihli 1A Numarası bu tür sanatın mükemmel bir örneğidir. Başlık herhangi bir anlatı bağlamı içermemektedir. Pollock, tuval üzerindeki karmaşanın kendi iç benliğini yansıttığına inanıyordu. Bu çalışmanın gelişiminin büyük bir kısmı performatif bir eylemdi. Pollock, büyük boy tuvali yere yerleştirdi ve boyayı agresif ve performatif bir şekilde tuvalin üzerine fırlattı, düşürdü ve fırçaladı. Hatta küvetlerden birini kesip açmış ve boyayı doğrudan tuvalin üzerine sıkmış ve kendi el izlerini de eklemiştir.
Eylem yoluyla sanat yaratan sanatçılar arasında Sam Francis, Willem de Kooning, Elaine de Kooning (1918-1989), Michael Goldberg (1924-2007), Lee Krasner, Grace Hartigan (1922-2008), Franz Kline, Joan Mitchell ve Philip Guston (1913-1980) sayılabilir.
Bu eğilim için kullanılan terim Harold Rosenberg tarafından tanımlanmıştır. Rosenberg, asıl sanatın eserin kendisinden ziyade eseri yapma eylemi olduğunu öne sürmüştü. Bu düşünce, Clement Greenburg’un sanatın ancak sergilendiği zaman sanat olduğu düşüncesiyle taban tabana zıttı. Rosenberg’in sanat teorisi aşağıdaki sanatsal hareketlerin gelişimini etkileyecektir; Fluxus, kavramsal sanat, performans sanatı ve enstalasyon sanatı.
14. Art Informel
Art Informel, Lirik temelli soyutlama, Tachisme ve art brut gibi sanatta birçok özgün eğilimi kapsayan sanatsal bir hareket için kullanılan genel bir terimdir. Enformel hareket, Soyut Dışavurumculuğun Avrupa versiyonudur ve 1940’lar ile 1950’ler arasında Fransa’da popüler olmuştur. Bu dönemde geometrik olmayan soyut sanatın bir parçasıydı, yani temsili olmayan sanattan yararlanıyordu. İnformel Sanat, resim ve sanatta her türlü biçimsel nitelikten veya resimsel gelenekten tamamen yoksundu. Bu hareket sanatçılara içsel duygularını keşfetme özgürlüğü verdi.
Bu akımın sanatçıları artık sanatın geleneksel olarak anlaşılıp anlaşılamayacağıyla ilgilenmiyorlardı. Tanınabilir nesneler, işaretler, semboller ya da geleneksel anlatı işaretleri kullanmamışlardır. Bunun yerine, kendilerini sanatla ifade etmek için kendi bireysel ve özel dillerini yarattılar.
Akımın sanatçılarından biri de İspanya doğumlu ancak Fransa’da ikamet eden Laurent Jimenez-Balaguer’dir (1928-2015). Jimenez-Balaguer’in çalışması performatifti. Hareketli vuruşlar kullandı ve tuvalin boyanmasını sanatın kendisinin bir parçası olarak gördü.
Hareketin bir kolu da Kaligrafik Soyutlama alanında çalışan sanatçılardı. Bu, sanatlarında yazı unsurlarını veya yazı benzeri formları kullandıkları anlamına geliyordu. Bu konuda tanınan sanatçılar Hans Hartung (1904-1989), Pierre Soulages (1919-2022) ve Georges Mathieu’dur (1921-2012). Enformel sanat tarzında çalışan sanatçılar arasında Sam Francis (1923-1994), Pablo Serrano (1908-1985), Jean Dubuffet (1901-1985) ve Jean Paul Riopelle (1923-2002) yer almaktadır.
Sanatçıların çoğu, tüm anlatı unsurlarını ortadan kaldırmak için tuvallerini numaralandırdı. Hartung, T1989-A4 adlı bu çalışmayı 1989 yılında yarattı ve tamamlamak için Tachsime temelli bir boyama tekniği ve jestsel fırça çalışması kullandı. Bu hareketin modern sanatın gelişimi için ne kadar önemli olduğu yadsınamazdı.
15. Tachisme
Art Informal hareketinin bir parçası olan Tachisme, büyük ölçüde yüzyılın başında çok popüler olan dışavurumculuğa bir tepkiydi. Soyut dışavurumcu hareket Amerika’da başladıktan sonra 1940’lar ve 1950’lerde Avrupa’da daha az agresif ama aynı derecede popüler bir çıkış yaptı. Fransa’da bu dönemde geometrik soyutlama daha az popülerdi ve sanatçılar içsel duygularını soyutlama yoluyla ifade etmekle ilgileniyorlardı.
Tachisme, Kübizm’den ve Art Informal hareketindeki biçim eksikliğinden esinlenmiştir. Bu tarzda çalışan sanatçılarda nesnellik yoktur, sadece soyut bir tuval üzerinde duygu ve ifade ön plandadır.
Amerika’da Jackson Pollock tarafından popüler hale getirilen aksiyona dayalı resme benzeyen Tachisme, o anda gerçekleşen spontane fırça çalışmalarını içeriyordu. Bu şekilde sanatçılar, organik ve engelsiz bir şekilde tuval üzerine boya sıçratma, damlatma ve damlatma özgürlüğüne sahip oldular.
Tachisme terimi Fransızca’da Leke anlamına gelen Tache kelimesinden gelmektedir ve elbette Jean Messagier (1920-1999), Serge Poliakoff (1900-1969) ve Sam Francis (1923-1994) gibi sanatçılarda yaygın olan tuvali boyama yöntemine atıfta bulunmaktadır.
Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Jean Dubuffet (1901-1985), Pierre Soulages (1919-2022) ve Hans Hartung (1904-1989) gibi birçok sanatçı Tachisme tarzında çalışmıştır.
16. Renk alanı
Renk alanı resmi soyut sanat akımlarından biriydi ve resim düzleminde kesintisiz geniş düz renk alanlarına odaklanıyordu. Sanatçılar, renk alanı ya da renk bloklama efektini elde etmek için tuvalin üzerine boyama ve renk püskürtme gibi farklı yöntemler kullanmışlardır. Bu terim, 1940’lar ve 1950’lerde New York’ta Pollock gibi sanatçılara bir tepki olarak başlayan bir yüzyıl ortası akımını ifade ediyordu. New York’tan Washington D.C.’ye taşınan stil, Kenneth Noland (1924-2010) ve Morris Louis’in (1912-1962) yönetimine geçti. Color Field Kanada, İngiltere ve Avustralya’da da popüler oldu. Renk alanı tarzındaki soyut resimlerden biri de Noland’ın Beginning (1958) adlı eseridir.
Bu tarz 1960’larda devam ederken Color Field’da çalışan sanatçılar Soyut Dışavurumculuk ve Aksiyon resminin aşırı duygusal çıktılarından uzaklaşmaya ve daha dingin bir renk bloklama tarzına yönelmeye başladılar. Renk Alanı’nda renk, ikincil bir nesneyi temsil etmek yerine görüntünün öznesidir.
Çok iyi bilinen bir Renk Alanı ressamı Amerikalı ressam Mark Rothko’dur (1903-1970). Rothko, 1930 ve 1940’larda kent manzaraları ve sürrealizmden etkilendikten sonra, New York Metropolitan Müzesi’nde sergilenen 13 Numara (Sarı Üzerine Beyaz, Kırmızı) gibi nonfigüratif eserler üretti. Rothko, Soyut Dışavurumcu çalışmalarında ruh hallerini çağrıştırmak için renkleri kullanan Clyfford Still’den (1904-1980) ilham aldı.
Renk Alanı tarzında çalışan bir başka Amerikalı sanatçı da Helen Frankenthaler’dir (1928-2011); ünlü Dağlar ve Deniz (1952) adlı eserinde Pollock’un dökme boya tekniği ile Rothko’nun renk alanlarını birleştiren yeni öncü bir boyama tekniği kullanılmıştır.
Önemli Renk Alanı ressamları arasında Robert Motherwell, Barnett Newman (1905-1970) ve Arshile Gorky sayılabilir. Aslında, Renk Alanı tarzında çalışan sanatçıların çoğu Soyut Dışavurumcu olarak başladı. Renkli alan stilinde çalışmaya devam eden diğer yaratıcılar arasında Sam Francis (1923-1994), Sam Gilliam (1933-2022), Gene Davis (d.1952), Jules Olitski (1922-2007) ve Frank Stella (d. 1936) vardı. Renk alanlarına yapılan vurgu, nesnelerin ve figürasyonun postmodern sanata yeniden girmesinden sonra bile devam edecekti.
17. Sert kenarlı boyama
1950’lerde Amerika Birleşik Devletleri’nde belirli bir soyut sanat türü popüler hale geldi. Geometrik soyutlama ve Renk Alanı Sanatı ile yakından ilişkili olan Sert Kenar resminin temel özelliği, bir şekil ile diğeri arasındaki ani geçişti. Bu sanat formu, Color Field ile büyük renk bloklarının özelliklerini paylaşıyordu. Bununla birlikte, Renk Alanı sanatı daha gevşek fırça işçiliği de içeriyordu ve tüm kenarların sert ve keskin olması gerektiğini dikte etmiyordu.
Hard-Edge görünümünü elde etmek için sanatçılar hızlı kuruyan akrilik boya ve tek tip uygulamanın yanı sıra şekiller ve hassas çizgiler oluşturmak için bant kullandılar. Heykelde bu durum minimalizmle sonuçlandı.
Amerikalı ressam Ellsworth Kelly’nin (1923-2015) Mavi, Yeşil, Sarı, Turuncu, Kırmızı (1966) adlı eseri buna iyi bir örnektir. Beş renk birbiri ardına tam olarak bölünmüştür.
Renk Alanı ve Sert Kenar resmini belirleyen kavramlardan biri, bir resmin sadece düz renkli bir yüzey olduğu ve dışarıdan herhangi bir anlam taşımadığıydı. Aslında, Amerikalı sanatçı Frank Stella (d.1936) bir resmin “üzerinde boya olan düz bir yüzeyden başka bir şey olmadığını” söylemiştir. Stella’nın Hard-Edge resimleri, Hard-Edge resim ile minimalist heykeli birleştirmesi bakımından ikoniktir. Örnek olarak Harran II (1967) veya Agbatana III (1968) verilebilir.
Diğer Hard-Edge sanatçıları arasında Karl Benjamin (1925-2012), Lorser Feitelson (1898-1978), Frederick Hammersley (1919-2009), June Harwoood (1933-2015) ve Helen Lundeberg (1908-1999) yer almaktadır.
18. Op art
Op Art terimi ilk kez 1964 yılında Polonyalı sanatçı Julian Stanczak’ın (1928-2017) Optik Resimler adlı sergisiyle ilgili bir makalede kullanılmıştır. Makale Time Dergisi’nde yayımlanmıştır. Bu terim Optik Sanat’ın kısaltmasıydı. 1960’larda ve 1970’lerde soyut sanatın optik yanılsamalar içerecek şekilde üretildiği bir sanat akımına atıfta bulunur. Eserler tipik olarak siyah ve beyaz şekillerin, hareket olmadığı halde hareket varmış izlenimi verecek şekilde bir araya getirilmesiyle oluşturulmuştur. İzleyiciler bu parçalara yaklaştıkça hareket ediyor, yanıp sönüyor ya da eğriliyorlarmış gibi görünüyorlardı ya da gizli görüntüler belirli açılardan görünürken diğer açılardan görünmüyordu. Bazen Trompe L’oeil ya da Fransızca’da “göz hilesi” olarak adlandırılan bu yanılsamalı etki
Soyut sanatın bir başka biçimi olan Optik sanat, Neo-Empresyonizm, Kübizm, Fütürizm ve Dada sanatından etkilenmiştir. Ancak belki de en etkili akım Bauhaus’ta popülerlik kazanan konstrüktivizm olmuştur.
Macar Victor Vasarely (1906-1997) tipik olarak hareketin Avrupalı lideri olarak düşünülür. Vasarely’nin Pecs’teki heykeli, illüzyon geleneğinin heykele nasıl dönüştüğünü gösteriyor. Heykel yandan bakıldığında düz bir yüzey üzerinde küçük renkli bloklardan oluşuyor. Ancak, iki küpe düz olarak bakıldığında, optik yanılsama nedeniyle 3 boyutlu bir alan içinde yüzüyormuş gibi görünür.
William C. Seitz’in (1914-1974) New York Modern Sanat Müzesi’ndeki The Responsive Eye (1965) sergisi Amerika’da akıma ün kazandırdı. Bu sanat tarzında çalışan diğer sanatçılar arasında Isia Leviant (1914-2006), Julian Stanczak (1928-2017) ve Richard Anuszkiewicz (1930-2020) bulunmaktadır.
Bir süre sonra sanatçılar renklerle optik illüzyonlar üretmeye başladılar. Bu sanatçılardan biri de Bridget Riley (d.1931) idi. İngiliz sanatçı, baktıkça hareket ediyormuş gibi görünen siyah beyaz optik illüzyonun tipik bir örneği olan Movement in Squares (1961) adlı çalışmasıyla tanınıyordu. Ancak Riley’nin Shadow Play (1990) gibi sonraki çalışmaları renkleri de içeriyordu.
Alıntılar
- Brodskaya, Nathalia. The Fauves. Birleşik Krallık: Parkstone International, 2012.
- Frank, Patrick, “Prebles’ ArtForms” Pearson Prentice Hall. Upper Saddle River: New Jersey, 2009.
- “Pointillism Modern Sanat İçin Ne İfade Ediyor?” Youtube, Seens tarafından yüklendi, 2021
- “Bu neden önemli? Looking at Jackson Pollock,” Youtube, SmartHistory tarafından yüklendi, 2010
